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Barack Obama shares his list of favorite movies of 2022

Nothing better to get to know people than knowing the type of music they like or the type of movies they enjoy the most; personal tastes reveal a lot about us, and for that reason it is not uncommon for everyone to want to share what they like best with the world. Although most fan lists are lost in nowhere, it is not the case of the former president of the United States, Barack Obamawho enlightens her fans with her wisdom by sharing her favorite movies each year.

You may also like: Top Gun: Maverick Named Best Picture of 2022 by the National Review Board

Yes ok Barack Obama He is not remembered as a great president, his management will always be remembered because he was the first black president in the history of the United States, and in an age where identities seem to play a more important role than actions, Obama came out on top, since he some exalt him as a great human being and an exceptional politician. Perhaps it also helps that after him came donald trumpwho encouraged racist groups of all kinds.

But like it or not, Obama is a celebrity, and many keep an eye on his movie recommendations, for whatever reason. In this 2022 there is no doubt that Hollywood had great premieres, and the former president shared with critics his appreciation for some films such as Top Gun: Maverick (98%)celebrated around the world as a great old-fashioned blockbuster, which proves that Tom Cruise he is an established action star.

Also read: Director of Everything Everywhere At the Same Time asks his fans not to engage in toxic behavior

The list puts at the top (we don’t know if the order is qualitative or random) to The Fabelmans (100%)from Steven Spielberg, semi-autobiographical film of the director’s early years; followed by The decision to leave (95%)by the Korean director Park Chan Wook; The king woman (91%)directed by Gina Prince Bythewood and starring Viola Davis. Then this After sun (96%)from charlotte wells; Emily the Criminal (85%)from john patton ford; Petite maman (100%)from Celine Sciamma; Decendentsfrom Kenny Ortega ; Y The event (97%)from Audrey Divan.

The second half of the list includes till (100%)from Chinonye Chukwuand then to the success of A24 Everything everywhere at the same time (91%)from daniel kwan Y daniel scheinert an action-comedy-drama-sci-fi starring michelle yeoh which was critically acclaimed. Then we find Top Gun: Maverick; the spanish comedy The good boss (95%)from Fernando Leon de Aranoa; The wheel of fortune and fantasy (100%)from Ryûsuke Hamaguchi; To Hero (91%)from Asghar Farhadi; hit the roadfrom Panah Panahi; Tar (100%)from Todd Field; Y After Yang (73%)from Kogonada.

It is interesting to note that the former president of the United States is not limited to Hollywood cinema, and has several foreign films that were recognized by critics. For opinions of people specialized in the subject, they can go to the lists made by professional film critics, as well as the lists of filmmakers recognized as Guillermo del Toro, Edgar Wright either Martin Scorseseetc.

Who knows what surprises American politics will bring us next year, but what we can be almost sure of is that Obama will continue to share his list of favorite movies to enlighten us with his wisdom.

Don’t leave without reading: The multiverse according to ‘Everything everywhere at the same time’

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) [summary] => Barack Obama shares his list of favorite movies of 2022 Nothing better to get to know people than knowing the type of music they like or the type of movies they enjoy the most; personal tastes reveal a lot about us, and for that reason it is not uncommon for everyone to want to share ... Read more [atom_content] =>

Barack Obama shares his list of favorite movies of 2022

Nothing better to get to know people than knowing the type of music they like or the type of movies they enjoy the most; personal tastes reveal a lot about us, and for that reason it is not uncommon for everyone to want to share what they like best with the world. Although most fan lists are lost in nowhere, it is not the case of the former president of the United States, Barack Obamawho enlightens her fans with her wisdom by sharing her favorite movies each year.

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Yes ok Barack Obama He is not remembered as a great president, his management will always be remembered because he was the first black president in the history of the United States, and in an age where identities seem to play a more important role than actions, Obama came out on top, since he some exalt him as a great human being and an exceptional politician. Perhaps it also helps that after him came donald trumpwho encouraged racist groups of all kinds.

But like it or not, Obama is a celebrity, and many keep an eye on his movie recommendations, for whatever reason. In this 2022 there is no doubt that Hollywood had great premieres, and the former president shared with critics his appreciation for some films such as Top Gun: Maverick (98%)celebrated around the world as a great old-fashioned blockbuster, which proves that Tom Cruise he is an established action star.

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The list puts at the top (we don’t know if the order is qualitative or random) to The Fabelmans (100%)from Steven Spielberg, semi-autobiographical film of the director’s early years; followed by The decision to leave (95%)by the Korean director Park Chan Wook; The king woman (91%)directed by Gina Prince Bythewood and starring Viola Davis. Then this After sun (96%)from charlotte wells; Emily the Criminal (85%)from john patton ford; Petite maman (100%)from Celine Sciamma; Decendentsfrom Kenny Ortega ; Y The event (97%)from Audrey Divan.

