Bastante más que ?la sucesora de Breaking Bad”, Ozark consiguió a lo largo de sus tres temporadas (y de la cuarta y final, cuya primera parte acaba de estrenarse por Netflix) un altísimo vuelo propio a pesar de meterse con la transitada problemática del narco.
Es eso, un narcothriller, pero de ningún modo, uno más. Y en parte es así por el uso estratégico de la música que atraviesa la serie en paralelo a la destreza del guion. Así, el rock de guitarras va aquí de lo clásico a lo alternativo; el soul de las divas de los 50 al vintage siglo XXI y el hip hop desde las raíces a la vanguardia popular de los últimos veinte años. Lo que sigue es puro Ozark para los oídos.
?Bésame mucho? (Tino Rossi, 1945)
La versión francesa del bolerazo compuesto por la concertista mexicana Consuelo Velázquez en 1940 se escucha durante una secuencia truculenta en la tercera temporada de la serie. Con Marty Bride secuestrado es que la voz del mítico amante latino de origen corso (1907-1983) se deja oír como una mancha ominosa donde lo romántico deviene siniestro. Es uno de los habituales recursos de los musicalizadores de las series, que desvían al original de su intención entre el consumo irónico y la perversión. Rossi la volvió un éxito para el público francófono con un aire a tango argentino en los arreglos de cuerdas y las guitarras gardelianas.
Prefiero quedarme ciego (Etta James, 1968)
En una de sus interpretaciones más sentidas, la legendaria Etta James (1938-2012) exprime soul, blues y jazz en esta balada firmada a dúo con Ellington Jordan, quien le mostró el primer esbozo en la prisión, según la misma diva contó en su autobiografía Ira por sobrevivir. Ya en plena contracultura, su estilo había influido decisivamente en el de Janis Joplin y, luego, en el de Robert Plant (esos ?baby? travestidos en Zeppelin). Pero la instrumentación desatiende el rumor ambiente para apegarse a la etiqueta del alma profunda. Un órgano la sobrevuela y la guitarra no tiene otro efecto que un trémolo suave, casi inadvertido. Una joya de pop negro disuelta también en la temporada 3.
“¿No me oyes tocar la puerta?” (The Rolling Stones, 1971)
Hay mucho rock de guitarras clásico y alternativo en el soundtrack de Ozark. Muy pronto, en el capítulo 4 de la temporada 1 aparece esta anomalía stone de 7 minutos donde la guitarra de Mick Taylor, el énfasis percusivo de las congas y cierto aire de improvisación embriagada remiten al sonido de Carlos Santana. Es interesante que Ozark haya buceado en uno de los mejores paisajes sonoros construidos por el grupo en toda su discografía. Desde los 2 minutos y 43 segundos la canción cambia de rumbo en una deriva tan incierta como el espesor que asoma por detrás de la aparente normalidad en la vida de Marty y Wendy. Por cosas como esta no son solo una banda de covers de blues, señor pablo.
?Tómate un cigarro? (Pink Floyd, 1975)
El momento más balancín del álbum Desearía que estuvieras Aquí es el que abre la futura pregunta de la obra conceptual y autobiográfica La pared: ?¿Cuál de ustedes es Pink?? Roger Waters pone en marcha aquí su psicoanálisis del espectáculo y de la industria musical con el fantasma culpógeno de Syd Barrett, el fundador del grupo y pionero de la psicodelia. Suena ajustado al clima de la serie con los capos narco en el lugar de managers y los Bryde haciendo de Pink Floyd, una familia para nada normal.
?Mala reputación? (Thin Lizzy, 1977)
El éxito de una serie global como Ozark puede empujar a la visibilidad a un viejo como Thin Lizzy, sin lugar en las radios de clásicos y rescatados cada tanto por cubre como aquel de Metallica (?Whiskey in a Jar?) del álbum garaje inc. de 1998. El grupo irlandés suena aquí rápido y furioso anticipando la síncopa del futuro Thrash metal. También es característico el unísono de las guitarras al final (doblada aquí, ya que Brian Robertson grabó solo en dos tracks) con un hipnótico desarrollo instrumental. La canción de Joan Jett editada apenas cuatro años después (entonces era mucho tiempo) no tiene ninguna relación con la escrita por Phil Lynot. Thin Lizzy también tuvo su cameo en Amazon a través de la serie Los chicos.
?Es hora de que yo vuele? (REO Speedwagon, 1978)
Grupos como REO Speedwagon le dieron forma entre la segunda mitad de los 70 y principios de los 80 a un subgénero (un objetivo también) conocido como AOR (acrónimo de Rock orientado a adultos) que vendría a ser la moderación como todo extremo. Paralelo a la nueva ola, en el AOR el rock progresivo se volvía pastiche melódico como lo muestra este hit, que parece mediar entre Yes y Air Supply. La diferencia con el resto de la playlist es que los REO Speedwagon aparecen tocando en la serie (episodio 3 de la temporada 3), animando un evento al mismo tiempo que Wendy canta el original mientras maneja por la ruta. Esta aparición empujó el regreso del grupo al chart Hot Rock de Billboard en abril de 2020. No solo eso, sino que el cantante Kevin Cronin (?Kevin Cronin Was Here?, se llama el capítulo) declaró: ?Gracias a Ozark mis propios hijos ahora creen que soy cool?. Frio.
?Caja en forma de corazón? (Nirvana, 1993)
El basura blanca Russ Langmore (Marc Menchaca) trae el fantasma de Kurt Cobain cuando rasguea en la guitarra acústica los primeros acordes de ?The Man Who Sold The World?, más en el estilo del Nirvana desenchufado que del original de Bowie. Fuera de esto no puede establecerse ninguna asociación entre este personaje oscuro y el sensible líder del trío de Seattle. Nirvana vuelve en la tercera temporada con ?Heart Shaped Box?, una de las más contundentes canciones de en el útero y un Everest artístico para MTV, con ese video dirigido por Anton Corbjin montado en la mejor tradición surrealista.
?Rehabilitación? (Amy Winehouse, 2006)
El éxito vintage de la desgraciada Amy puede parecer una elección obligada para una serie cuya acción se rige bajo los parámetros del narcotráfico. Pero sería más justo para con su cuerpo frágil y su voz ronca pensarla en la genealogía de una Etta James, ya mencionada en esta playlist. Parte del rescate de Winehouse resultó también en un rechazo por la digitalización de la música para afirmar no solo un sonido sino una manera física de aproximarse al acto musical. Ningún holograma va a traer de vuelta tanto dolor y semejante pasión.
Fugitivo (Kanye West, 2010)
Uno de los capítulos de la temporada 3 se va con el piano minimalista de uno de los mejores collages (lo de canción no termina de ser adecuado) de West que, a contramano de Winehouse, convirtió al sintonización automática en el Wow wow de la segunda década del siglo XXI. Bien en la línea intimista de 808 y Hertbreak, ?Runaway? es un desafío a los límites del hip hop y un ejemplo de vanguardia negra para una escena masiva y global. El soul aparece aquí deconstruido, astillado en fragmentos, como si una tablet fuera arrojada con violencia al piso.
?El Correo Diario? (Radiohead, 2011)
Radiohead es un grupo al que Ozark recurre en sus tres temporadas. En este caso con un simple (editado en paralelo al álbum rey de las extremidades) guiado por una cadencia de piano muy característica que se complejiza en cada compás. Así, el trauma expuesto de Thom Yorke se homologa con el laberinto en el que desemboca la vida de Marty Bride. Ozark y el grupo de Oxford están hechos, en el fondo, de la misma sustancia oscura.
Bastante más que ?la sucesora de Breaking Bad”, Ozark consiguió a lo largo de sus tres temporadas (y de la cuarta y final, cuya primera parte acaba de estrenarse por Netflix) un altísimo vuelo propio a pesar de meterse con la transitada problemática del narco.
Es eso, un narcothriller, pero de ningún modo, uno más. Y en parte es así por el uso estratégico de la música que atraviesa la serie en paralelo a la destreza del guion. Así, el rock de guitarras va aquí de lo clásico a lo alternativo; el soul de las divas de los 50 al vintage siglo XXI y el hip hop desde las raíces a la vanguardia popular de los últimos veinte años. Lo que sigue es puro Ozark para los oídos.
?Bésame mucho? (Tino Rossi, 1945)
La versión francesa del bolerazo compuesto por la concertista mexicana Consuelo Velázquez en 1940 se escucha durante una secuencia truculenta en la tercera temporada de la serie. Con Marty Bride secuestrado es que la voz del mítico amante latino de origen corso (1907-1983) se deja oír como una mancha ominosa donde lo romántico deviene siniestro. Es uno de los habituales recursos de los musicalizadores de las series, que desvían al original de su intención entre el consumo irónico y la perversión. Rossi la volvió un éxito para el público francófono con un aire a tango argentino en los arreglos de cuerdas y las guitarras gardelianas.
Prefiero quedarme ciego (Etta James, 1968)
En una de sus interpretaciones más sentidas, la legendaria Etta James (1938-2012) exprime soul, blues y jazz en esta balada firmada a dúo con Ellington Jordan, quien le mostró el primer esbozo en la prisión, según la misma diva contó en su autobiografía Ira por sobrevivir. Ya en plena contracultura, su estilo había influido decisivamente en el de Janis Joplin y, luego, en el de Robert Plant (esos ?baby? travestidos en Zeppelin). Pero la instrumentación desatiende el rumor ambiente para apegarse a la etiqueta del alma profunda. Un órgano la sobrevuela y la guitarra no tiene otro efecto que un trémolo suave, casi inadvertido. Una joya de pop negro disuelta también en la temporada 3.
“¿No me oyes tocar la puerta?” (The Rolling Stones, 1971)
Hay mucho rock de guitarras clásico y alternativo en el soundtrack de Ozark. Muy pronto, en el capítulo 4 de la temporada 1 aparece esta anomalía stone de 7 minutos donde la guitarra de Mick Taylor, el énfasis percusivo de las congas y cierto aire de improvisación embriagada remiten al sonido de Carlos Santana. Es interesante que Ozark haya buceado en uno de los mejores paisajes sonoros construidos por el grupo en toda su discografía. Desde los 2 minutos y 43 segundos la canción cambia de rumbo en una deriva tan incierta como el espesor que asoma por detrás de la aparente normalidad en la vida de Marty y Wendy. Por cosas como esta no son solo una banda de covers de blues, señor pablo.
?Tómate un cigarro? (Pink Floyd, 1975)
El momento más balancín del álbum Desearía que estuvieras Aquí es el que abre la futura pregunta de la obra conceptual y autobiográfica La pared: ?¿Cuál de ustedes es Pink?? Roger Waters pone en marcha aquí su psicoanálisis del espectáculo y de la industria musical con el fantasma culpógeno de Syd Barrett, el fundador del grupo y pionero de la psicodelia. Suena ajustado al clima de la serie con los capos narco en el lugar de managers y los Bryde haciendo de Pink Floyd, una familia para nada normal.
?Mala reputación? (Thin Lizzy, 1977)
El éxito de una serie global como Ozark puede empujar a la visibilidad a un viejo como Thin Lizzy, sin lugar en las radios de clásicos y rescatados cada tanto por cubre como aquel de Metallica (?Whiskey in a Jar?) del álbum garaje inc. de 1998. El grupo irlandés suena aquí rápido y furioso anticipando la síncopa del futuro Thrash metal. También es característico el unísono de las guitarras al final (doblada aquí, ya que Brian Robertson grabó solo en dos tracks) con un hipnótico desarrollo instrumental. La canción de Joan Jett editada apenas cuatro años después (entonces era mucho tiempo) no tiene ninguna relación con la escrita por Phil Lynot. Thin Lizzy también tuvo su cameo en Amazon a través de la serie Los chicos.
?Es hora de que yo vuele? (REO Speedwagon, 1978)
Grupos como REO Speedwagon le dieron forma entre la segunda mitad de los 70 y principios de los 80 a un subgénero (un objetivo también) conocido como AOR (acrónimo de Rock orientado a adultos) que vendría a ser la moderación como todo extremo. Paralelo a la nueva ola, en el AOR el rock progresivo se volvía pastiche melódico como lo muestra este hit, que parece mediar entre Yes y Air Supply. La diferencia con el resto de la playlist es que los REO Speedwagon aparecen tocando en la serie (episodio 3 de la temporada 3), animando un evento al mismo tiempo que Wendy canta el original mientras maneja por la ruta. Esta aparición empujó el regreso del grupo al chart Hot Rock de Billboard en abril de 2020. No solo eso, sino que el cantante Kevin Cronin (?Kevin Cronin Was Here?, se llama el capítulo) declaró: ?Gracias a Ozark mis propios hijos ahora creen que soy cool?. Frio.
?Caja en forma de corazón? (Nirvana, 1993)
El basura blanca Russ Langmore (Marc Menchaca) trae el fantasma de Kurt Cobain cuando rasguea en la guitarra acústica los primeros acordes de ?The Man Who Sold The World?, más en el estilo del Nirvana desenchufado que del original de Bowie. Fuera de esto no puede establecerse ninguna asociación entre este personaje oscuro y el sensible líder del trío de Seattle. Nirvana vuelve en la tercera temporada con ?Heart Shaped Box?, una de las más contundentes canciones de en el útero y un Everest artístico para MTV, con ese video dirigido por Anton Corbjin montado en la mejor tradición surrealista.
?Rehabilitación? (Amy Winehouse, 2006)
El éxito vintage de la desgraciada Amy puede parecer una elección obligada para una serie cuya acción se rige bajo los parámetros del narcotráfico. Pero sería más justo para con su cuerpo frágil y su voz ronca pensarla en la genealogía de una Etta James, ya mencionada en esta playlist. Parte del rescate de Winehouse resultó también en un rechazo por la digitalización de la música para afirmar no solo un sonido sino una manera física de aproximarse al acto musical. Ningún holograma va a traer de vuelta tanto dolor y semejante pasión.
Fugitivo (Kanye West, 2010)
Uno de los capítulos de la temporada 3 se va con el piano minimalista de uno de los mejores collages (lo de canción no termina de ser adecuado) de West que, a contramano de Winehouse, convirtió al sintonización automática en el Wow wow de la segunda década del siglo XXI. Bien en la línea intimista de 808 y Hertbreak, ?Runaway? es un desafío a los límites del hip hop y un ejemplo de vanguardia negra para una escena masiva y global. El soul aparece aquí deconstruido, astillado en fragmentos, como si una tablet fuera arrojada con violencia al piso.
?El Correo Diario? (Radiohead, 2011)
Radiohead es un grupo al que Ozark recurre en sus tres temporadas. En este caso con un simple (editado en paralelo al álbum rey de las extremidades) guiado por una cadencia de piano muy característica que se complejiza en cada compás. Así, el trauma expuesto de Thom Yorke se homologa con el laberinto en el que desemboca la vida de Marty Bride. Ozark y el grupo de Oxford están hechos, en el fondo, de la misma sustancia oscura.