The second half of the list includes till (100%)from Chinonye Chukwuand then to the success of A24 Everything everywhere at the same time (91%)from daniel kwan Y daniel scheinert an action-comedy-drama-sci-fi starring michelle yeoh which was critically acclaimed. Then we find Top Gun: Maverick; the spanish comedy The good boss (95%)from Fernando Leon de Aranoa; The wheel of fortune and fantasy (100%)from Ryûsuke Hamaguchi; To Hero (91%)from Asghar Farhadi; hit the roadfrom Panah Panahi; Tar (100%)from Todd Field; Y After Yang (73%)from Kogonada.

It is interesting to note that the former president of the United States is not limited to Hollywood cinema, and has several foreign films that were recognized by critics. For opinions of people specialized in the subject, they can go to the lists made by professional film critics, as well as the lists of filmmakers recognized as Guillermo del Toro, Edgar Wright either Martin Scorseseetc.

Who knows what surprises American politics will bring us next year, but what we can be almost sure of is that Obama will continue to share his list of favorite movies to enlighten us with his wisdom.

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1. The White Lotus (segunda temporada – HBO Max)

Escrita y dirigida por el estadounidense Mike White, la miniserie de HBO+ se coronó como una de las sátiras más brillantes de este año. ¿Qué gracia puede tener la historia de un grupo de huéspedes que llegan a un exclusivo resort, esta vez en Italia?

Para Soledad Gutiérrez, comentarista de series en Radio Concierto, su principal fortaleza radica en ?un atractivo morboso de sus personajes, sostenidos en el afán de escudriñar el alma humana. Tal como anticipan sus créditos, es un fresco de los egos, sospechas y necesidades que nos dominan ahora y siempre, en Hawái y en Sicilia. En el segundo ciclo brilló Aubrey Plaza como Harper, una abogada con conciencia de clase que descubre nuevas formas de cinismo, una de las actuaciones que la deberían dejar en el podio de esta temporada?.

Alejandra Pinto, crítica de El Agente Cine, destaca que el ciclo estrenado este 2022 ?contiene todo lo que queremos ver: gente enojada, problemas maritales, chicas que saben lo que quieren y muchas (¡muchas!) referencias al cine italiano, junto con un ritmo y guion impecable. Aubrey Plaza y Jennifer Coolidge lo hacen todo. Sumamos su soundtrack, a cargo de Cristóbal Tapia de Veer y resulta imposible no quedarse a saber más sobre sus personajes. Divertidísima y dramática, algo que no es fácil de lograr?.

2. Severance (temporada 1 – Apple Tv+)

Desde su estreno a principios de este año, la ficción creada por dirigida por Dan Erickson y dirigida por Ben Stiller y Aoife McArdle se posicionó rápidamente como uno de los títulos más interesantes del streaming. Configurada como un thriller psicológico, su historia imagina un futuro donde las empresas son capaces de intervenir en la mente de los empleados para que dejen todos sus problemas fuera del trabajo, y de la manera más literal posible.

?En los últimos años se han estrenado propuestas muy interesantes de retro futurismo, pero desde los primeros minutos del episodio piloto de Severance te das cuenta de que estamos frente a algo completamente distinto?, comenta Sol Márquez, crítica de series y cine en Radio Universo. ?Pensar en la posibilidad de escindir nuestra memoria personal de la laboral es la ejemplificación de la eficiencia a toda costa y nos invita a reflexionar sobre la capacidad humana de compartimentalizar para seguir funcionando cuando situaciones y/o lugares nos hacen sentir incómodos o recordar nos duele demasiado?, agrega.

Joel Poblete, crítico en Cooperativa, también destaca la tecla novedosa que la serie ofrece a la temática de lo distópico. ?Es difícil sentir que una nueva producción ofrece algo diferente o aporta una mirada especial, pero aquí se logró. Aunque su desenlace puede haber dejado con gusto a poco a la audiencia considerando la tensión que fue creciendo en los últimos capítulos -un recurso que claramente buscaba dejar enganchado al público para la siguiente temporada-, no afectó la excelente impresión que dejó esta historia que consiguió ir cautivando e intrigando cada vez más a los telespectadores, mezclando tan bien la mirada sombría y desencantada sobre la sociedad contemporánea y la tensión e inquietud que lograba desarrollar, con los muy particulares y a menudo robóticos diálogos de sus personajes, los toques de humor negro y las estupendas actuaciones?.

Márquez también menciona el trabajo de Stiller fuera del género humorístico: ?Me encanta que su talento creativo en TV esté siendo reconocido de esta forma, porque lleva años creando pequeñas joyas con algunos de los falsos planos secuencias más interesantes de la TV?.

Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

3. Better call Saul (temporada 6 – Netflix)

Tal como lo hizo su serie madre Breaking Bad, la precuela basada en el abogado de Jesse Pinkman y Walter White, y su evolución para transformarse en el Saul Goodman que todos conocíamos, ya se convirtió para muchos en una de las mejores series de los últimos años.

?La mejor del año es Better Call Saul en su despedida. Un adiós brillante, no solo la mejor del año, sino una de las mejores series de la historia de la TV estadounidense. Cuando termina la historia de Jimmy, aún restan 4-5 capítulos y uno no entiende qué viene. Y eso es extraordinario: la capacidad de sorprender. Rhea Seehorn, magnífica como Kim Wexler?, comenta Rodrigo Munizaga, crítico de Culto.