?No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico?.
Los hippies, beats y psiconáutas?quienes no le temían a la autoridad cuando se trataba de defender los derechos civiles y escuchaban rock n? roll con varias micras de ácido lisérgico en su sangre en medio de festivales masivos como Woodstock?se han esfumado. Esos tiempos en los que Santana aparecía en medio de un trance psicodélico tocando Sacrificio del alma y Jimi Hendrix afinaba su guitarra mientras tocaba un distorsionado Estandarte estrellado para rescatar a la nación de las manos de los fanáticos de la guerra y sus fantasías de invasiones foráneas, han desaparecido. Se han ido junto con esa época en la que no teníamos al mundo entero en la palma de nuestras manos a la velocidad de un par de clics, de posts, de tweets.
Aquellos individuos que evocaban el espíritu solitario y aventurero de Thoreau?ese hombre que tenía la razón más que su vecino y constituía una mayoría de uno?no resisten la tentación de las mayorías. Esos que salían rajados por las carreteras a la manera del Blues de la casa de la carretera de Jim Morrison a varias millas por hora en sus carros destartalados (o quizás al ritmo del Golpear la carretera de Ray Charles), no son más que un vago recuerdo que subsiste en las aceras con libros piratas y en los videos sin derechos de autor que se divulgan en YouTube. Del mismo modo poco podemos hacer para reivindicar a esa generación que además de andar en la carretera?En la carretera?vagabundeaba entre fronteras y vagones de trenes en busca del dharma como el que nunca alcanzó a asir Kerouac ni ninguno de los de la Generación Beat, como sí lo hizo Siddhartha con una simple sonrisa en el rostro.
Se avecina entonces el tiempo de una nueva contracultura, pues ya perecieron hasta los profetas que le cantaban a un futuro relativista en el que nada se puede medir, en el que ?La ventisca del mundo/ Ha cruzado el umbral /And it?s overturned / The order of the soul? como lo hacía Leonard Cohen con sombrero bien puesto y el micrófono en mano. Todo indica que al haber sobrepasado el umbral de la historia y el progreso, ese umbral del que hablaba el filósofo y sacerdote Iván Illich en los setenta al referirse a las instituciones (la sociedad que debe ser desescolarizada y la medicina que fácilmente puede tornarse iatrogénica), nos vemos incapaces de operar con mayor espontaneidad, sin pretensión alguna, rindiéndole cuentas a la academia, a los expertos y a la ciencia como dogma. Todo esto mientras nos mostramos resilientes, empoderados e inclusivos?siendo en realidad nada más que políticamente correctos y arrodillados ante la tecnocracia que ha trascendido el umbral del progreso para volverse contraproducente, como también lo advirtió Ivan Illich.
Por eso hoy veamos a estos íconos ya envejecidos abogando por coartar los derechos civiles. Siendo este el caso de Noam Chomsky, quien luego de décadas de obra dedicada a hablar del consenso manufacturado, aparece reclamando la exclusión de minorías enteras de la población por no estar vacunados y exigiendo que se remuevan a sí mismos de la sociedad. No titubea al dejarse llevar por el cardumen y los medios que insisten en que estos individuos son un peligro para la sociedad normalizada, percibiéndolos cual degenerados y viciados, incapaces de ajustarse a la norma.
Es así como en lugar de abogar por la educación gratuita y universal y la salud como un derecho mas no como un mandato, el progresismo flirtea con el biopoder. Sus representantes ruegan por el cierre de escuelas y universidades para que en su lugar el estado se encargue de enviarnos tapabocas N95 por correo a casa para cubrir rostros y expresiones, como lo solicita Bernie Sanders, líder del progresismo estadounidense. Por tal razón estos íconos envejecidos?sus cuerpos trajinados luego de décadas de una contracultura que hoy día hace de la utopía una distopía biopolítica?no lo pensarán dos veces en dejar sin empleo a madres cabeza de familia que trabajan en restaurantes, peluquerías y negocios propios al solicitar el cierre de establecimientos. Lo permitirán en aras de disminuir los casos, casi como haciendo la danza de lluvia para así preservar su propia vida, abandonando a estas mujeres a su suerte mientras sus hijos pretendan aprender una que otra lección en línea cual servicio de chat y transmisión.
Estos íconos independientes y progresistas sacan decretos de la manga para que, de la manera más inclusiva, tengamos que salir por turnos?mujeres un día, hombres el otro?y así cumplir con el decreto de pico y género como el que logró imponer la alcaldesa de Bogotá, Claudia López, en 2020. No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico. En otras palabras, nos imponen mandatos y decretos antes que brindarnos recursos e información con transparencia.
Es por ende que vemos a intelectuales como Carolina Sanín?bien letrada en La Ilíada, en la que la peste anuncia la guerra que se avecina entre aqueos y troyanos? hoy pretender hacer de la enfermedad contagiosa una bandera de la superioridad moral, como aparece en su trino en el que le ordena a los empleados de una droguería que tragaban y se chupaban los dedos sin tapabocas a que se lo pongan. Claro está, individuos como Sanín no tendrán inconveniente alguno en ingresar a un restaurante donde además de enseñar el carné vacunal en la entrada harán su orden a través de un menú con QR desde su smartphone y se sentarán a charlar con los de su misma casta intelectual sobre el devenir de la nación mientras comen con rostros desnudos pero plenos de virtud. Y, el mesero, representante de la clase trabajadora enmascarada, habrá de atenderlos a una distancia prudente y con un N95 bien ajustado al rostro.
Es entonces que nuestro espíritu de la época de la pureza sanitaria?querámoslo o no?a todos no envuelve en una maraña de decretos y protocolos para evitar que el abyecto, el poluto e indisciplinado, el no-vacunado, respire el mismo aire que el de aquellos a su alrededor y termine contagiando de impudor y malas costumbres a la comunidad entera. Por lo tanto, no resta más que, en palabras de Martin Luther King Jr., apelar a la tensión, a ?un tipo de tensión constructiva, no violenta, que resulta imprescindible para el desarrollo?, como lo explica en su Papel desde la cárcel de Birmingham escrita en 1963, en la que nos recuerda que ?la segregación distorsiona el alma y daña la personalidad?, pues estas leyes segregacionistas de la época, como las de hoy día bajo el clamor de la ciencia, ? proporciona[ban] a los segregadores una falsa sensación de superioridad, de la misma manera que proporciona[ban] una falsa sensación de inferioridad a los segregados?. Surge así el deber?en especial por parte de nosotros, los ya-vacunados?de proteger a esta minoría.
Es entonces que se avecina una nueva contracultura, una que venga acompañada de su propia música, su propia literatura y prensa, pero también de su propio arte, ojalá contestatario y callejero, como se divulga en los alrededores de la Universidad de la Florida, donde aparecen grafitis con los mensajes ?No mask? y ?Covid1984?, anunciando una ruptura con el aparato bio-médico de vigilancia que nos relega a la simple condición biológica, cuya vida debe ser protegida a toda costa?aun en cuanto esto implique la desintegración del colectivo. Así también se vislumbra en las manifestaciones alrededor del mundo, en las que se exige que no se convierta esta o demás intervenciones médicas en excusa para despedir y aplastar a la clase trabajadora; entre estas manifestaciones, las de los trabajadores de la salud en Inglaterra y la de la larga flota de camioneros en Canadá que al estar compuestos por individuos sin títulos universitarios, conocimiento científico y rednecks incultos, se les señala de fascistas.
Los hippies, beats y psiconáutas?quienes no le temían a la autoridad cuando se trataba de defender los derechos civiles y escuchaban rock n? roll con varias micras de ácido lisérgico en su sangre en medio de festivales masivos como Woodstock?se han esfumado. Esos tiempos en los que Santana aparecía en medio de un trance psicodélico tocando Sacrificio del alma y Jimi Hendrix afinaba su guitarra mientras tocaba un distorsionado Estandarte estrellado para rescatar a la nación de las manos de los fanáticos de la guerra y sus fantasías de invasiones foráneas, han desaparecido. Se han ido junto con esa época en la que no teníamos al mundo entero en la palma de nuestras manos a la velocidad de un par de clics, de posts, de tweets.
Aquellos individuos que evocaban el espíritu solitario y aventurero de Thoreau?ese hombre que tenía la razón más que su vecino y constituía una mayoría de uno?no resisten la tentación de las mayorías. Esos que salían rajados por las carreteras a la manera del Blues de la casa de la carretera de Jim Morrison a varias millas por hora en sus carros destartalados (o quizás al ritmo del Golpear la carretera de Ray Charles), no son más que un vago recuerdo que subsiste en las aceras con libros piratas y en los videos sin derechos de autor que se divulgan en YouTube. Del mismo modo poco podemos hacer para reivindicar a esa generación que además de andar en la carretera?En la carretera?vagabundeaba entre fronteras y vagones de trenes en busca del dharma como el que nunca alcanzó a asir Kerouac ni ninguno de los de la Generación Beat, como sí lo hizo Siddhartha con una simple sonrisa en el rostro.
Se avecina entonces el tiempo de una nueva contracultura, pues ya perecieron hasta los profetas que le cantaban a un futuro relativista en el que nada se puede medir, en el que ?La ventisca del mundo/ Ha cruzado el umbral /And it?s overturned / The order of the soul? como lo hacía Leonard Cohen con sombrero bien puesto y el micrófono en mano. Todo indica que al haber sobrepasado el umbral de la historia y el progreso, ese umbral del que hablaba el filósofo y sacerdote Iván Illich en los setenta al referirse a las instituciones (la sociedad que debe ser desescolarizada y la medicina que fácilmente puede tornarse iatrogénica), nos vemos incapaces de operar con mayor espontaneidad, sin pretensión alguna, rindiéndole cuentas a la academia, a los expertos y a la ciencia como dogma. Todo esto mientras nos mostramos resilientes, empoderados e inclusivos?siendo en realidad nada más que políticamente correctos y arrodillados ante la tecnocracia que ha trascendido el umbral del progreso para volverse contraproducente, como también lo advirtió Ivan Illich.
Por eso hoy veamos a estos íconos ya envejecidos abogando por coartar los derechos civiles. Siendo este el caso de Noam Chomsky, quien luego de décadas de obra dedicada a hablar del consenso manufacturado, aparece reclamando la exclusión de minorías enteras de la población por no estar vacunados y exigiendo que se remuevan a sí mismos de la sociedad. No titubea al dejarse llevar por el cardumen y los medios que insisten en que estos individuos son un peligro para la sociedad normalizada, percibiéndolos cual degenerados y viciados, incapaces de ajustarse a la norma.
Es así como en lugar de abogar por la educación gratuita y universal y la salud como un derecho mas no como un mandato, el progresismo flirtea con el biopoder. Sus representantes ruegan por el cierre de escuelas y universidades para que en su lugar el estado se encargue de enviarnos tapabocas N95 por correo a casa para cubrir rostros y expresiones, como lo solicita Bernie Sanders, líder del progresismo estadounidense. Por tal razón estos íconos envejecidos?sus cuerpos trajinados luego de décadas de una contracultura que hoy día hace de la utopía una distopía biopolítica?no lo pensarán dos veces en dejar sin empleo a madres cabeza de familia que trabajan en restaurantes, peluquerías y negocios propios al solicitar el cierre de establecimientos. Lo permitirán en aras de disminuir los casos, casi como haciendo la danza de lluvia para así preservar su propia vida, abandonando a estas mujeres a su suerte mientras sus hijos pretendan aprender una que otra lección en línea cual servicio de chat y transmisión.
Estos íconos independientes y progresistas sacan decretos de la manga para que, de la manera más inclusiva, tengamos que salir por turnos?mujeres un día, hombres el otro?y así cumplir con el decreto de pico y género como el que logró imponer la alcaldesa de Bogotá, Claudia López, en 2020. No olvidemos que en medio de todo este puritanismo sanitario, hoy día obligan a jóvenes en sus veintes y treintas a portar aplicaciones con certificado vacunal a la vez que prescinden del trabajo de visitar barrios y fincas en zonas rurales ofreciendo la vacuna. Prefieren convertir a esta gran herramienta médica en fortín político e ideológico, casi como un instrumento para el bautismo laico. En otras palabras, nos imponen mandatos y decretos antes que brindarnos recursos e información con transparencia.
Es por ende que vemos a intelectuales como Carolina Sanín?bien letrada en La Ilíada, en la que la peste anuncia la guerra que se avecina entre aqueos y troyanos? hoy pretender hacer de la enfermedad contagiosa una bandera de la superioridad moral, como aparece en su trino en el que le ordena a los empleados de una droguería que tragaban y se chupaban los dedos sin tapabocas a que se lo pongan. Claro está, individuos como Sanín no tendrán inconveniente alguno en ingresar a un restaurante donde además de enseñar el carné vacunal en la entrada harán su orden a través de un menú con QR desde su smartphone y se sentarán a charlar con los de su misma casta intelectual sobre el devenir de la nación mientras comen con rostros desnudos pero plenos de virtud. Y, el mesero, representante de la clase trabajadora enmascarada, habrá de atenderlos a una distancia prudente y con un N95 bien ajustado al rostro.
Es entonces que nuestro espíritu de la época de la pureza sanitaria?querámoslo o no?a todos no envuelve en una maraña de decretos y protocolos para evitar que el abyecto, el poluto e indisciplinado, el no-vacunado, respire el mismo aire que el de aquellos a su alrededor y termine contagiando de impudor y malas costumbres a la comunidad entera. Por lo tanto, no resta más que, en palabras de Martin Luther King Jr., apelar a la tensión, a ?un tipo de tensión constructiva, no violenta, que resulta imprescindible para el desarrollo?, como lo explica en su Papel desde la cárcel de Birmingham escrita en 1963, en la que nos recuerda que ?la segregación distorsiona el alma y daña la personalidad?, pues estas leyes segregacionistas de la época, como las de hoy día bajo el clamor de la ciencia, ? proporciona[ban] a los segregadores una falsa sensación de superioridad, de la misma manera que proporciona[ban] una falsa sensación de inferioridad a los segregados?. Surge así el deber?en especial por parte de nosotros, los ya-vacunados?de proteger a esta minoría.
Es entonces que se avecina una nueva contracultura, una que venga acompañada de su propia música, su propia literatura y prensa, pero también de su propio arte, ojalá contestatario y callejero, como se divulga en los alrededores de la Universidad de la Florida, donde aparecen grafitis con los mensajes ?No mask? y ?Covid1984?, anunciando una ruptura con el aparato bio-médico de vigilancia que nos relega a la simple condición biológica, cuya vida debe ser protegida a toda costa?aun en cuanto esto implique la desintegración del colectivo. Así también se vislumbra en las manifestaciones alrededor del mundo, en las que se exige que no se convierta esta o demás intervenciones médicas en excusa para despedir y aplastar a la clase trabajadora; entre estas manifestaciones, las de los trabajadores de la salud en Inglaterra y la de la larga flota de camioneros en Canadá que al estar compuestos por individuos sin títulos universitarios, conocimiento científico y rednecks incultos, se les señala de fascistas.