1671843532 4 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Cristian Briones, dueño de la tienda Fílmico, comparte con Munizaga las bondades del último ciclo de la historia. ?Es imposible sacar el brillante cierre de esta serie de un listado. Principalmente por el golpe en tantos niveles que significó. Emocional, obvio, porque Vince Gilligan y Peter Gould supieron armar una historia que se metía bajo la piel en cada episodio, en cada pequeña estafa, en cada diálogo. Y luego está Rhea Seehorn, que nos destrozó el alma. La última página de un libro televisivo que nos ha acompañado por 13 o 14 años, y que no ha hecho más que darnos la satisfacción de ver un pedazo de la historia de la TV ser escrita semana a semana?.

4. Irma Vep (temporada 1 – HBO Max)

La historia de una actriz estadounidense que llega a Francia para revivir el clásico del cine mundo francés, Les Vampires, también se alzó como una de las producciones más destacadas de este año. ?Olivier Assayas es el autor del largometraje homónimo de 1996, una gema por derecho propio. Un cuarto de siglo más tarde, se despachó una serie capaz de profundizar en las pequeñeces y los esplendores del oficio fílmico, así como de zamarrear a los propios espectadores, llevándolos de una ficción a otra, resultando de todo eso un extravío que se agradece?, explica el crítico de cine y periodista de La Tercera y Culto, Pablo Marín.

Christian Ramírez, crítico de El Mercurio y fundador del sitio Civilcinema, señala que esta serie ?probablemente representa la última palabra de toda una generación de directores, de realizadores, de productores y también de actores del cine europeo que comenzaron sus carreras a la sombra de los veteranos de la Nouvelle Vague, allá a mediados de los años 80. Y que en cierta forma han llegado a espacios de preponderancia. Estoy hablando de Olivier Assayas, por ejemplo, de Leos Carax o de Claire Denis. Todos ellos han creado obras mayores en torno a esta temática. ¿Cuál es la temática de Irma Vep? Bueno, la relación que el presente y el futuro del audiovisual tiene con el pasado. La manera en que están anclados y de alguna manera trenzados con un pasado que por estos días parece más invisible, más desaparecido que nunca, sobre todo en la época del streaming?.

1671843532 616 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

La crítica de cine y ex presidenta del Círculo de Críticos de Arte en Chile, Ana Josefa Silva, lo describe como ?un alucinante juego de metalenguaje y muñecas rusas?. ?Olivier Assayas usa su propia obra para arrojar una mirada descarnada a la trastienda del mundo cínico, vanidoso y algo desquiciado de la industria del cine y el audiovisual. Ingeniosa, llena de recursos y de humor oblicuo es una muy singular manera de cine dentro del cine?.

También obtuvieron menciones: We own this city; El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro; Caballos lentos; Euphoria; The Bear; Malas hermanas; Derry girls; Andor; Abbot Elementary; YellowJackets; La periferia; House of the Dragon; 42 días en la oscuridad; Por mandato del cielo; A wolf like me.

1. Aftersun (Disponible en algunas salas locales y el 6 de enero llega a la plataforma Mubi)

De la mano de los estudios A24, la historia de un padre y su hija dibujada a través de los recuerdos de unas vacaciones se posicionó como uno de los largometrajes más destacados por los especialistas consultados para este ranking.

Rodrigo Munizaga la describe como ?una película íntima, pequeña, inusual para las cintas que llegan a la cartelera. Un álbum de fotos que cuenta un poco, no mucho, que desafía a que el espectador complete la historia, quizás con la propia historia de uno cuando chico con tu papá. Gran uso de la música: el triste karaoke de Losing my religion, el melancólico último baile con Under pressure. Una película que todavía me da vueltas en la cabeza y que cada día crece más?.

?A lo mejor en un año más nadie se va a acordar de esta película y será recordada como el evento hipster fílmico del 2022, pero a riesgo de perder toda vergüenza me subo a aquel carro. El primer largometraje de la escocesa Charlotte Wells logra establecer clima, afectos y nostalgia con tres o cuatro diálogos, una o dos tomas, un par de colores y lo que entrega la mejor inspiración. Una gran fotografía de la niñez y la relación con padres frustrados?, expresó Rodrigo González, crítico de cine de Culto.

Paul Mescal portrait of the unexpected promise of independent cinema

Por su parte, Sol Márquez destacó el trabajo de su directora: ?El debut de Charlotte Wells funciona como una reflexión sobre la condición fantasmal de las imágenes y nos recuerda que el registro audiovisual captura algo que ya no existe más, por más que la reproducción nos permita traerlo al presente. Una ilusión a la cual podemos aferrarnos cuando esas imágenes alimentan un ejercicio de memoria tan esencial como recordar a quienes ya no están con nosotras. Las actuaciones son un lujo y ver a Paul Mescal, para mí el mejor actor de su generación, es siempre una maravilla. Y su interpretación de este padre está cargada de una hermosa y brutal fragilidad?.