El blues. Bello género que sin sus raíces, ni siquiera tendríamos el rock (y por ende, su amada página Pólvora no existiría). Escalas y acordes blueseros permean en un sinfín de bandas que han alcanzado la gloria desde los 60. Pero la esencia original, permanece salvaguardada en la bohemia, en bares de tertulias iluminadas por velas. Una postal romántica que sigue viva gracias a agrupaciones Los Señores Blues Band.
Formados en 2016, el grupo está compuesto por cuatro señores bien conocidos de la escena nacional: del lado Moderatto, contamos con Elohim Corona y Marcello Lara. Por otra parte, desde la vieja guardia del rock en tu idioma, Bon y los Enemigos del Silencio se hacen presentes con su cantante, Leoncio ?Bon? Lara y el buen José Areán.
Previo a su show en el Vive Latino, hablamos en entrevista con Areán para conocer todos los detalles sobre su historia, el amor hacia el blues desde la adolescencia y claro, un par de cotorros viajes al pasado de los Enemigos del Silencio.
Los Señores Blues Band junto a José Areán
Háblame acerca de su nuevo sencillo, ?Cenizas?. Es interesante escuchar un tema de Javier Solís llevado al blues.
?La banda está hecha por gente que nos conocemos desde la secundaria; literal, cuatro décadas de tocar juntos. Y desde entonces, teníamos una versión de ?El Rey? en blues, porque ya nos gustaba mucho tocar.
La verdad es que la cercanía que hay entre el blues y la música ranchera mexicana es enorme. Ahí está el personaje del borracho de cantina con el corazón roto, que ya hasta su mamá lo abandonó? Es un prototipo absoluto tanto del blues, como de la música nacional.
Entonces con esa misma naturalidad que desde la secundaria habíamos logrado en hacer esa fusión, empezamos Los Señores hace cuatro años, aunque fue solo con la idea de divertirse, de sacar las canciones que nos gustaban como si fuésemos la banda de garage. Pero como empezó a tener éxito y repercusión, empezamos a encontrar un camino interesante que no nos habíamos planteado: ¿qué pasa si seguimos la fusión entre blues y la música mexicana?
El blues ha sido parte de la música de México desde los años 70, en especial lo vemos en la música urbana. Así que logramos esta unión bastante padre con rolas que en la superficie, no tendrían nada que ver pero en realidad, sí se conectan?.
Diablos, nunca había hecho la relación pero tienes toda la razón.
?¡Claro, está acomodado! El típico bluesero que perdió todo, no tiene casa y ya lo dejó la chava. ¡Por qué además todo siempre se trata de las chamacas! Desde Robert Johnson, él ya cantaba ?tengo a la mejor chava del mundo, es una bruja y a lo mejor me mata?. Esa temática a poco no podría ser la clásica canción de ardido ranchera.
Es bien interesante que haya esas bases y nosotros tampoco nos lo habíamos planteado filosóficamente. Solo nos dimos cuenta. Es más, hasta en un disco de Bon y los Enemigos del Silencio, salió una versión más rockera de la que hicimos en la secundaria?.
Sin entrar en detalles sobre la selección del tema, la cual ya me doy una idea, ¿cómo fue que los convocaron para el tributo a Cornelio Reyna?
?El productor del disco buscó a gente muy disímbola. Por fortuna, entre nuestros distintos proyectos como Moderatto, Bon con la música de películas y el revival con el Rock en tu idioma sinfónico, seguimos un poco en el candelero de algunas personas. Nosotros sin buscarlo mucho, el productor nos buscó y ofreció que hiciéramos una versión de Reyna.
La verdad, lo teníamos presente de nombre pero después conoces canciones que ni sabías que eran de él. El productor nos dijo que eligiéramos la que más nos gustara y mientras veíamos el catálogo, nada más de ver el título ?Botella envenenada? dijimos, esto suena a blues. Tal cual, la temática está ahí y Bon se armó un gran arreglo que nos envió a distancia, pues nos agarró durante la pandemia. Por fortuna cada quien tiene su estudio en casa, la maravilla de la tecnología actual?.
Después de dos canciones, ¿ya tienen contemplado un disco de larga duración?
?Al inicio no estábamos pensando ni grabar, solo queríamos tocar canciones que nos gustaban de hace 50 años o más. Luego cuando empezamos a entusiasmarnos con estas ideas del crossover, nos tentó la idea y ahora estamos por sacar una tercera rola que estrenaremos en el Vive Latino. Obviamente será un show especial para un público grande.
Nuestro habitad como animales del blues es en la intimidad que te da un lugar donde caben 100 personas. Ya tuvimos la oportunidad de tocar hace tres años en el escenario sorpresa, ni siquiera estábamos en el poster. Pero fue increíble ver que la gente reacciona muy bien y de inmediato al blues. Obviamente si tenemos ganas de seguir grabando y quien quita, sacamos un vinil.
Fíjate, íbamos a hacer un cassette antes de la pandemia pero de eso ya dos años y habrá que adaptarse?.
Ese revuelo por el cassette me encanta, soy fan del formato.
?Hasta me dio risa cuando me dijo Marcelo que sacáramos uno, pensé que estaba loco. Pero creo que está padrísimo, si me gustaría sacarlo?.
¿Cuáles consideras que son tus héroes del blues?
?Hay muchísimos nombres: Lightnin? Hopkins, B.B. King, Howlin? Wolf, Muddy Waters, obviamente Eric Clapton. A algunos me tocó verlos en un festival de blues al que me llevó mi hermano por ahí del 78. También recuerdo cuando hubo uno en la Sala Nezahualcóyotl recién la habían inaugurado.
Aquí de México me encanta el trabajo de Guillermo Briseño y la raíz bluesera de cantautor que tiene Jaime López. Cecilia Toussaint que en los 80 tuvo muchos encuentros con el género. No se diga Alex Lora, él es un rey del blues. Cuando analizas el rock urbano, encuentras el blues.
Ha sido siempre una presencia en mi vida. A veces cuando escuchas otra música, te das cuenta de su influencia. Siempre he sido muy fan de Pink Floyd y al escuchar los solos de Gilmour, si los analizas y les quitas el sonido psicodélico, en realidad son solos de blues. Es totalmente la escala y el feeling. El blues es la raíz de todo.
Cuando tocamos lo que nos gusta es que no tiene secuencias, ni tecnología. Es el feeling de estar de vuelta en la secundaria. La música de verdad te desnuda y tienes que tocar bien, no hay para donde esconderse. Es un reto muy importante?.
Me gusta como abordas el blues de una forma tan enérgica cuando aún hay muchos que lo tachan como ?música de señores?.
?Lo padre es que luego va mucha gente joven a los lugares donde tocamos y sin saber los nombres de los autores o las canciones, de inmediatamente conecta. Todo rockero trae a un blusero adentro y se conecta de forma natural. Se dan cuenta que es una onda vintage pero a la vez, muy viva. A nuestras tocadas no solo van viejitos como nosotros. El feeling del blues es universal?.
Algo que en definitiva llama la atención, ha sido la constante de dar shows navideños. ¿Cómo surgió esto?
?La verdad fue porque nos ofrecieron fechas cercanas a la navidad y entre risas, dijimos que nos hiciéramos navideños. Más durante la pandemia que las familias no podían reunirse, darles algo de alegría. Los disfrutamos mucho y si se vuelven tradición, yo encantado?.
Tú eres un músico que ha sabido trasladarse del rock a la música clásica y ahora al blues. Sobre los géneros mencionados, ¿cuál es la mayor satisfacción que te deja tocar junto a Los Señores Blues Band?
?La mayor satisfacción es conectarme con músicos que admiro y quiero. Lo que tiene el rock y el blues es la inmediatez de la comunicación. Es más importante la energía que le imprimes que la nota exacta que estás tocando. Hay algo que en la música clásica es muy distinto y me ha dado flexibilidad que me ha servido en el rock. Siempre que hay muchas sorpresas de ambas partes. Poder disfrutar de ambos mundos sin exclusión, es genial?.
Un beso y bang: recordando a Bon y los Enemigos del Silencio
Debo aprovechar la ocasión de tenerte al teléfono para algunas anécdotas del pasado. De entrada, ¿cómo te sientes de que Bon y los Enemigos hayan sido retomados para el Rock en tu idioma sinfónico?
?Me causa mucha alegría y placer. De hecho me invitaron hace unos años al Auditorio para tocar las dos canciones de Bon que formaban parte de ese set. Fue padrísimo ver el lugar lleno de chavos que ni habían nacido cuando nosotros estábamos haciendo música. Y que conocieran las rolas y las cantaran con entusiasmo? Es algo que te pone muy contento. Da la sensación de que hiciste bien las cosas y no solo fue una moda?.
Para el anecdotario: ustedes le abrieron a Rod Stewart en el Estadio Corregidora en 1989. Este se considera el inicio de los conciertos masivos en México. ¿Qué recuerdos tienes de aquel momento?
?¡Cómo olvidarlo, fue legendario! Hay que recordar que el rock estaba debajo de la tierra después de los movimientos estudiantiles en México. Todo lo que era cultura joven estaba prohibido. Lo que ahora es normal para la gente joven, para nosotros era impensable. Nada más de encontrar un disco que te gustara, era un viacrucis. No sé diga una guitarra eléctrica original, alguien te la tenía que traer del gabacho y pasarla de fayuca.
Cuando finalmente el gobierno se da cuenta que no puede reprimir para siempre a la sociedad y debe abrir canales de escape, comienzan a experimentar con la posibilidad de organizar conciertos internacionales. Por ejemplo, yo vi a The Police en el Hotel de México, ahora el WTC, en una especie de salón de fiestas donde cabían como 1500 personas. Estaba atascado por supuesto, pero ni siquiera se escuchaban en el radio, era algo nuevo. Donde se destapó todo al final, fue con Rod Stewart.
Las disqueras, ya se habían dado cuenta que el rock era un negocio. Para ese entonces ya teníamos nuestro disco y tenido una gira con los Hombres G. De repente nos llegó la invitación de abrirle a Rod y aceptamos de inmediato. Pasamos de ser una banda que tocaba en lugares como Rockotitlán frente a 100 personas a un lugar donde fueron 60 mil personas. Como experiencia fue alucinante.
En el soundcheck conocimos a Rod Stewart, quien estaba rodeado de guaruras que no nos dejaban acercarnos. De repente se puso a jugar fútbol con sus roadies así de ?estamos en un estadio de fútbol, ya me dio flojera hacer soundcheck?. Para mi, es algo inolvidable y siento orgullo de haber formado parte de ese primer movimiento donde se normalizaron las cosas para los chavos. Ya no hay miedo solo por haber ido a un concierto de rock, que era nuestra realidad?.
Los Señores Blues Band en el Vive Latino 2022
El cuarteto se presentará el próximo 19 de marzo en el Foro Sol dentro del Vive Latino. Si aún no tienes tus boletos, los precios son los siguientes.
FASE UNO:
Abono General 1,990 pesos
Abono Platino 2,950 pesos
Pase Confort 2,600 pesos
Vive la Suite 4,480 pesos
FASE DOS:
Abono General 2,530 pesos
Abono Platino 3,550 pesos
FASE TRES:
Abono General 2,760 pesos
Abono Platino 3,890 pesos
Recuerda que puedes adquirirlos sin recargos en taquillas de Palacio de los Deportes o a través de Ticketmaster.
Imagen: Ocesa.
El blues. Bello género que sin sus raíces, ni siquiera tendríamos el rock (y por ende, su amada página Pólvora no existiría). Escalas y acordes blueseros permean en un sinfín de bandas que han alcanzado la gloria desde los 60. Pero la esencia original, permanece salvaguardada en la bohemia, en bares de tertulias iluminadas por velas. Una postal romántica que sigue viva gracias a agrupaciones Los Señores Blues Band.
Formados en 2016, el grupo está compuesto por cuatro señores bien conocidos de la escena nacional: del lado Moderatto, contamos con Elohim Corona y Marcello Lara. Por otra parte, desde la vieja guardia del rock en tu idioma, Bon y los Enemigos del Silencio se hacen presentes con su cantante, Leoncio ?Bon? Lara y el buen José Areán.
Previo a su show en el Vive Latino, hablamos en entrevista con Areán para conocer todos los detalles sobre su historia, el amor hacia el blues desde la adolescencia y claro, un par de cotorros viajes al pasado de los Enemigos del Silencio.
Los Señores Blues Band junto a José Areán
Háblame acerca de su nuevo sencillo, ?Cenizas?. Es interesante escuchar un tema de Javier Solís llevado al blues.
?La banda está hecha por gente que nos conocemos desde la secundaria; literal, cuatro décadas de tocar juntos. Y desde entonces, teníamos una versión de ?El Rey? en blues, porque ya nos gustaba mucho tocar.
La verdad es que la cercanía que hay entre el blues y la música ranchera mexicana es enorme. Ahí está el personaje del borracho de cantina con el corazón roto, que ya hasta su mamá lo abandonó? Es un prototipo absoluto tanto del blues, como de la música nacional.
Entonces con esa misma naturalidad que desde la secundaria habíamos logrado en hacer esa fusión, empezamos Los Señores hace cuatro años, aunque fue solo con la idea de divertirse, de sacar las canciones que nos gustaban como si fuésemos la banda de garage. Pero como empezó a tener éxito y repercusión, empezamos a encontrar un camino interesante que no nos habíamos planteado: ¿qué pasa si seguimos la fusión entre blues y la música mexicana?
El blues ha sido parte de la música de México desde los años 70, en especial lo vemos en la música urbana. Así que logramos esta unión bastante padre con rolas que en la superficie, no tendrían nada que ver pero en realidad, sí se conectan?.
Diablos, nunca había hecho la relación pero tienes toda la razón.
?¡Claro, está acomodado! El típico bluesero que perdió todo, no tiene casa y ya lo dejó la chava. ¡Por qué además todo siempre se trata de las chamacas! Desde Robert Johnson, él ya cantaba ?tengo a la mejor chava del mundo, es una bruja y a lo mejor me mata?. Esa temática a poco no podría ser la clásica canción de ardido ranchera.
Es bien interesante que haya esas bases y nosotros tampoco nos lo habíamos planteado filosóficamente. Solo nos dimos cuenta. Es más, hasta en un disco de Bon y los Enemigos del Silencio, salió una versión más rockera de la que hicimos en la secundaria?.
Sin entrar en detalles sobre la selección del tema, la cual ya me doy una idea, ¿cómo fue que los convocaron para el tributo a Cornelio Reyna?
?El productor del disco buscó a gente muy disímbola. Por fortuna, entre nuestros distintos proyectos como Moderatto, Bon con la música de películas y el revival con el Rock en tu idioma sinfónico, seguimos un poco en el candelero de algunas personas. Nosotros sin buscarlo mucho, el productor nos buscó y ofreció que hiciéramos una versión de Reyna.