2. Todo en todas partes al mismo tiempo (se puede arrendar o comprar en Apple Tv)

Con un elenco con nombres como Michelle Yeoh y Jamie Lee Curtis, el filme dirigido por Daniel Kwan y Daniel Scheinert también figuró como uno de los favoritos no solo a nivel local, sino también de la crítica global.

Cristian Briones la define así: ?Es agotadora, absurda, chabacana, si quieren. Muchas veces cursi, vulgar en ocasiones, tanto a nivel gráfico como narrativo. Y sin embargo los directores logran algo que no se consigue muchas veces, y menos con un cine que pretende ser siempre cine, ya sea haciendo artes marciales, inventando acción, aspirando al sci-fi, u homenajeando un drama a la Wong Kar-wai: emocionar?.

1671843532 650 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Para Ana Josefa Silva, crítica de cine y ex presidenta del Círculo de Críticos de Arte en Chile, se trata de una ?indescriptible y sorprendente mezcla de drama familiar, comedia física, humor surreal, con lo fantástico y lo onírico. Finalmente, este es, de una muy original manera, el relato de una historia de amor, en plena crisis de la mediana edad?.

3. Licorice Pizza (Prime Video)

Ambientada en los años setenta, la historia de dos jóvenes que enamoran en el Valle de San Fernando, en California, representa en esencia una película sobre el amor. Pero sus virtudes son múltiples y la convirtieron en una de las producciones más aclamadas de este año.

Aunque estrenada a fines de 2021 en Estados Unidos, recién llegó en febrero de 2022 a Chile.

Joel Poblete especifica que ?hay tantas cosas que rescatar en ella, y varias de ellas son parte de lo que nos tiene acostumbrados Paul Thomas Anderson en su cine: desde las actuaciones de todo el elenco encabezadas por la notable química de sus dos protagonistas, su ritmo y la manera en que está filmada, hasta todo lo visual que aporta la ambientación de época y dirección de arte y, por supuesto, la banda sonora, desde el July Tree de Nina Simone cuando se conocen Alana y Gary hasta el contagioso Tomorrow may not be your day de Taj Mahal en los créditos finales?.

1671843532 469 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022
LICORICE PIZZA

?En un año tan complejo, intenso y lleno de incertidumbres como ha sido este 2022, esta hermosa e inspirada película se quedó guardada en el recuerdo como algo grato y entrañable a lo que poder regresar como un refugio en medio de tantas cosas malas que ha traído este año. La vi dos veces en cine, y ya de sólo acordarme de ella me dan ganas de volver a verla nuevamente?, concluye.

4. Top Gun: Maverick (Star+ y Paramount+)

Muchas veces, el éxito en la taquilla no suele ser un indicador de calidad. Asimismo, suele suceder que las películas que reviven clásicos del pasado terminan siendo más olvidables que memorables.

Top Gun: Maverick, la secuela de la exitosa película ochentera protagonizada por Tom Cruise es un filme que derribó ambos escenarios.

1671843532 282 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Para Paulo Quinteros, periodista de La Tercera y editor de Mouse, ?en tiempos de streaming, en donde la gente prefiriere esperar a que las películas lleguen a la casa, este gigantesco Blockbuster de Tom Cruise fue un recordatorio de que hay cosas que solo podemos experimentar en una sala de cine?.

En su reseña en Culto, Rodrigo González destacó: ?Es la perfecta película post-pandemia, pues nos hace entrar otra vez al tipo de narraciones que sólo se redimen en la gran pantalla, en la sala y en la butaca. Sus subtramas laterales (con personajes a cargo de Jennifer Connelly y Miles Teller) no son muy buenas, pero en realidad eso no importa. Lo que vale es el gran espectáculo de las batallas aéreas filmadas para estar al borde del asiento y pedir más?.

También obtuvieron menciones: Drive my car; Crimes of the future; Memoria; Tár; Vortex; Pinocho (de Guillermo del Toro); La peor persona del mundo; RRR; Elvis; Sin novedad en el frente; El prodigio; Red; Argentina, 1985.

1. Moonage Daydream (Se puede comprar en Apple Tv)

Pocas estrellas de la música gozan de la popularidad, creatividad, sensibilidad y talento que recaen en la figura de David Bowie, que a estas alturas representa un verdadero ícono de la cultura popular. Una figura mayúscula revivida en la gran pantalla gracias al trabajo de Brett Morgen.

?Tras visitar la vida y obra de Kurt Cobain en 2015 con Cobain: Montage of Heck, el documentalista estadounidense Brett Morgen puso su mirada en la existencia y creación de otra figura de la música: David Bowie, el inglés que marcó una gran parte de la cultura pop con sus canciones y encarnaciones. Y que en la obra de este cineasta revive monumental y coloridamente a través de animaciones y material de archivo, teniendo a dos palabras como el eje de sus más de dos horas de duración: cambio y aislamiento. Las mismas que fueron inspiración y leitmotiv de una carrera de casi cinco décadas. Gran parte de la que se puede conocer a través del documental de Morgen, que tanto para los seguidores de Ziggy Stardust, el Duque Blanco o cualquiera de las múltiples personalidades del artista, como los que poco saben de la vida de David Robert Jones, es una experiencia única e inolvidable?, señala Lya Rosén, comentarista de cine y series en Finde.