La verdad, lo teníamos presente de nombre pero después conoces canciones que ni sabías que eran de él. El productor nos dijo que eligiéramos la que más nos gustara y mientras veíamos el catálogo, nada más de ver el título ?Botella envenenada? dijimos, esto suena a blues. Tal cual, la temática está ahí y Bon se armó un gran arreglo que nos envió a distancia, pues nos agarró durante la pandemia. Por fortuna cada quien tiene su estudio en casa, la maravilla de la tecnología actual?.
Después de dos canciones, ¿ya tienen contemplado un disco de larga duración?
?Al inicio no estábamos pensando ni grabar, solo queríamos tocar canciones que nos gustaban de hace 50 años o más. Luego cuando empezamos a entusiasmarnos con estas ideas del crossover, nos tentó la idea y ahora estamos por sacar una tercera rola que estrenaremos en el Vive Latino. Obviamente será un show especial para un público grande.
Nuestro habitad como animales del blues es en la intimidad que te da un lugar donde caben 100 personas. Ya tuvimos la oportunidad de tocar hace tres años en el escenario sorpresa, ni siquiera estábamos en el poster. Pero fue increíble ver que la gente reacciona muy bien y de inmediato al blues. Obviamente si tenemos ganas de seguir grabando y quien quita, sacamos un vinil.
Fíjate, íbamos a hacer un cassette antes de la pandemia pero de eso ya dos años y habrá que adaptarse?.
Ese revuelo por el cassette me encanta, soy fan del formato.
?Hasta me dio risa cuando me dijo Marcelo que sacáramos uno, pensé que estaba loco. Pero creo que está padrísimo, si me gustaría sacarlo?.
¿Cuáles consideras que son tus héroes del blues?
?Hay muchísimos nombres: Lightnin? Hopkins, B.B. King, Howlin? Wolf, Muddy Waters, obviamente Eric Clapton. A algunos me tocó verlos en un festival de blues al que me llevó mi hermano por ahí del 78. También recuerdo cuando hubo uno en la Sala Nezahualcóyotl recién la habían inaugurado.
Aquí de México me encanta el trabajo de Guillermo Briseño y la raíz bluesera de cantautor que tiene Jaime López. Cecilia Toussaint que en los 80 tuvo muchos encuentros con el género. No se diga Alex Lora, él es un rey del blues. Cuando analizas el rock urbano, encuentras el blues.
Ha sido siempre una presencia en mi vida. A veces cuando escuchas otra música, te das cuenta de su influencia. Siempre he sido muy fan de Pink Floyd y al escuchar los solos de Gilmour, si los analizas y les quitas el sonido psicodélico, en realidad son solos de blues. Es totalmente la escala y el feeling. El blues es la raíz de todo.
Cuando tocamos lo que nos gusta es que no tiene secuencias, ni tecnología. Es el feeling de estar de vuelta en la secundaria. La música de verdad te desnuda y tienes que tocar bien, no hay para donde esconderse. Es un reto muy importante?.
Me gusta como abordas el blues de una forma tan enérgica cuando aún hay muchos que lo tachan como ?música de señores?.
?Lo padre es que luego va mucha gente joven a los lugares donde tocamos y sin saber los nombres de los autores o las canciones, de inmediatamente conecta. Todo rockero trae a un blusero adentro y se conecta de forma natural. Se dan cuenta que es una onda vintage pero a la vez, muy viva. A nuestras tocadas no solo van viejitos como nosotros. El feeling del blues es universal?.
Algo que en definitiva llama la atención, ha sido la constante de dar shows navideños. ¿Cómo surgió esto?
?La verdad fue porque nos ofrecieron fechas cercanas a la navidad y entre risas, dijimos que nos hiciéramos navideños. Más durante la pandemia que las familias no podían reunirse, darles algo de alegría. Los disfrutamos mucho y si se vuelven tradición, yo encantado?.
Tú eres un músico que ha sabido trasladarse del rock a la música clásica y ahora al blues. Sobre los géneros mencionados, ¿cuál es la mayor satisfacción que te deja tocar junto a Los Señores Blues Band?
?La mayor satisfacción es conectarme con músicos que admiro y quiero. Lo que tiene el rock y el blues es la inmediatez de la comunicación. Es más importante la energía que le imprimes que la nota exacta que estás tocando. Hay algo que en la música clásica es muy distinto y me ha dado flexibilidad que me ha servido en el rock. Siempre que hay muchas sorpresas de ambas partes. Poder disfrutar de ambos mundos sin exclusión, es genial?.
Un beso y bang: recordando a Bon y los Enemigos del Silencio
Debo aprovechar la ocasión de tenerte al teléfono para algunas anécdotas del pasado. De entrada, ¿cómo te sientes de que Bon y los Enemigos hayan sido retomados para el Rock en tu idioma sinfónico?
?Me causa mucha alegría y placer. De hecho me invitaron hace unos años al Auditorio para tocar las dos canciones de Bon que formaban parte de ese set. Fue padrísimo ver el lugar lleno de chavos que ni habían nacido cuando nosotros estábamos haciendo música. Y que conocieran las rolas y las cantaran con entusiasmo? Es algo que te pone muy contento. Da la sensación de que hiciste bien las cosas y no solo fue una moda?.
Para el anecdotario: ustedes le abrieron a Rod Stewart en el Estadio Corregidora en 1989. Este se considera el inicio de los conciertos masivos en México. ¿Qué recuerdos tienes de aquel momento?
?¡Cómo olvidarlo, fue legendario! Hay que recordar que el rock estaba debajo de la tierra después de los movimientos estudiantiles en México. Todo lo que era cultura joven estaba prohibido. Lo que ahora es normal para la gente joven, para nosotros era impensable. Nada más de encontrar un disco que te gustara, era un viacrucis. No sé diga una guitarra eléctrica original, alguien te la tenía que traer del gabacho y pasarla de fayuca.
Cuando finalmente el gobierno se da cuenta que no puede reprimir para siempre a la sociedad y debe abrir canales de escape, comienzan a experimentar con la posibilidad de organizar conciertos internacionales. Por ejemplo, yo vi a The Police en el Hotel de México, ahora el WTC, en una especie de salón de fiestas donde cabían como 1500 personas. Estaba atascado por supuesto, pero ni siquiera se escuchaban en el radio, era algo nuevo. Donde se destapó todo al final, fue con Rod Stewart.
Las disqueras, ya se habían dado cuenta que el rock era un negocio. Para ese entonces ya teníamos nuestro disco y tenido una gira con los Hombres G. De repente nos llegó la invitación de abrirle a Rod y aceptamos de inmediato. Pasamos de ser una banda que tocaba en lugares como Rockotitlán frente a 100 personas a un lugar donde fueron 60 mil personas. Como experiencia fue alucinante.
En el soundcheck conocimos a Rod Stewart, quien estaba rodeado de guaruras que no nos dejaban acercarnos. De repente se puso a jugar fútbol con sus roadies así de ?estamos en un estadio de fútbol, ya me dio flojera hacer soundcheck?. Para mi, es algo inolvidable y siento orgullo de haber formado parte de ese primer movimiento donde se normalizaron las cosas para los chavos. Ya no hay miedo solo por haber ido a un concierto de rock, que era nuestra realidad?.
Los Señores Blues Band en el Vive Latino 2022
El cuarteto se presentará el próximo 19 de marzo en el Foro Sol dentro del Vive Latino. Si aún no tienes tus boletos, los precios son los siguientes.
FASE UNO:
Abono General 1,990 pesos
Abono Platino 2,950 pesos
Pase Confort 2,600 pesos
Vive la Suite 4,480 pesos
FASE DOS:
Abono General 2,530 pesos
Abono Platino 3,550 pesos
FASE TRES:
Abono General 2,760 pesos
Abono Platino 3,890 pesos
Recuerda que puedes adquirirlos sin recargos en taquillas de Palacio de los Deportes o a través de Ticketmaster.
Imagen: Ocesa.
¿Eres fan de Michael Bublé? Pues te tenemos buenas noticias, el famoso cantante estará nuevo sencillo.
Recordemos su primer canción «Nunca dejaré de amarte», siendo una superestrella mundial, con ventas multi-platino, ganador de diversos Grammy y Juno, posicionado en la cima con sus poderes vocales y creativos.
Te puede interesar: Celia Lora asegura que Yolanda Andrade la puede agarrar cuando quiera
Bublé comenzó su carrera musical desde los cuatro años. El álbum que fue su debut homónimo se lanzó en 2005, seguido de una serie de álbumes No. 1 multiplatino, en los que se incluyen Llámame Inspiración, Loco Amor, Ser Amado y Navidad.
Su álbum más reciente Amor debutó en el No. 1 en Billboard Top 200. Más de 75 millones de álbumes ha vendido en toda su carrera.
Mientas que su álbum Navidad se sigue vendiendo y acumulando miles de millones de stream, convirtiendo su voz como sinónimo de temporada navideña. Con sus espectáculos de voltaje agotado en más de 30 países.
Su gira más reciente «Una velada con Michael Bublé» fue vista por un millón de fanáticos en todo el mundo desde 2019.
Entre sus gustos se encuentra el hockey, el fútbol de fantasía, Tik Tok y cantar.
Esta vez nos sorprende con su nuevo sencillo Más alto, su unodécimo álbum de estudio el próximo 25 de marzo.
La protección fue de Greg Wells y Bob Rock, junto con Allen Chang, Jason ‘Spicy G’ Goldman y Sir Paul McCartney.
Se encuentra un dueto con willie nelson de su canción “Loco”, una versión sincera de Miguel de la canción escrita por Sir Paul McCartney «Muy Valentine», el clásico de Bob Dylan «Haz que sientas mi amor» y tres originales de su autoría del clásico de Sam Cooke «Bring It On Home To Me», «You’re The First», «The Last, My Everything» y «A Nightingale Sang in Berkeley Square», así como una versión dramática de “Sonrisa”.
?Esta vez, me abrí completamente a probar cosas nuevas. Profundicé más mientras trabajaba y me rodeaba de los mejores creadores de música del planeta con una imaginación gigantesca».
Michael Buble.
WGGB
.
¿Eres fan de Michael Bublé? Pues te tenemos buenas noticias, el famoso cantante estará nuevo sencillo.
Recordemos su primer canción «Nunca dejaré de amarte», siendo una superestrella mundial, con ventas multi-platino, ganador de diversos Grammy y Juno, posicionado en la cima con sus poderes vocales y creativos.
Te puede interesar: Celia Lora asegura que Yolanda Andrade la puede agarrar cuando quiera
Bublé comenzó su carrera musical desde los cuatro años. El álbum que fue su debut homónimo se lanzó en 2005, seguido de una serie de álbumes No. 1 multiplatino, en los que se incluyen Llámame Inspiración, Loco Amor, Ser Amado y Navidad.
Su álbum más reciente Amor debutó en el No. 1 en Billboard Top 200. Más de 75 millones de álbumes ha vendido en toda su carrera.
Mientas que su álbum Navidad se sigue vendiendo y acumulando miles de millones de stream, convirtiendo su voz como sinónimo de temporada navideña. Con sus espectáculos de voltaje agotado en más de 30 países.
Su gira más reciente «Una velada con Michael Bublé» fue vista por un millón de fanáticos en todo el mundo desde 2019.
Entre sus gustos se encuentra el hockey, el fútbol de fantasía, Tik Tok y cantar.
Esta vez nos sorprende con su nuevo sencillo Más alto, su unodécimo álbum de estudio el próximo 25 de marzo.
La protección fue de Greg Wells y Bob Rock, junto con Allen Chang, Jason ‘Spicy G’ Goldman y Sir Paul McCartney.
Se encuentra un dueto con willie nelson de su canción “Loco”, una versión sincera de Miguel de la canción escrita por Sir Paul McCartney «Muy Valentine», el clásico de Bob Dylan «Haz que sientas mi amor» y tres originales de su autoría del clásico de Sam Cooke «Bring It On Home To Me», «You’re The First», «The Last, My Everything» y «A Nightingale Sang in Berkeley Square», así como una versión dramática de “Sonrisa”.
?Esta vez, me abrí completamente a probar cosas nuevas. Profundicé más mientras trabajaba y me rodeaba de los mejores creadores de música del planeta con una imaginación gigantesca».
Michael Buble.
WGGB
.
VALENCIA. Contaba Mes
en uno de sus monólogos que americanos solo son los blancos, si eres negro eres afroamericano, si eres de origen palestino como él, árabe americano, todos menos los blancos tienen un nombre compuesto. Hasta los primeros pobladores del continente, que son los americanos nativos. Este es un caso muy singular, porque la primera neurosis y crisis para digerir el pasado que tuvo lugar en este país fue la relacionada con el trato dado a los nativos americanos. Primero, con prácticas genocidas y una estigmatización y estereotipos en los medios y la cultura y luego con un giro de 180 grados a partir de los años 60, con lavado de conciencia y búsqueda de la redención tirando en no pocas ocasiones del mito del buen salvaje. Estos maremotos culturales entorpecen más que ayudan la labor de diseccionar la cultura y buscar sus orígenes, sobre todo las manifestaciones más preciadas hoy, las de la cultura popular. Por ejemplo, vean este vídeo:
Posiblemente se trate del máximo paradigma del rock and roll. Es Enlace Wray. Ahí, con su chicle, sus gafas y sus patillas está reventando el escenario, pero lo que sale de su guitarra, Retumbar, no solo es un clásico del rock and roll, una de las canciones más influyentes, es también la música de sus ancestros. Es algo que siempre se ha pasado por alto, la influencia de los indios, de los nativos americanos, en el R&B y, por consiguiente, el rock and roll.
Lo explica de forma muy sencilla el documental Rumble, los indios que sacudieron el mundo, de catalina bainbridge y alfonso maiorana. Especialmente ella tiene un curriculum centrado en el rock y en la causa nativa. Por ejemplo, fue la productora ejecutiva de Fanny: El derecho al rock, muy aclamado por gente que jamás le había hecho ni caso a Fanny porque no estaban dentro de sus fantasías ramonianas de lo que es y no es cool, o el documental carrete indio sobre el aludido trato que recibieron en la cultura de masas estadounidense los nativos. No obstante, el impulso inicial fue cosa de Stevie Salas, apache, que al tocar con rod stewart en el Madison Square Garden se preguntó si era el único indio que lo había logrado y empezó a investigar.
El reportaje comienza con el apunte de que en 1907 se empezó a grabar la música de los nativos porque se tenía constancia de que iba a desaparecer. Sin embargo, hay un vínculo entre su tradición y la del R&B de la que proviene la música popular del siglo XX más importante, el rock and roll. De hecho, la técnica inventada por Link Wray del acorde de potencia ha sido empleada hasta la saciedad en el punk y el hard rock.