1671843532 458 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Para Paula Frederick, conductora de Radio Duna y comentarista de cine en la misma emisora, se trata de ?una explosión audiovisual de otro planeta. La conjugación perfecta entre el modus operandi de David Bowie y el registro audiovisual que busca representarlo. Morgen reconoce lo etéreo del objeto de su afecto, respeta ese espíritu volátil y no intenta definirlo, ni ordenarlo cronológicamente, ni mucho menos encasillarlo. Y cuando el vértigo de la imagen saturada y explosiva amenaza con romper la coherencia del relato, aparece una reflexión de Bowie, con su voz inconfundible, que, aunque siempre tiene que ver con asuntos grandilocuentes, como el sentido de la vida, la muerte o la existencia de Dios, no suenan pretenciosos. Simplemente, parecen observaciones comunes de un alienígena que visita la Tierra por primera vez.?

2. Fire of love (Disney+)

Nacida como una coproducción estadounidense y canadiense, el largometraje dirigido por Sara Dosa retrata la historia de Katia y Maurice Krafft, dos vulcanólogos franceses que luego de dedicar todas sus vidas al estudio de este fenómeno natural, fallecieron a raíz de una explosión volcánica en 1991.

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?Por un lado, es un trabajo que aborda la fuerza destructiva de los volcanes. Por el otro lado, es también sobre la fuerza indestructible del amor entre dos personas que hacen lo que los apasiona. Y es ese contraste el que lo vuelve una experiencia absolutamente cautivante?, señala Paulo Quinteros (Mouse).

3. Nothing compares (no disponible por ahora en streaming en Chile)

La de Sinéad O?Connor es una de las biografías más intensas de la música de fines del siglo XX. Su historia es rescatada en esta película documental, donde a través de la dirección de Kathryn Ferguson, la artista es reivindicada como una verdadera activista social.

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(Andrew Catlin/Sundance Institute via AP)

?Crecí escuchando a Sinead O?Connor gracias a la influencia de mis hermanas mayores, pero fue recién al ver el documental en In-Edit que me di cuenta que ella fue una de las primeros iconos feministas que conocí. En un momento en que la discusión sobre la violencia que puede ejercer quien maneja la narrativa es más relevante que nunca, la articulación de la voz de Sinead y de la directora Kathryn Ferguson nos recuerda la importancia de tener diversas voces contando historias y construyendo sus propios relatos. Es fundamental que la violencia y opresión que se ejerce contra las mujeres sea contada por esas mujeres, para poder entender su impacto en su inmensidad?, reflexiona Sol Márquez.

4. El Estafador de Tinder (Netflix)

Muchas veces se dice que la realidad supera la ficción. Y el caso de Simon Leviev, un hombre acusado de robar millonarias cifras de dinero a mujeres que conocía a través de la aplicación de citas, Tinder, fue una de las películas de no ficción más interesantes de Netflix.

?El Estafador de Tinder funciona por partida triple: como el descubrimiento de un engaño internacional de alto perfil, como el retrato de un dandy del siglo XXI y como un servicio de utilidad pública alertando de un tipo de fraude en redes sociales. En casi dos horas, se da cuenta de la farsa en cadena ejecutada por Simon Leviev con testimonios de sus víctimas a cara descubierta y el relato de puestas en escena dignas de Tom Ripley. Hasta ahora, el misterio y la conspiración orquestada por Leviev sigue presente en algún lugar del mundo. Una segunda parte no estaría mal?, especifica Soledad Gutiérrez.

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El estafador de Tinder.

?Los documentales de crímenes y estafas ya son algo habitual en la oferta de los streamings mes a mes, pero esta serie logra exponer no solo al sensacionalismo del victimario, sino que el punto de las víctimas de este estafador de la era digital?, destaca Paulo Quinteros sobre las virtudes de esta historia.

También obtuvieron menciones: Ennio: el maestro; The last movie stars; Shaq; Flee; Cantos de represión; Guillermo Pérez Roldán: Confidencial; Legacy: the true story of the LA Lakers; Los diarios de Andy Warhol; Love, Lizzo; The Janes; Torn; RoadRunner; Los entresijos de la FIFA; Jennifer López: Halftime; Mr. Banchmann and his class; Good night Oppy; Light & magic; Jimmy Savile: una historia británica de terror; Mi país imaginario.

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1. The White Lotus (segunda temporada – HBO Max)

Escrita y dirigida por el estadounidense Mike White, la miniserie de HBO+ se coronó como una de las sátiras más brillantes de este año. ¿Qué gracia puede tener la historia de un grupo de huéspedes que llegan a un exclusivo resort, esta vez en Italia?

Para Soledad Gutiérrez, comentarista de series en Radio Concierto, su principal fortaleza radica en ?un atractivo morboso de sus personajes, sostenidos en el afán de escudriñar el alma humana. Tal como anticipan sus créditos, es un fresco de los egos, sospechas y necesidades que nos dominan ahora y siempre, en Hawái y en Sicilia. En el segundo ciclo brilló Aubrey Plaza como Harper, una abogada con conciencia de clase que descubre nuevas formas de cinismo, una de las actuaciones que la deberían dejar en el podio de esta temporada?.

Alejandra Pinto, crítica de El Agente Cine, destaca que el ciclo estrenado este 2022 ?contiene todo lo que queremos ver: gente enojada, problemas maritales, chicas que saben lo que quieren y muchas (¡muchas!) referencias al cine italiano, junto con un ritmo y guion impecable. Aubrey Plaza y Jennifer Coolidge lo hacen todo. Sumamos su soundtrack, a cargo de Cristóbal Tapia de Veer y resulta imposible no quedarse a saber más sobre sus personajes. Divertidísima y dramática, algo que no es fácil de lograr?.

2. Severance (temporada 1 – Apple Tv+)

Desde su estreno a principios de este año, la ficción creada por dirigida por Dan Erickson y dirigida por Ben Stiller y Aoife McArdle se posicionó rápidamente como uno de los títulos más interesantes del streaming. Configurada como un thriller psicológico, su historia imagina un futuro donde las empresas son capaces de intervenir en la mente de los empleados para que dejen todos sus problemas fuera del trabajo, y de la manera más literal posible.

?En los últimos años se han estrenado propuestas muy interesantes de retro futurismo, pero desde los primeros minutos del episodio piloto de Severance te das cuenta de que estamos frente a algo completamente distinto?, comenta Sol Márquez, crítica de series y cine en Radio Universo. ?Pensar en la posibilidad de escindir nuestra memoria personal de la laboral es la ejemplificación de la eficiencia a toda costa y nos invita a reflexionar sobre la capacidad humana de compartimentalizar para seguir funcionando cuando situaciones y/o lugares nos hacen sentir incómodos o recordar nos duele demasiado?, agrega.

Joel Poblete, crítico en Cooperativa, también destaca la tecla novedosa que la serie ofrece a la temática de lo distópico. ?Es difícil sentir que una nueva producción ofrece algo diferente o aporta una mirada especial, pero aquí se logró. Aunque su desenlace puede haber dejado con gusto a poco a la audiencia considerando la tensión que fue creciendo en los últimos capítulos -un recurso que claramente buscaba dejar enganchado al público para la siguiente temporada-, no afectó la excelente impresión que dejó esta historia que consiguió ir cautivando e intrigando cada vez más a los telespectadores, mezclando tan bien la mirada sombría y desencantada sobre la sociedad contemporánea y la tensión e inquietud que lograba desarrollar, con los muy particulares y a menudo robóticos diálogos de sus personajes, los toques de humor negro y las estupendas actuaciones?.

Márquez también menciona el trabajo de Stiller fuera del género humorístico: ?Me encanta que su talento creativo en TV esté siendo reconocido de esta forma, porque lleva años creando pequeñas joyas con algunos de los falsos planos secuencias más interesantes de la TV?.

Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

3. Better call Saul (temporada 6 – Netflix)

Tal como lo hizo su serie madre Breaking Bad, la precuela basada en el abogado de Jesse Pinkman y Walter White, y su evolución para transformarse en el Saul Goodman que todos conocíamos, ya se convirtió para muchos en una de las mejores series de los últimos años.

?La mejor del año es Better Call Saul en su despedida. Un adiós brillante, no solo la mejor del año, sino una de las mejores series de la historia de la TV estadounidense. Cuando termina la historia de Jimmy, aún restan 4-5 capítulos y uno no entiende qué viene. Y eso es extraordinario: la capacidad de sorprender. Rhea Seehorn, magnífica como Kim Wexler?, comenta Rodrigo Munizaga, crítico de Culto.

1671843532 4 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Cristian Briones, dueño de la tienda Fílmico, comparte con Munizaga las bondades del último ciclo de la historia. ?Es imposible sacar el brillante cierre de esta serie de un listado. Principalmente por el golpe en tantos niveles que significó. Emocional, obvio, porque Vince Gilligan y Peter Gould supieron armar una historia que se metía bajo la piel en cada episodio, en cada pequeña estafa, en cada diálogo. Y luego está Rhea Seehorn, que nos destrozó el alma. La última página de un libro televisivo que nos ha acompañado por 13 o 14 años, y que no ha hecho más que darnos la satisfacción de ver un pedazo de la historia de la TV ser escrita semana a semana?.

4. Irma Vep (temporada 1 – HBO Max)

La historia de una actriz estadounidense que llega a Francia para revivir el clásico del cine mundo francés, Les Vampires, también se alzó como una de las producciones más destacadas de este año. ?Olivier Assayas es el autor del largometraje homónimo de 1996, una gema por derecho propio. Un cuarto de siglo más tarde, se despachó una serie capaz de profundizar en las pequeñeces y los esplendores del oficio fílmico, así como de zamarrear a los propios espectadores, llevándolos de una ficción a otra, resultando de todo eso un extravío que se agradece?, explica el crítico de cine y periodista de La Tercera y Culto, Pablo Marín.