Una de los primeros músicos entrevistados en el documental es Wayne Kramer, que encarna bien el espíritu de ambos géneros, y declara que cuando fueron a grabar tuvieron problemas con los técnicos por la suciedad y saturación del sonido que querían registrar. Él les tuvo que exigir que fuera así al grito de “¡Como Link Wray!”. Pete Townshend también estuvo muy influenciado por el maestro, Iggy Pop confiesa que quiso ser músico desde el momento en el que escuchó Retumbar y, como se explica, es que ni siquiera hubiesen existido Led Zeppelin sin Wray. Lo que pasó con esa canción, que da título al documental, es curioso, porque en su día se censuró aunque no tuviese letra. Pocos rockeros han conseguido algo así. Parece que incitaba a la juventud a delinquir, explica steven van zant.
El trasvase se produjo tras las políticas genocidas de las autoridades estadounidenses. Se explica cómo con sus bailes y ritmos los indios pretendían ser invulnerables a las balas de los blancos. Esa desesperación era la misma o más de la que pudiera haber en el blues. Muchos nativos escaparon a Nueva Orleans y se inscribieron como negros gracias al color de su piel, un poco más oscuro. Así conseguían evitar les devolvieran a las reservas. De hecho, muchos tuvieron hijos con negros y aparecieron familias mestizas. La influencia de la cultura nativa en el folclore resultante, cuya máxima expresión es el famoso Mardi Grass, es evidente. Sobre todo en los trajes y los colores.
El propio Wray pasó su infancia escondiéndose del Ku Klux Klan, que iban con frecuencia a buscar a sus padres, de ascendencia Shawnee. Otro personaje clave, Lobo aullando, decía que aprendió a tocar la guitarra de un nativo llamado Charley Patton. No obstante, el documental no se detiene solo en las raíces, van desfilando también músicos contemporáneos, como jesse ed davis, que tocó durante años con Taj Mahal, hasta que murió por una sobredosis de heroína; Randy Castillo, el batería de Ozzy, El robbie robertson, compañero de Bob Dylan, que era de ascendencia Mohawk y Cayuga.
Personalmente, mi aparición favorita es la de Pat y Lolly Vegas. Su disco en los sesenta, producido por leon russell, pretendía ser un llenapistas, lo mismo que luego ha sido la música dance de los 90. Muchas canciones son versiones, tan adorables como buen amor, pero las firmadas por los hermanos Vegas, mitad mexicanos, mitad yaqui/shoshone, como Aquí voy, cualquier tiempo El Mantenme apretado me parecen realmente reseñables. Juegan en la misma liga que el maestro Del Shannon, pero ellos en los 70 tuvieron un recorrido mucho más celebrado con Redbone, el grupo de rock de nativos por antonomasia, aunque tirasen fundamentalmente por el soul. paleta, el hermano de Pat, escribió ven y recibe tu amor, hit setetero extraido del álbum Wovoka. Sin embargo, cuando decidieron ir a Los Angeles a abrirse paso en la música, en Sunset Strip no contrataban a nadie negro, indio o latino -dicen negro o marrón- pero ellos lo lograron. Al poco tiempo, fue Hendrix quien les recomendó que explotaran sus orígenes y así fue, en los conciertos de Redbone hacían bailes nativos con todos los complementos de atrezzo. Hasta ponían micros en el suelo para que se oyeran las pisadas de los bailes.
Desgraciadamente, el documental se queda en el mainstream. Un grupo como Lincoln St Exit, que luego se convirtió en XIT, que literalmente significa reunión de tribus indias, y siempre trataron estos temas en sus letras, no aparecen. Se les considera embajadores de primer orden del American Indian Movement. tom abeja, su líder, que compuso para robinson ahumado El miguel jackson, manifestó en una ocasión en Indian Country Today “mientras otros grupos cantaban sobre ven a por un poco de amor, nosotros le decíamos a Estados Unidos, ven y mira tus injusticias”. Un reproche lleno de rencor dedicado a Redbone.
Sus discos como XIT los sacó Motown. En Albuquerque, el 27 de julio es el día de Tom Bee. Graciosamente, Bee dijo que le daba pena que sus discos siguieran vendiéndose treinta años después, porque eso significaba que su mensaje, por desgracia, seguía siendo válido. En cuanto al documental, se ve que para la mentalidad estadounidense, el concepto de éxito y triunfo sigue marcando la diferencia entre quién existe y quién no, sea cual sea la etnia desde la que se enfoque un asunto.
.
VALENCIA. Contaba Mes
en uno de sus monólogos que americanos solo son los blancos, si eres negro eres afroamericano, si eres de origen palestino como él, árabe americano, todos menos los blancos tienen un nombre compuesto. Hasta los primeros pobladores del continente, que son los americanos nativos. Este es un caso muy singular, porque la primera neurosis y crisis para digerir el pasado que tuvo lugar en este país fue la relacionada con el trato dado a los nativos americanos. Primero, con prácticas genocidas y una estigmatización y estereotipos en los medios y la cultura y luego con un giro de 180 grados a partir de los años 60, con lavado de conciencia y búsqueda de la redención tirando en no pocas ocasiones del mito del buen salvaje. Estos maremotos culturales entorpecen más que ayudan la labor de diseccionar la cultura y buscar sus orígenes, sobre todo las manifestaciones más preciadas hoy, las de la cultura popular. Por ejemplo, vean este vídeo:
Posiblemente se trate del máximo paradigma del rock and roll. Es Enlace Wray. Ahí, con su chicle, sus gafas y sus patillas está reventando el escenario, pero lo que sale de su guitarra, Retumbar, no solo es un clásico del rock and roll, una de las canciones más influyentes, es también la música de sus ancestros. Es algo que siempre se ha pasado por alto, la influencia de los indios, de los nativos americanos, en el R&B y, por consiguiente, el rock and roll.
Lo explica de forma muy sencilla el documental Rumble, los indios que sacudieron el mundo, de catalina bainbridge y alfonso maiorana. Especialmente ella tiene un curriculum centrado en el rock y en la causa nativa. Por ejemplo, fue la productora ejecutiva de Fanny: El derecho al rock, muy aclamado por gente que jamás le había hecho ni caso a Fanny porque no estaban dentro de sus fantasías ramonianas de lo que es y no es cool, o el documental carrete indio sobre el aludido trato que recibieron en la cultura de masas estadounidense los nativos. No obstante, el impulso inicial fue cosa de Stevie Salas, apache, que al tocar con rod stewart en el Madison Square Garden se preguntó si era el único indio que lo había logrado y empezó a investigar.
El reportaje comienza con el apunte de que en 1907 se empezó a grabar la música de los nativos porque se tenía constancia de que iba a desaparecer. Sin embargo, hay un vínculo entre su tradición y la del R&B de la que proviene la música popular del siglo XX más importante, el rock and roll. De hecho, la técnica inventada por Link Wray del acorde de potencia ha sido empleada hasta la saciedad en el punk y el hard rock.
Una de los primeros músicos entrevistados en el documental es Wayne Kramer, que encarna bien el espíritu de ambos géneros, y declara que cuando fueron a grabar tuvieron problemas con los técnicos por la suciedad y saturación del sonido que querían registrar. Él les tuvo que exigir que fuera así al grito de “¡Como Link Wray!”. Pete Townshend también estuvo muy influenciado por el maestro, Iggy Pop confiesa que quiso ser músico desde el momento en el que escuchó Retumbar y, como se explica, es que ni siquiera hubiesen existido Led Zeppelin sin Wray. Lo que pasó con esa canción, que da título al documental, es curioso, porque en su día se censuró aunque no tuviese letra. Pocos rockeros han conseguido algo así. Parece que incitaba a la juventud a delinquir, explica steven van zant.
El trasvase se produjo tras las políticas genocidas de las autoridades estadounidenses. Se explica cómo con sus bailes y ritmos los indios pretendían ser invulnerables a las balas de los blancos. Esa desesperación era la misma o más de la que pudiera haber en el blues. Muchos nativos escaparon a Nueva Orleans y se inscribieron como negros gracias al color de su piel, un poco más oscuro. Así conseguían evitar les devolvieran a las reservas. De hecho, muchos tuvieron hijos con negros y aparecieron familias mestizas. La influencia de la cultura nativa en el folclore resultante, cuya máxima expresión es el famoso Mardi Grass, es evidente. Sobre todo en los trajes y los colores.
El propio Wray pasó su infancia escondiéndose del Ku Klux Klan, que iban con frecuencia a buscar a sus padres, de ascendencia Shawnee. Otro personaje clave, Lobo aullando, decía que aprendió a tocar la guitarra de un nativo llamado Charley Patton. No obstante, el documental no se detiene solo en las raíces, van desfilando también músicos contemporáneos, como jesse ed davis, que tocó durante años con Taj Mahal, hasta que murió por una sobredosis de heroína; Randy Castillo, el batería de Ozzy, El robbie robertson, compañero de Bob Dylan, que era de ascendencia Mohawk y Cayuga.
Personalmente, mi aparición favorita es la de Pat y Lolly Vegas. Su disco en los sesenta, producido por leon russell, pretendía ser un llenapistas, lo mismo que luego ha sido la música dance de los 90. Muchas canciones son versiones, tan adorables como buen amor, pero las firmadas por los hermanos Vegas, mitad mexicanos, mitad yaqui/shoshone, como Aquí voy, cualquier tiempo El Mantenme apretado me parecen realmente reseñables. Juegan en la misma liga que el maestro Del Shannon, pero ellos en los 70 tuvieron un recorrido mucho más celebrado con Redbone, el grupo de rock de nativos por antonomasia, aunque tirasen fundamentalmente por el soul. paleta, el hermano de Pat, escribió ven y recibe tu amor, hit setetero extraido del álbum Wovoka. Sin embargo, cuando decidieron ir a Los Angeles a abrirse paso en la música, en Sunset Strip no contrataban a nadie negro, indio o latino -dicen negro o marrón- pero ellos lo lograron. Al poco tiempo, fue Hendrix quien les recomendó que explotaran sus orígenes y así fue, en los conciertos de Redbone hacían bailes nativos con todos los complementos de atrezzo. Hasta ponían micros en el suelo para que se oyeran las pisadas de los bailes.
Desgraciadamente, el documental se queda en el mainstream. Un grupo como Lincoln St Exit, que luego se convirtió en XIT, que literalmente significa reunión de tribus indias, y siempre trataron estos temas en sus letras, no aparecen. Se les considera embajadores de primer orden del American Indian Movement. tom abeja, su líder, que compuso para robinson ahumado El miguel jackson, manifestó en una ocasión en Indian Country Today “mientras otros grupos cantaban sobre ven a por un poco de amor, nosotros le decíamos a Estados Unidos, ven y mira tus injusticias”. Un reproche lleno de rencor dedicado a Redbone.
Sus discos como XIT los sacó Motown. En Albuquerque, el 27 de julio es el día de Tom Bee. Graciosamente, Bee dijo que le daba pena que sus discos siguieran vendiéndose treinta años después, porque eso significaba que su mensaje, por desgracia, seguía siendo válido. En cuanto al documental, se ve que para la mentalidad estadounidense, el concepto de éxito y triunfo sigue marcando la diferencia entre quién existe y quién no, sea cual sea la etnia desde la que se enfoque un asunto.
.
¿Teorías conspirativas? a) Lo mató la mafia en una vendetta del manager Michael Jeffery. b) Las simpatías con las Panteras negras sellaron su suerte como parte de un plan de J. Edgar Hoover. c) La última letra que escribió un día antes de morir, The story of life, es una nota suicida por líneas como ?la historia de la vida es más rápida que un abrir y cerrar de ojos?.
Hechos. Jimi Hendrix fue declarado muerto a las 12:45 horas del 18 de septiembre de 1970 en Londres. Los testimonios de la última persona en verlo con vida, la patinadora alemana Monika Dannemann, perdieron credibilidad al alentar la versión de una muerte a manos del crimen organizado, machacar culpa a los servicios médicos, responsabilidad descartada por la justicia, e insistir en su condición de novia oficial.
Mujeriego e insaciable, Hendrix solía ofrecer matrimonio a sus eventuales novias, y con la misma facilidad las golpeaba. Ingirió nueve pastillas del sedante Vesparax intentando conciliar el sueño tras un cóctel de anfetas, hachís, marihuana y vino, consumido la tarde y noche del 17 de septiembre en la mansión del hijo de un lord, Phillip Harvey, que lo invitó a carretear mientras esperaban luz verde en sus respectivos autos.
Fueron los últimos excesos en un cuerpo que a los 27 años presentaba señales de deterioro producto de una carrera fulminante que le había convertido en la estrella más grande de la guitarra eléctrica. En sus manos, el instrumento parecía una extensión natural de su cuerpo reaccionando a la intensidad del volumen y la ductilidad del fraseo, la oscilación entre el estallido incendiario y la delicadeza.
Como un V2 cargado de decibeles, Jimi Hendrix impactó a Londres por primera vez el 24 de septiembre de 1966. Ese mismo día conoció al futuro miembro de The Police Andy Summers, tocó blues en un club con Eric Burdon de The Animals como espectador (?era fascinante lo bueno que era?) y sedujo a Kathy Etchingham, una peluquera especialista en novios rockstars como Brian Jones y Keith Moon.
Apenas una semana más tarde, Cream le cedió el escenario en un interludio. La sala, y en especial Eric Clapton, quedó boquiabierta con una salvaje versión de Killing floor, original de Howlin’ Wolf. Tres meses después, en un show junto a The Who, Jack Bruce figuraba en el público. Impresionado e inspirado por la voluptuosidad musical del guitarrista y cantante, apenas llegó a casa compuso el riff de Sunshine of your love.
Cuatro años después Jimi Hendrix estaba fundido. Arrastraba problemas glandulares, comía pésimo, dormía poco y trabajaba en exceso. Si no estaba de gira se recluía en el estudio. El consumo de todo tipo de drogas más alcohol y tabaco era demencial. Enfrentaba problemas legales por una demanda de paternidad y recelaba del creciente interés de familiares, en particular su padre, por asuntos monetarios.
No estaba satisfecho con el curso de su carrera y pretendía terminar la relación laboral con Michael Jeffery, que lo utilizaba como moneda de cambio en proyectos dudosos como el filme Rainbow bridge, un pastiche hippie sin guión en el que participó en julio de 1970 en Hawai, donde proféticamente anunció que el regreso a su natal Seattle sería ?en una caja de pino?.
Desde enero de 1970 Hendrix había girado y grabado incansable, contando dos tours a EE.UU, registros en Londres con Stephen Stills, Arthur Lee y Love, y constantes sesiones en sus estudios Electric Lady en Nueva York.
A pesar de la fidelidad del baterista Mitch Mitchell, no lograba lo mismo en el bajo. Noel Reeding había sido apartado a mediados de 1969 y su reemplazante Billy Cox, un viejo amigo de los días de Hendrix en el ejército, no podía lidiar con el vértigo cotidiano del guitarrista. Cox intentó refugio en el ácido para descubrir que le volvía paranoico y catatónico.
?Sigo sonando igual, mi música es la misma y no puedo pensar en nada nuevo que agregar en su estado actual?, declaró desilusionado Hendrix en una de sus últimas entrevistas a Melody Maker, en la previa del festival en la isla de Wight a fines de agosto. Tampoco estaba seguro de continuar tocando exclusivamente guitarra eléctrica, abrazando la idea de dedicarse al formato acústico por un par de años. Tenía intención de armar dos bandas, una pequeña y otra con más integrantes para consagrarse a la composición.
?Y con la música pintaremos imágenes de la Tierra y el espacio?. No quería seguir capturando la atención por trucos como tocar con los dientes y destrozar guitarras (aunque en 527 shows reventó menos de una decena), sino por la calidad intrínseca del material que pretendía llevar a otro nivel donde ?Strauss y Wagner van a formar el trasfondo de mi música?.
Los últimos conciertos fueron flojos. Hendrix llevaba un mes sin tocar para la isla de Wight y se notó. Siguió una opaca mini gira por Suecia, Dinamarca y Alemania. En la primera fecha danesa estaba tan puesto que apenas articuló dos temas.
El remate fue en el Open air love & peace festival en Fehmarn, Alemania, del 4 al 6 de septiembre, que de pacífico no tuvo nada. Un grupo de motoristas robó la recaudación y tomó el control del evento a golpes. Tras una lluvia torrencial reinaba la tensión porque el show de Hendrix estaba retrasado un día.
Cuando salió a escena arreciaron las pifias. ?Me importa un carajo si abuchean?, desafió, ?siempre y cuando abucheen afinados?. Luego pidió disculpas por la tardanza para ganar rápidamente al público con Killing floor, el cover con el que Londres se había rendido por primera vez. Fue su último concierto.
Ese mismo día apareció una entrevista en la prensa danesa tras su paso por Copenhague con otro vaticinio fúnebre. ?No estoy seguro de vivir hasta los veintiocho años?. Mostró interés en lo sobrenatural, mencionó a Jesús y el deseo de buscar paz y armonía mental asegurando que sacrificaba parte de su alma cada vez que tocaba.
¿Teorías conspirativas? a) Lo mató la mafia en una vendetta del manager Michael Jeffery. b) Las simpatías con las Panteras negras sellaron su suerte como parte de un plan de J. Edgar Hoover. c) La última letra que escribió un día antes de morir, The story of life, es una nota suicida por líneas como ?la historia de la vida es más rápida que un abrir y cerrar de ojos?.
Hechos. Jimi Hendrix fue declarado muerto a las 12:45 horas del 18 de septiembre de 1970 en Londres. Los testimonios de la última persona en verlo con vida, la patinadora alemana Monika Dannemann, perdieron credibilidad al alentar la versión de una muerte a manos del crimen organizado, machacar culpa a los servicios médicos, responsabilidad descartada por la justicia, e insistir en su condición de novia oficial.
Mujeriego e insaciable, Hendrix solía ofrecer matrimonio a sus eventuales novias, y con la misma facilidad las golpeaba. Ingirió nueve pastillas del sedante Vesparax intentando conciliar el sueño tras un cóctel de anfetas, hachís, marihuana y vino, consumido la tarde y noche del 17 de septiembre en la mansión del hijo de un lord, Phillip Harvey, que lo invitó a carretear mientras esperaban luz verde en sus respectivos autos.
Fueron los últimos excesos en un cuerpo que a los 27 años presentaba señales de deterioro producto de una carrera fulminante que le había convertido en la estrella más grande de la guitarra eléctrica. En sus manos, el instrumento parecía una extensión natural de su cuerpo reaccionando a la intensidad del volumen y la ductilidad del fraseo, la oscilación entre el estallido incendiario y la delicadeza.
Como un V2 cargado de decibeles, Jimi Hendrix impactó a Londres por primera vez el 24 de septiembre de 1966. Ese mismo día conoció al futuro miembro de The Police Andy Summers, tocó blues en un club con Eric Burdon de The Animals como espectador (?era fascinante lo bueno que era?) y sedujo a Kathy Etchingham, una peluquera especialista en novios rockstars como Brian Jones y Keith Moon.
Apenas una semana más tarde, Cream le cedió el escenario en un interludio. La sala, y en especial Eric Clapton, quedó boquiabierta con una salvaje versión de Killing floor, original de Howlin’ Wolf. Tres meses después, en un show junto a The Who, Jack Bruce figuraba en el público. Impresionado e inspirado por la voluptuosidad musical del guitarrista y cantante, apenas llegó a casa compuso el riff de Sunshine of your love.
Cuatro años después Jimi Hendrix estaba fundido. Arrastraba problemas glandulares, comía pésimo, dormía poco y trabajaba en exceso. Si no estaba de gira se recluía en el estudio. El consumo de todo tipo de drogas más alcohol y tabaco era demencial. Enfrentaba problemas legales por una demanda de paternidad y recelaba del creciente interés de familiares, en particular su padre, por asuntos monetarios.
No estaba satisfecho con el curso de su carrera y pretendía terminar la relación laboral con Michael Jeffery, que lo utilizaba como moneda de cambio en proyectos dudosos como el filme Rainbow bridge, un pastiche hippie sin guión en el que participó en julio de 1970 en Hawai, donde proféticamente anunció que el regreso a su natal Seattle sería ?en una caja de pino?.
Desde enero de 1970 Hendrix había girado y grabado incansable, contando dos tours a EE.UU, registros en Londres con Stephen Stills, Arthur Lee y Love, y constantes sesiones en sus estudios Electric Lady en Nueva York.
A pesar de la fidelidad del baterista Mitch Mitchell, no lograba lo mismo en el bajo. Noel Reeding había sido apartado a mediados de 1969 y su reemplazante Billy Cox, un viejo amigo de los días de Hendrix en el ejército, no podía lidiar con el vértigo cotidiano del guitarrista. Cox intentó refugio en el ácido para descubrir que le volvía paranoico y catatónico.
?Sigo sonando igual, mi música es la misma y no puedo pensar en nada nuevo que agregar en su estado actual?, declaró desilusionado Hendrix en una de sus últimas entrevistas a Melody Maker, en la previa del festival en la isla de Wight a fines de agosto. Tampoco estaba seguro de continuar tocando exclusivamente guitarra eléctrica, abrazando la idea de dedicarse al formato acústico por un par de años. Tenía intención de armar dos bandas, una pequeña y otra con más integrantes para consagrarse a la composición.
?Y con la música pintaremos imágenes de la Tierra y el espacio?. No quería seguir capturando la atención por trucos como tocar con los dientes y destrozar guitarras (aunque en 527 shows reventó menos de una decena), sino por la calidad intrínseca del material que pretendía llevar a otro nivel donde ?Strauss y Wagner van a formar el trasfondo de mi música?.
Los últimos conciertos fueron flojos. Hendrix llevaba un mes sin tocar para la isla de Wight y se notó. Siguió una opaca mini gira por Suecia, Dinamarca y Alemania. En la primera fecha danesa estaba tan puesto que apenas articuló dos temas.
El remate fue en el Open air love & peace festival en Fehmarn, Alemania, del 4 al 6 de septiembre, que de pacífico no tuvo nada. Un grupo de motoristas robó la recaudación y tomó el control del evento a golpes. Tras una lluvia torrencial reinaba la tensión porque el show de Hendrix estaba retrasado un día.
Cuando salió a escena arreciaron las pifias. ?Me importa un carajo si abuchean?, desafió, ?siempre y cuando abucheen afinados?. Luego pidió disculpas por la tardanza para ganar rápidamente al público con Killing floor, el cover con el que Londres se había rendido por primera vez. Fue su último concierto.
Ese mismo día apareció una entrevista en la prensa danesa tras su paso por Copenhague con otro vaticinio fúnebre. ?No estoy seguro de vivir hasta los veintiocho años?. Mostró interés en lo sobrenatural, mencionó a Jesús y el deseo de buscar paz y armonía mental asegurando que sacrificaba parte de su alma cada vez que tocaba.
Enero culmina a plena música y teatro, con presentación de libros y espacios de recreación. Qué se puede hacer este viernes, sábado y domingo.
(Foto: Instagram Los Totora)
A pesar de los bretes que desató la tercera ola de la pandemia de covid-19, la temporada teatral y musical en Mar del Plata cierra un mes con diversas alternativas culturales. Así la cartelera artística contempla espectáculos independientes y comerciales para comenzar a despedirse del verano. En ese marco, este viernes, sábado y domingo tanto marplatenses como turistas tienen la opción de entretenerse con shows y actividades recreativas al aire libre, o en espacios cerrados con protocolos.
Dentro de las múltiples alternativas culturales que propone Mar del Plata, el recorrido por las recomendaciones inicia este viernes en el Espacio Unzué, ya que el cronograma de espectáculos se renueva semana a semana.
Por otro lado, desde este viernes y hasta el domingo Eduardo Calvo presenta ?Fenómeno? en la sala Jorge Laureti, una obra que propone una dosis de humor bajo el virus R.I.S.A. A su vez, en los jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata sonará música latinoamericana, este viernes a cargo del Dúo la Trova y el domingo será el turno de Qúrcuma.
En paralelo, este viernes Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila -luego de 17 temporadas en Mar del Plata- proponen una ?fiesta de reencuentro? con una nueva función a la gorra de Improvisa2.
Y además, el sábado por la tarde la cumbia de Los Totora hará bailar a marplatenses y turistas en el parador ReCreo con entrada libre y gratuita. Por otro lado, a las 19, en el Faro por la Memoria, la autora Analía Kalinec regresa con su libro ?Llevaré su nombre?. Y A las 21, en Plaza Mitre la banda de rock Mandinga ofrecerá un show al aire libre en el marco de la Campaña de Verano del Ministerio de Educación de la Nación.
El fin de semana cierra con opciones para todos los gustos, dentro de las cuales estrena la obra ?Matices del ayer, memorias de la abuela? una comedia musical que apela a la memoria. Y No importa vuelve a abrir sus puertas con ?Que vuelvan los lentos?, una varieté a la gorra que contará con la participación de artistas marplatenses.
A raíz de la tercera ola de la pandemia de covid-19 las funciones y conciertos en espacios cerrados se realizan con los protocolos sanitarios por lo cual hay que respetar el uso de tapaboca?nariz y la distancia social. A su vez, para la mayoría de los eventos se pide el ?pase sanitario? que acredite el calendario de vacunación. Y para gran parte de los espectáculos, también, se sugiere comprar o reservar entradas previamente.
ACTIVIDADES RECREATIVAS, FERIA Y ESPECTÁCULOS EN EL ESPACIO UNZUÉ
Está viernes, sábado y domingo de 17 a 21 en Río Negro y la costa hay una gran variedad de propuestas al aire libre para toda la familia con entrada gratuita, ideal para distenderse. En ese marco, se puede disfrutar de la exposición interactiva Monstriña creada por la artista María Verónica Ramírez y promocionada por la Anses.
Música, espectáculos, juegos, tiendas colectivas de la economía popular y social y patio gastronómico son parte de la propuesta, que en caso de lluvia se suspende.
FENÓMENO
Del viernes al domingo a las 21:00 se presenta una obra de humor protagonizada por Eduardo Calvo y bajo la dirección de Gastón Troiano.
?El mundo está hecho pelota?? es la frase con la que abre la conferencia o encuentro un eximio científico sobre los rastros de un virus descubierto, que provoca sonidos extraños, denominado R.I.S.A. El mismo proviene de un planeta que existió hace miles de años, llamado Tierra, y allí encontrarán vestigios humorísticos de Sandrini, Pepe Biondi, Copi, Gila, en un país que antiguamente fue llamado ?Argentina?. Esta situación motiva el encuentro intergaláctico con personajes notables de otros planetas presentes en el público.
?Fenómeno? es la idea de un teatro sintético, un teatro que condensa en palabras, gestos, situaciones, sensibilidades, ideas, sensaciones, hechos y símbolos. A modo del teatro futurista, se orienta hacia el absurdo, la ironía, la risa, la crueldad y el extrañamiento. Todo tiene un ritmo dinámico en el deseo de tomar distancia del pasado inventando un futuro incierto, donde el pasado será presente.
- Entradas: $500, se pueden adquirir de forma virtual a través de Plateanet
- Sala: Jorge Lauretti, Centro Comercial del Puerto
DÚO LA TROVA PRESENTA ?CANCIONES PARA NUESTRA AMÉRICA?
El viernes a las 20:30 el Dúo La Trova presentará ?Canciones para nuestra América?. El repertorio incluirá canciones de propia autoría que recorren variadas temáticas y géneros musicales, con la presencia escénica que este dúo vocal realiza en la canción popular desde hace más de veinte años, acompañado de guitarra y accesorios de percusión.
El Dúo La Trova, integrado por Sebastián Echarry (guitarra, voz y composición) y Pablo Duarte (voz y accesorios de percusión) participó de giras por toda Argentina y algunos países de Latinoamérica. Su obra se podría enmarcar dentro de la canción popular urbana, de raíz trovadoresca y folklórica.
- Entrada: gratis
- Lugar: Jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata, Rodríguez Peña 4046
IMPROVISA2 INVITA A UNA ?FIESTA DE REENCUENTRO?
Pasaron 17 temporadas desde que Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila llegaron a Mar del Plata con Improvisa2.
Aquellos primeros shows en el Museo del Mar fueron el gen de este presente dinámico, con shows renovados como ?Fuking Impro? -que se presenta los miércoles y jueves a las 20- e ?Improborder? -con funciones los viernes y sábados a las 20:00-. Por eso, para los nostálgicos, para los que los acompañaron en los primeros años de esta ya casi dos décadas, para los que quieren conocer qué es un show de improvisación desde la génesis, el trío hace una ?fiesta del reencuentro?.
El show será este viernes a las 20:30 en la Sala Melany. Habrá sorteos importantes para quienes presencien la función.
- Entrada: a la gorra
- Sala: Sala Melany, Centro de Arte Radio City+Roxy+Melany ubicado en San Luis 1750
LOS TOTORA PROMETEN UNA FIESTA EN MAR DEL PLATA
Está sábado a las 18 Los Totora arriban a Mar del Plata para celebrar un mes de la puesta en marcha del parador ReCreo en Playa Constitución y para celebrar habrá actividades especiales y sorpresas.
- Entrada: gratis.
- Lugar: Avenida Félix U. Camet entre Valencia y López de Gómara, frente al Museo MAR
?LLEVARÉ TU NOMBRE?
Está sábado a las 19:00, en el marco de las actividades culturales de ?Verano con Derechos? se presenta ?Llevaré su nombre? de Analía Kalinec.