Christian Ramírez, crítico de El Mercurio y fundador del sitio Civilcinema, señala que esta serie ?probablemente representa la última palabra de toda una generación de directores, de realizadores, de productores y también de actores del cine europeo que comenzaron sus carreras a la sombra de los veteranos de la Nouvelle Vague, allá a mediados de los años 80. Y que en cierta forma han llegado a espacios de preponderancia. Estoy hablando de Olivier Assayas, por ejemplo, de Leos Carax o de Claire Denis. Todos ellos han creado obras mayores en torno a esta temática. ¿Cuál es la temática de Irma Vep? Bueno, la relación que el presente y el futuro del audiovisual tiene con el pasado. La manera en que están anclados y de alguna manera trenzados con un pasado que por estos días parece más invisible, más desaparecido que nunca, sobre todo en la época del streaming?.

1671843532 616 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

La crítica de cine y ex presidenta del Círculo de Críticos de Arte en Chile, Ana Josefa Silva, lo describe como ?un alucinante juego de metalenguaje y muñecas rusas?. ?Olivier Assayas usa su propia obra para arrojar una mirada descarnada a la trastienda del mundo cínico, vanidoso y algo desquiciado de la industria del cine y el audiovisual. Ingeniosa, llena de recursos y de humor oblicuo es una muy singular manera de cine dentro del cine?.

También obtuvieron menciones: We own this city; El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro; Caballos lentos; Euphoria; The Bear; Malas hermanas; Derry girls; Andor; Abbot Elementary; YellowJackets; La periferia; House of the Dragon; 42 días en la oscuridad; Por mandato del cielo; A wolf like me.

1. Aftersun (Disponible en algunas salas locales y el 6 de enero llega a la plataforma Mubi)

De la mano de los estudios A24, la historia de un padre y su hija dibujada a través de los recuerdos de unas vacaciones se posicionó como uno de los largometrajes más destacados por los especialistas consultados para este ranking.

Rodrigo Munizaga la describe como ?una película íntima, pequeña, inusual para las cintas que llegan a la cartelera. Un álbum de fotos que cuenta un poco, no mucho, que desafía a que el espectador complete la historia, quizás con la propia historia de uno cuando chico con tu papá. Gran uso de la música: el triste karaoke de Losing my religion, el melancólico último baile con Under pressure. Una película que todavía me da vueltas en la cabeza y que cada día crece más?.

?A lo mejor en un año más nadie se va a acordar de esta película y será recordada como el evento hipster fílmico del 2022, pero a riesgo de perder toda vergüenza me subo a aquel carro. El primer largometraje de la escocesa Charlotte Wells logra establecer clima, afectos y nostalgia con tres o cuatro diálogos, una o dos tomas, un par de colores y lo que entrega la mejor inspiración. Una gran fotografía de la niñez y la relación con padres frustrados?, expresó Rodrigo González, crítico de cine de Culto.

Paul Mescal portrait of the unexpected promise of independent cinema

Por su parte, Sol Márquez destacó el trabajo de su directora: ?El debut de Charlotte Wells funciona como una reflexión sobre la condición fantasmal de las imágenes y nos recuerda que el registro audiovisual captura algo que ya no existe más, por más que la reproducción nos permita traerlo al presente. Una ilusión a la cual podemos aferrarnos cuando esas imágenes alimentan un ejercicio de memoria tan esencial como recordar a quienes ya no están con nosotras. Las actuaciones son un lujo y ver a Paul Mescal, para mí el mejor actor de su generación, es siempre una maravilla. Y su interpretación de este padre está cargada de una hermosa y brutal fragilidad?.

2. Todo en todas partes al mismo tiempo (se puede arrendar o comprar en Apple Tv)

Con un elenco con nombres como Michelle Yeoh y Jamie Lee Curtis, el filme dirigido por Daniel Kwan y Daniel Scheinert también figuró como uno de los favoritos no solo a nivel local, sino también de la crítica global.

Cristian Briones la define así: ?Es agotadora, absurda, chabacana, si quieren. Muchas veces cursi, vulgar en ocasiones, tanto a nivel gráfico como narrativo. Y sin embargo los directores logran algo que no se consigue muchas veces, y menos con un cine que pretende ser siempre cine, ya sea haciendo artes marciales, inventando acción, aspirando al sci-fi, u homenajeando un drama a la Wong Kar-wai: emocionar?.

1671843532 650 Ranking de Culto las mejores peliculas y series del 2022

Para Ana Josefa Silva, crítica de cine y ex presidenta del Círculo de Críticos de Arte en Chile, se trata de una ?indescriptible y sorprendente mezcla de drama familiar, comedia física, humor surreal, con lo fantástico y lo onírico. Finalmente, este es, de una muy original manera, el relato de una historia de amor, en plena crisis de la mediana edad?.

3. Licorice Pizza (Prime Video)

Ambientada en los años setenta, la historia de dos jóvenes que enamoran en el Valle de San Fernando, en California, representa en esencia una película sobre el amor. Pero sus virtudes son múltiples y la convirtieron en una de las producciones más aclamadas de este año.