La propuesta contará con la presencia de la autora, integrante del colectivo ?Historias Desobedientes? y de Maxi Monetti, comunicador de Radio de La Azotea y secretario de Derechos Humanos de la CTA Autónoma de Mar del Plata. La presentación también será trasmitida a través del Facebook del Colectivo Faro de la Memoria
En el año 2017, la Justicia le otorgó la prisión domiciliaria al genocida Miguel Etchecolatz en Mar del Plata. La ciudad y el Bosque Peralta Ramos, barrio donde residiría, se rebelaron ante la decisión. La quietud del barrio se transformó en lucha, en acción y sus vecinos se organizaron en el colectivo ?Vecinos sin Genocidas? que, junto a los organismos de derechos humanos, el Colectivo Faro de la Memoria y gran parte de la sociedad se movilizó hasta que en marzo del 2018 Etchecolatz fue devuelto a la cárcel.
?Esos tres meses intensos de lucha nos encontró en las calles con Ellos , hijas e hijos de genocidas que participaron en la dictadura cívico-militar y eclesiástica argentina de 1976 y que repudian el accionar de sus padres, organizados en el colectivo ?Historias desobedientes y con faltas de ortografía?. Marchamos juntas por primera vez. Hoy tiempo después de tan conmovedor encuentro Analía nos cuenta en ?Llevaré su Nombre? su historia. Fuerte, conmovedora, valiente?, invitaron.
- Entrada: gratis
- Lugar: Faro de la Memoria, Avenida de los Trabajadores 5700
MANDINGA
Mandinga es una banda oriunda de la zona norte de la ciudad de Buenos Aires, que nació como continuación de un proyecto musical previo. Este sábado a las 21 se presentará en Plaza Mitre en el marco de la Campaña de Verano del Ministerio de Educación de la Nación.
Con Martín ?Pelu? de las Carreras en voz y guitarra rítmica y Francisco ?Mike? Álvarez Arancedo en guitarra lead, con Manuel ?Manolo? Sartan en bajo y José ?Chussef? Canton en batería, Mandinga cobró vida. Las influencias musicales fueron Andrés Calamaro, Fito Páez, Stevie Wonder, Stevie Ray Vaughan, Led Zeppelin, Bill Withers, Soda Stereo, Luis Alberto Spinetta, Divididos, y artistas emergentes como Mustafunk, Bándalos Chinos y Vulfpeck.
- Entrada: gratis
- Lugar: Plaza Mitre
CANCIÓN DE QURCO
El dúo marplatense Félix Fritz y Florencia Di Biase interpretará este domingo a las 20.30 ritmos latinoamericanos, con una incursión en la cumbia y clásicas baladas.
qurcum es un dúo que está atravesado por ritmos latinoamericanos alegres con una incursión muy potente en la cumbia pero también por momentos se entrega a las clásicas baladas de amor.
- Entrada: gratis
- Lugar: Jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata, Rodríguez Peña 4046.
QUE VUELVAN LOS LENTOS
Este domingo las puertas de memoria nerviosa se abren para un encuentro de artistas. A partir de las 20 el público podrá disfrutar de intervenciones, música, teatro, poesía, clown y danza, de la mano de Lucila Pérez Rioja, Diego Pazos, Olivia Diab, Alan Trezz, Diego Paietta, Zulema Moscetta, Diamela Paz Bozzolo, Dan Du, Fer Osuna y Eve Carozzoson.
- Entrada: a la gorra
- Lugar: No importa, Moreno 2736
?MATICES DEL AYER?, MEMORIAS DE LA ABUELA
La comedia musical, ambientada en mediados de los años ?60 y principios de los ?70 en Mar del Plata estrena este domingo a las 21:00. Una docena de actores y actrices marplatenses a través de sus personajes, canciones y música harán viajar al pasado a cada espectador.
?Matices del ayer, memorias de la abuela? refleja la historia de Sofía, una copera de Cabaret, en constante lucha por encontrar el verdadero amor. Ésta es la realidad, de esas mujeres, que, atrapadas por su destino, luchan por burlarlo.
- Entradas: $600. Reservas al (223) 447-0928
- Sala: Colectivo Cultural A la Vuelta de la Esquina, Alberti 3723
Enero culmina a plena música y teatro, con presentación de libros y espacios de recreación. Qué se puede hacer este viernes, sábado y domingo.
(Foto: Instagram Los Totora)
A pesar de los bretes que desató la tercera ola de la pandemia de covid-19, la temporada teatral y musical en Mar del Plata cierra un mes con diversas alternativas culturales. Así la cartelera artística contempla espectáculos independientes y comerciales para comenzar a despedirse del verano. En ese marco, este viernes, sábado y domingo tanto marplatenses como turistas tienen la opción de entretenerse con shows y actividades recreativas al aire libre, o en espacios cerrados con protocolos.
Dentro de las múltiples alternativas culturales que propone Mar del Plata, el recorrido por las recomendaciones inicia este viernes en el Espacio Unzué, ya que el cronograma de espectáculos se renueva semana a semana.
Por otro lado, desde este viernes y hasta el domingo Eduardo Calvo presenta ?Fenómeno? en la sala Jorge Laureti, una obra que propone una dosis de humor bajo el virus R.I.S.A. A su vez, en los jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata sonará música latinoamericana, este viernes a cargo del Dúo la Trova y el domingo será el turno de Qúrcuma.
En paralelo, este viernes Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila -luego de 17 temporadas en Mar del Plata- proponen una ?fiesta de reencuentro? con una nueva función a la gorra de Improvisa2.
Y además, el sábado por la tarde la cumbia de Los Totora hará bailar a marplatenses y turistas en el parador ReCreo con entrada libre y gratuita. Por otro lado, a las 19, en el Faro por la Memoria, la autora Analía Kalinec regresa con su libro ?Llevaré su nombre?. Y A las 21, en Plaza Mitre la banda de rock Mandinga ofrecerá un show al aire libre en el marco de la Campaña de Verano del Ministerio de Educación de la Nación.
El fin de semana cierra con opciones para todos los gustos, dentro de las cuales estrena la obra ?Matices del ayer, memorias de la abuela? una comedia musical que apela a la memoria. Y No importa vuelve a abrir sus puertas con ?Que vuelvan los lentos?, una varieté a la gorra que contará con la participación de artistas marplatenses.
A raíz de la tercera ola de la pandemia de covid-19 las funciones y conciertos en espacios cerrados se realizan con los protocolos sanitarios por lo cual hay que respetar el uso de tapaboca?nariz y la distancia social. A su vez, para la mayoría de los eventos se pide el ?pase sanitario? que acredite el calendario de vacunación. Y para gran parte de los espectáculos, también, se sugiere comprar o reservar entradas previamente.
ACTIVIDADES RECREATIVAS, FERIA Y ESPECTÁCULOS EN EL ESPACIO UNZUÉ
Está viernes, sábado y domingo de 17 a 21 en Río Negro y la costa hay una gran variedad de propuestas al aire libre para toda la familia con entrada gratuita, ideal para distenderse. En ese marco, se puede disfrutar de la exposición interactiva Monstriña creada por la artista María Verónica Ramírez y promocionada por la Anses.
Música, espectáculos, juegos, tiendas colectivas de la economía popular y social y patio gastronómico son parte de la propuesta, que en caso de lluvia se suspende.
FENÓMENO
Del viernes al domingo a las 21:00 se presenta una obra de humor protagonizada por Eduardo Calvo y bajo la dirección de Gastón Troiano.
?El mundo está hecho pelota?? es la frase con la que abre la conferencia o encuentro un eximio científico sobre los rastros de un virus descubierto, que provoca sonidos extraños, denominado R.I.S.A. El mismo proviene de un planeta que existió hace miles de años, llamado Tierra, y allí encontrarán vestigios humorísticos de Sandrini, Pepe Biondi, Copi, Gila, en un país que antiguamente fue llamado ?Argentina?. Esta situación motiva el encuentro intergaláctico con personajes notables de otros planetas presentes en el público.
?Fenómeno? es la idea de un teatro sintético, un teatro que condensa en palabras, gestos, situaciones, sensibilidades, ideas, sensaciones, hechos y símbolos. A modo del teatro futurista, se orienta hacia el absurdo, la ironía, la risa, la crueldad y el extrañamiento. Todo tiene un ritmo dinámico en el deseo de tomar distancia del pasado inventando un futuro incierto, donde el pasado será presente.
- Entradas: $500, se pueden adquirir de forma virtual a través de Plateanet
- Sala: Jorge Lauretti, Centro Comercial del Puerto
DÚO LA TROVA PRESENTA ?CANCIONES PARA NUESTRA AMÉRICA?
El viernes a las 20:30 el Dúo La Trova presentará ?Canciones para nuestra América?. El repertorio incluirá canciones de propia autoría que recorren variadas temáticas y géneros musicales, con la presencia escénica que este dúo vocal realiza en la canción popular desde hace más de veinte años, acompañado de guitarra y accesorios de percusión.
El Dúo La Trova, integrado por Sebastián Echarry (guitarra, voz y composición) y Pablo Duarte (voz y accesorios de percusión) participó de giras por toda Argentina y algunos países de Latinoamérica. Su obra se podría enmarcar dentro de la canción popular urbana, de raíz trovadoresca y folklórica.
- Entrada: gratis
- Lugar: Jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata, Rodríguez Peña 4046
IMPROVISA2 INVITA A UNA ?FIESTA DE REENCUENTRO?
Pasaron 17 temporadas desde que Mariana Cumbi Bustinza, Tomás Cutler y Gabriel Gavila llegaron a Mar del Plata con Improvisa2.
Aquellos primeros shows en el Museo del Mar fueron el gen de este presente dinámico, con shows renovados como ?Fuking Impro? -que se presenta los miércoles y jueves a las 20- e ?Improborder? -con funciones los viernes y sábados a las 20:00-. Por eso, para los nostálgicos, para los que los acompañaron en los primeros años de esta ya casi dos décadas, para los que quieren conocer qué es un show de improvisación desde la génesis, el trío hace una ?fiesta del reencuentro?.
El show será este viernes a las 20:30 en la Sala Melany. Habrá sorteos importantes para quienes presencien la función.
- Entrada: a la gorra
- Sala: Sala Melany, Centro de Arte Radio City+Roxy+Melany ubicado en San Luis 1750
LOS TOTORA PROMETEN UNA FIESTA EN MAR DEL PLATA
Está sábado a las 18 Los Totora arriban a Mar del Plata para celebrar un mes de la puesta en marcha del parador ReCreo en Playa Constitución y para celebrar habrá actividades especiales y sorpresas.
- Entrada: gratis.
- Lugar: Avenida Félix U. Camet entre Valencia y López de Gómara, frente al Museo MAR
?LLEVARÉ TU NOMBRE?
Está sábado a las 19:00, en el marco de las actividades culturales de ?Verano con Derechos? se presenta ?Llevaré su nombre? de Analía Kalinec.
La propuesta contará con la presencia de la autora, integrante del colectivo ?Historias Desobedientes? y de Maxi Monetti, comunicador de Radio de La Azotea y secretario de Derechos Humanos de la CTA Autónoma de Mar del Plata. La presentación también será trasmitida a través del Facebook del Colectivo Faro de la Memoria
En el año 2017, la Justicia le otorgó la prisión domiciliaria al genocida Miguel Etchecolatz en Mar del Plata. La ciudad y el Bosque Peralta Ramos, barrio donde residiría, se rebelaron ante la decisión. La quietud del barrio se transformó en lucha, en acción y sus vecinos se organizaron en el colectivo ?Vecinos sin Genocidas? que, junto a los organismos de derechos humanos, el Colectivo Faro de la Memoria y gran parte de la sociedad se movilizó hasta que en marzo del 2018 Etchecolatz fue devuelto a la cárcel.
?Esos tres meses intensos de lucha nos encontró en las calles con Ellos , hijas e hijos de genocidas que participaron en la dictadura cívico-militar y eclesiástica argentina de 1976 y que repudian el accionar de sus padres, organizados en el colectivo ?Historias desobedientes y con faltas de ortografía?. Marchamos juntas por primera vez. Hoy tiempo después de tan conmovedor encuentro Analía nos cuenta en ?Llevaré su Nombre? su historia. Fuerte, conmovedora, valiente?, invitaron.
- Entrada: gratis
- Lugar: Faro de la Memoria, Avenida de los Trabajadores 5700
MANDINGA
Mandinga es una banda oriunda de la zona norte de la ciudad de Buenos Aires, que nació como continuación de un proyecto musical previo. Este sábado a las 21 se presentará en Plaza Mitre en el marco de la Campaña de Verano del Ministerio de Educación de la Nación.
Con Martín ?Pelu? de las Carreras en voz y guitarra rítmica y Francisco ?Mike? Álvarez Arancedo en guitarra lead, con Manuel ?Manolo? Sartan en bajo y José ?Chussef? Canton en batería, Mandinga cobró vida. Las influencias musicales fueron Andrés Calamaro, Fito Páez, Stevie Wonder, Stevie Ray Vaughan, Led Zeppelin, Bill Withers, Soda Stereo, Luis Alberto Spinetta, Divididos, y artistas emergentes como Mustafunk, Bándalos Chinos y Vulfpeck.
- Entrada: gratis
- Lugar: Plaza Mitre
CANCIÓN DE QURCO
El dúo marplatense Félix Fritz y Florencia Di Biase interpretará este domingo a las 20.30 ritmos latinoamericanos, con una incursión en la cumbia y clásicas baladas.
qurcum es un dúo que está atravesado por ritmos latinoamericanos alegres con una incursión muy potente en la cumbia pero también por momentos se entrega a las clásicas baladas de amor.
- Entrada: gratis
- Lugar: Jardines de la Universidad Nacional de Mar del Plata, Rodríguez Peña 4046.
QUE VUELVAN LOS LENTOS
Este domingo las puertas de memoria nerviosa se abren para un encuentro de artistas. A partir de las 20 el público podrá disfrutar de intervenciones, música, teatro, poesía, clown y danza, de la mano de Lucila Pérez Rioja, Diego Pazos, Olivia Diab, Alan Trezz, Diego Paietta, Zulema Moscetta, Diamela Paz Bozzolo, Dan Du, Fer Osuna y Eve Carozzoson.
- Entrada: a la gorra
- Lugar: No importa, Moreno 2736
?MATICES DEL AYER?, MEMORIAS DE LA ABUELA
La comedia musical, ambientada en mediados de los años ?60 y principios de los ?70 en Mar del Plata estrena este domingo a las 21:00. Una docena de actores y actrices marplatenses a través de sus personajes, canciones y música harán viajar al pasado a cada espectador.
?Matices del ayer, memorias de la abuela? refleja la historia de Sofía, una copera de Cabaret, en constante lucha por encontrar el verdadero amor. Ésta es la realidad, de esas mujeres, que, atrapadas por su destino, luchan por burlarlo.
- Entradas: $600. Reservas al (223) 447-0928
- Sala: Colectivo Cultural A la Vuelta de la Esquina, Alberti 3723
La época de diciembre es un lucrativo negocio para los artistas que logren una canción como éxito. Uno de los casos más representativos es el de Mariah Carey que con ‘Todo lo que quiero para Navidad eres tu’ ha logrado, según un estimado de El economista, 60 millones de dólares en regalías desde el lanzamiento.
Además, según el portal Celebrity Net Worth, anualmente Mariah gana entre $600.000 y un millón de dólares solo con esta canción que es un éxito navideño.
Por otro lado, el cálculo de Ofertas de banda ancha da cuenta de que Mariah ha ganado más de 2.300.000 millones de dólares solo con reproducciones en Spotify, sin mencionar las reproducciones en YouTube, licencias para TV y películas, ventas de álbumes físicos, entre otros.
Entre tanto, el también éxito navideño ‘Últimas Navidades del dúo Wham!’ anualmente acumula más de 500.000 dólares. Así mismo, el sencillo de 1973, feliz navidad a todos con el que la banda británica Slade gana cerca de 840.000 dólares cada año por su canción, según Celebrity Net Worth.
Mientras tanto, en 1980 el británico Jona Lewie lanzó detener la caballería, un himno de Navidad anti guerra, que según The Daily Mail, el músico de 74 años gana cerca de $160.000 dólares anualmente. Lewie afirmó que el sencillo representa el 50% de sus ingresos.
Sin embargo, la canción de Navidad más lucrativa es blanca Navidad de Irving Berlin, lanzada en 1940 y que ha ganado cerca de 65 millones de dólares desde su creación.
Las siguientes son las canciones de Navidad que más dinero han ganado en la historia
- Irving Berlin ? Blanca Navidad: (1940) $65 millones
- Mariah Carey – Todo lo que quiero para Navidad eres tú (1994): $60 millones
- Santa Claus viene a la ciudad (1934): $50 millones
- Mel Torme – La canción de Navidad (1944): $45 millones
- Paul McCartney ? Maravillosa Navidad (1979): $40 millones
Lea también
La época de diciembre es un lucrativo negocio para los artistas que logren una canción como éxito. Uno de los casos más representativos es el de Mariah Carey que con ‘Todo lo que quiero para Navidad eres tu’ ha logrado, según un estimado de El economista, 60 millones de dólares en regalías desde el lanzamiento.
Además, según el portal Celebrity Net Worth, anualmente Mariah gana entre $600.000 y un millón de dólares solo con esta canción que es un éxito navideño.
Por otro lado, el cálculo de Ofertas de banda ancha da cuenta de que Mariah ha ganado más de 2.300.000 millones de dólares solo con reproducciones en Spotify, sin mencionar las reproducciones en YouTube, licencias para TV y películas, ventas de álbumes físicos, entre otros.
Entre tanto, el también éxito navideño ‘Últimas Navidades del dúo Wham!’ anualmente acumula más de 500.000 dólares. Así mismo, el sencillo de 1973, feliz navidad a todos con el que la banda británica Slade gana cerca de 840.000 dólares cada año por su canción, según Celebrity Net Worth.
Mientras tanto, en 1980 el británico Jona Lewie lanzó detener la caballería, un himno de Navidad anti guerra, que según The Daily Mail, el músico de 74 años gana cerca de $160.000 dólares anualmente. Lewie afirmó que el sencillo representa el 50% de sus ingresos.
Sin embargo, la canción de Navidad más lucrativa es blanca Navidad de Irving Berlin, lanzada en 1940 y que ha ganado cerca de 65 millones de dólares desde su creación.
Las siguientes son las canciones de Navidad que más dinero han ganado en la historia
- Irving Berlin ? Blanca Navidad: (1940) $65 millones
- Mariah Carey – Todo lo que quiero para Navidad eres tú (1994): $60 millones
- Santa Claus viene a la ciudad (1934): $50 millones
- Mel Torme – La canción de Navidad (1944): $45 millones
- Paul McCartney ? Maravillosa Navidad (1979): $40 millones
Lea también
Un testimonio de la vida de sus antepasados, ?American Dirt? es una lección de historia de reaprendizaje. La canción, junto con el poema evocativo de palabra hablada, ?Sangre? convoca feroces críticas a su vida politizada en la frontera entre México y Estados Unidos y al trato a su amado pueblo. Las afiladas letras y honestas de FLORES dan más información sobre qué esperar en el 2022 de su muy esperado próximo proyecto ?In the Lives They Left.?
FLORES comentó que, «La historia estadounidense que se nos cuenta en los libros escolares es muy parecida a las manchas sangrientas en una alfombra que el asesino hará cualquier cosa para ocultar». El coro suena en voz alta, «A la mierda tu libertad y tus sentimientos también. No necesitamos sus versiones diluidas de la verdad».
FLORES reconstruye el sueño americano pieza por pieza con su canto melódico y rinde homenaje a su herencia mexicana. Su actitud desinhibida en contra de la idea de que las mujeres deben comportarse, cerrar la boca y sonreír se ve reflejada en su arte. Para esta no escatima notas, ni opiniones y realmente pavimenta una versión matriarcal de sí misma.
FLORES expone su alma; explorando su herencia indígena méxico-americana con vibrantes exhibiciones de narración visual y musical. Criada en el desierto chihuahuense de El Paso, Texas, creció dentro de la Reserva Indígena Tigua que se encuentra escondida en lo que es el distrito más antiguo de la ciudad. La paleta musical de FLORES es tan culturalmente diversa como su educación con influencias de artistas como Chavela Vargas, canciones clásicas de mariachi, hasta el amor de su madre por cantantes de jazz moderno como Sarah Vaughn y Dinah Washington. Sus primeros años de vida fueron influenciados por Lauryn Hill y Rage Against the Machine y más tarde por Radiohead y Frank Ocean.
Habiendo lanzado previamente cinco canciones de forma independiente y acumulando más de 9 millones de reproducciones solo en Spotify, FLORES está lista para crear su propio carril en el espacio del R&B. Su actuación en la muy venerada serie de música COLORS, donde cantó su sencillo más popular hasta la fecha «Oceans,» ya ha obtenido más de 1 millón de visitas. Su primer sencillo «Mayahuel,» de su muy esperado EP, fue estrenado en la serie Press Play de Grammy.com con una actuación íntima y acústica. Verlo aquí.
FLORES pasó el 2020 elaborando su proyecto debut que toca los temas de la inmigración, la identidad cultural, la colonización y los roles de género. Su música aborda los problemas a la vanguardia de los Estados Unidos de hoy en día y habla en nombre de un grupo demográfico a menudo olvidado.
También te puede interesar: Medved, la nueva cara del «rock alternativo» en Colombia
Un testimonio de la vida de sus antepasados, ?American Dirt? es una lección de historia de reaprendizaje. La canción, junto con el poema evocativo de palabra hablada, ?Sangre? convoca feroces críticas a su vida politizada en la frontera entre México y Estados Unidos y al trato a su amado pueblo. Las afiladas letras y honestas de FLORES dan más información sobre qué esperar en el 2022 de su muy esperado próximo proyecto ?In the Lives They Left.?
FLORES comentó que, «La historia estadounidense que se nos cuenta en los libros escolares es muy parecida a las manchas sangrientas en una alfombra que el asesino hará cualquier cosa para ocultar». El coro suena en voz alta, «A la mierda tu libertad y tus sentimientos también. No necesitamos sus versiones diluidas de la verdad».
FLORES reconstruye el sueño americano pieza por pieza con su canto melódico y rinde homenaje a su herencia mexicana. Su actitud desinhibida en contra de la idea de que las mujeres deben comportarse, cerrar la boca y sonreír se ve reflejada en su arte. Para esta no escatima notas, ni opiniones y realmente pavimenta una versión matriarcal de sí misma.
FLORES expone su alma; explorando su herencia indígena méxico-americana con vibrantes exhibiciones de narración visual y musical. Criada en el desierto chihuahuense de El Paso, Texas, creció dentro de la Reserva Indígena Tigua que se encuentra escondida en lo que es el distrito más antiguo de la ciudad. La paleta musical de FLORES es tan culturalmente diversa como su educación con influencias de artistas como Chavela Vargas, canciones clásicas de mariachi, hasta el amor de su madre por cantantes de jazz moderno como Sarah Vaughn y Dinah Washington. Sus primeros años de vida fueron influenciados por Lauryn Hill y Rage Against the Machine y más tarde por Radiohead y Frank Ocean.
Habiendo lanzado previamente cinco canciones de forma independiente y acumulando más de 9 millones de reproducciones solo en Spotify, FLORES está lista para crear su propio carril en el espacio del R&B. Su actuación en la muy venerada serie de música COLORS, donde cantó su sencillo más popular hasta la fecha «Oceans,» ya ha obtenido más de 1 millón de visitas. Su primer sencillo «Mayahuel,» de su muy esperado EP, fue estrenado en la serie Press Play de Grammy.com con una actuación íntima y acústica. Verlo aquí.
FLORES pasó el 2020 elaborando su proyecto debut que toca los temas de la inmigración, la identidad cultural, la colonización y los roles de género. Su música aborda los problemas a la vanguardia de los Estados Unidos de hoy en día y habla en nombre de un grupo demográfico a menudo olvidado.
También te puede interesar: Medved, la nueva cara del «rock alternativo» en Colombia
IR: ¿Quién te presentó la música de Chavela Vargas?
ESE: La vida. De niña iba a las tiendas de discos y revisaba la sección de música del mundo, desde el Medio Oriente, hasta la India y lugares donde usaban la voz y los instrumentos de forma diferente; son canciones tan poderosas que no necesitas entender lo que dicen. Es una emoción, un sentimiento; por eso amo tanto la música. Es la razón por la que la hago. No son las listas de popularidad, eso es lo de menos. Hacer lo que me hace feliz es lo importante. Y Chavela, su historia, su documental, la forma en la que empodera a las mujeres; ella no cambió su forma de ser por nadie, simplemente se consolidó como lo que quería ser. En su voz, en las canciones increíbles que hizo, podías sentir su corazón herido, sin importar lo que decía. Le tengo mucho respeto. No se trata de cuántas notas alcanza una cantante, se trata de la emoción, de entregar tu corazón en cada grabación, por eso también me gustan Etta James, Nina Simone y las cantantes que dejaban su alma en la voz como Celia Cruz.
(Foto: Benjo Arwas para ELLE México)
IR: ¿Cómo fue tu primer contacto con el feminismo?
ESE: A través de la música y el ejemplo de otras mujeres fuertes. El feminismo se vive de muchas formas. De chica vi por lo que pasó mi madre, renunció a su carrera para convertirse en ama de casa, para que su matrimonio funcionara, y no le sirvió de nada. Ni a nivel personal, ni como mujer. Eso me inculcó ética profesional y me alentó a nunca ponerme en la situación de depender de un hombre. Desde muy joven decidí ser fuerte. Nunca tuve prisa de casarme, siempre quise trabajar y cantar. Empecé cuando vi por primera vez la película de La novicia rebelde, cuando cantaba se veía libre. En mi infancia me sentía atrapada y me escapaba a través del arte y las películas, pensando o viendo por la ventana. Aprendí grandes lecciones de mi madre. Le aprendí su amabilidad y su buen corazón, me enseñó a ser una persona genuina. Para ella fue difícil terminar con su matrimonio, muchas mujeres no salen de ahí nunca y me siento muy orgullosa de ella. De ahí viene ?Oh Mother?, es un homenaje a ella. Es importante hablar sobre tus batallas porque nunca sabes quién va a escuchar o quién está pasando por lo mismo. Vivo para inspirar, por eso me dedico a esto. Haber estado en la industria desde niña me ha permitido ver que los hombres siempre se salen con la suya, vivimos en un mundo en el que los hombres mandan. Pasé por mucha mierda y no podía hablar de eso. Así que aprendí sobre los valores de las mujeres, aprendí a hacer las cosas por mí misma y a asegurarme de trabajar para tener el poder suficiente, dictar las reglas. Ahora tenemos plataformas con mayor alcance, podemos alzar la voz y unirnos. Ahora celebramos los cuerpos distintos, la gente festeja nuestras elecciones de vida, estamos viviendo en plenitud y no tenemos que disculparnos. Eso es importantísimo. Mi trabajo demuestra que he tomado las decisiones correctas.
.
IR: ¿Quién te presentó la música de Chavela Vargas?
ESE: La vida. De niña iba a las tiendas de discos y revisaba la sección de música del mundo, desde el Medio Oriente, hasta la India y lugares donde usaban la voz y los instrumentos de forma diferente; son canciones tan poderosas que no necesitas entender lo que dicen. Es una emoción, un sentimiento; por eso amo tanto la música. Es la razón por la que la hago. No son las listas de popularidad, eso es lo de menos. Hacer lo que me hace feliz es lo importante. Y Chavela, su historia, su documental, la forma en la que empodera a las mujeres; ella no cambió su forma de ser por nadie, simplemente se consolidó como lo que quería ser. En su voz, en las canciones increíbles que hizo, podías sentir su corazón herido, sin importar lo que decía. Le tengo mucho respeto. No se trata de cuántas notas alcanza una cantante, se trata de la emoción, de entregar tu corazón en cada grabación, por eso también me gustan Etta James, Nina Simone y las cantantes que dejaban su alma en la voz como Celia Cruz.
(Foto: Benjo Arwas para ELLE México)
IR: ¿Cómo fue tu primer contacto con el feminismo?
ESE: A través de la música y el ejemplo de otras mujeres fuertes. El feminismo se vive de muchas formas. De chica vi por lo que pasó mi madre, renunció a su carrera para convertirse en ama de casa, para que su matrimonio funcionara, y no le sirvió de nada. Ni a nivel personal, ni como mujer. Eso me inculcó ética profesional y me alentó a nunca ponerme en la situación de depender de un hombre. Desde muy joven decidí ser fuerte. Nunca tuve prisa de casarme, siempre quise trabajar y cantar. Empecé cuando vi por primera vez la película de La novicia rebelde, cuando cantaba se veía libre. En mi infancia me sentía atrapada y me escapaba a través del arte y las películas, pensando o viendo por la ventana. Aprendí grandes lecciones de mi madre. Le aprendí su amabilidad y su buen corazón, me enseñó a ser una persona genuina. Para ella fue difícil terminar con su matrimonio, muchas mujeres no salen de ahí nunca y me siento muy orgullosa de ella. De ahí viene ?Oh Mother?, es un homenaje a ella. Es importante hablar sobre tus batallas porque nunca sabes quién va a escuchar o quién está pasando por lo mismo. Vivo para inspirar, por eso me dedico a esto. Haber estado en la industria desde niña me ha permitido ver que los hombres siempre se salen con la suya, vivimos en un mundo en el que los hombres mandan. Pasé por mucha mierda y no podía hablar de eso. Así que aprendí sobre los valores de las mujeres, aprendí a hacer las cosas por mí misma y a asegurarme de trabajar para tener el poder suficiente, dictar las reglas. Ahora tenemos plataformas con mayor alcance, podemos alzar la voz y unirnos. Ahora celebramos los cuerpos distintos, la gente festeja nuestras elecciones de vida, estamos viviendo en plenitud y no tenemos que disculparnos. Eso es importantísimo. Mi trabajo demuestra que he tomado las decisiones correctas.
.