Aunque estrenada a fines de 2021 en Estados Unidos, recién llegó en febrero de 2022 a Chile.

Joel Poblete especifica que ?hay tantas cosas que rescatar en ella, y varias de ellas son parte de lo que nos tiene acostumbrados Paul Thomas Anderson en su cine: desde las actuaciones de todo el elenco encabezadas por la notable química de sus dos protagonistas, su ritmo y la manera en que está filmada, hasta todo lo visual que aporta la ambientación de época y dirección de arte y, por supuesto, la banda sonora, desde el July Tree de Nina Simone cuando se conocen Alana y Gary hasta el contagioso Tomorrow may not be your day de Taj Mahal en los créditos finales?.

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LICORICE PIZZA

?En un año tan complejo, intenso y lleno de incertidumbres como ha sido este 2022, esta hermosa e inspirada película se quedó guardada en el recuerdo como algo grato y entrañable a lo que poder regresar como un refugio en medio de tantas cosas malas que ha traído este año. La vi dos veces en cine, y ya de sólo acordarme de ella me dan ganas de volver a verla nuevamente?, concluye.

4. Top Gun: Maverick (Star+ y Paramount+)

Muchas veces, el éxito en la taquilla no suele ser un indicador de calidad. Asimismo, suele suceder que las películas que reviven clásicos del pasado terminan siendo más olvidables que memorables.

Top Gun: Maverick, la secuela de la exitosa película ochentera protagonizada por Tom Cruise es un filme que derribó ambos escenarios.

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Para Paulo Quinteros, periodista de La Tercera y editor de Mouse, ?en tiempos de streaming, en donde la gente prefiriere esperar a que las películas lleguen a la casa, este gigantesco Blockbuster de Tom Cruise fue un recordatorio de que hay cosas que solo podemos experimentar en una sala de cine?.

En su reseña en Culto, Rodrigo González destacó: ?Es la perfecta película post-pandemia, pues nos hace entrar otra vez al tipo de narraciones que sólo se redimen en la gran pantalla, en la sala y en la butaca. Sus subtramas laterales (con personajes a cargo de Jennifer Connelly y Miles Teller) no son muy buenas, pero en realidad eso no importa. Lo que vale es el gran espectáculo de las batallas aéreas filmadas para estar al borde del asiento y pedir más?.

También obtuvieron menciones: Drive my car; Crimes of the future; Memoria; Tár; Vortex; Pinocho (de Guillermo del Toro); La peor persona del mundo; RRR; Elvis; Sin novedad en el frente; El prodigio; Red; Argentina, 1985.

1. Moonage Daydream (Se puede comprar en Apple Tv)

Pocas estrellas de la música gozan de la popularidad, creatividad, sensibilidad y talento que recaen en la figura de David Bowie, que a estas alturas representa un verdadero ícono de la cultura popular. Una figura mayúscula revivida en la gran pantalla gracias al trabajo de Brett Morgen.

?Tras visitar la vida y obra de Kurt Cobain en 2015 con Cobain: Montage of Heck, el documentalista estadounidense Brett Morgen puso su mirada en la existencia y creación de otra figura de la música: David Bowie, el inglés que marcó una gran parte de la cultura pop con sus canciones y encarnaciones. Y que en la obra de este cineasta revive monumental y coloridamente a través de animaciones y material de archivo, teniendo a dos palabras como el eje de sus más de dos horas de duración: cambio y aislamiento. Las mismas que fueron inspiración y leitmotiv de una carrera de casi cinco décadas. Gran parte de la que se puede conocer a través del documental de Morgen, que tanto para los seguidores de Ziggy Stardust, el Duque Blanco o cualquiera de las múltiples personalidades del artista, como los que poco saben de la vida de David Robert Jones, es una experiencia única e inolvidable?, señala Lya Rosén, comentarista de cine y series en Finde.

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Para Paula Frederick, conductora de Radio Duna y comentarista de cine en la misma emisora, se trata de ?una explosión audiovisual de otro planeta. La conjugación perfecta entre el modus operandi de David Bowie y el registro audiovisual que busca representarlo. Morgen reconoce lo etéreo del objeto de su afecto, respeta ese espíritu volátil y no intenta definirlo, ni ordenarlo cronológicamente, ni mucho menos encasillarlo. Y cuando el vértigo de la imagen saturada y explosiva amenaza con romper la coherencia del relato, aparece una reflexión de Bowie, con su voz inconfundible, que, aunque siempre tiene que ver con asuntos grandilocuentes, como el sentido de la vida, la muerte o la existencia de Dios, no suenan pretenciosos. Simplemente, parecen observaciones comunes de un alienígena que visita la Tierra por primera vez.?

2. Fire of love (Disney+)

Nacida como una coproducción estadounidense y canadiense, el largometraje dirigido por Sara Dosa retrata la historia de Katia y Maurice Krafft, dos vulcanólogos franceses que luego de dedicar todas sus vidas al estudio de este fenómeno natural, fallecieron a raíz de una explosión volcánica en 1991.

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?Por un lado, es un trabajo que aborda la fuerza destructiva de los volcanes. Por el otro lado, es también sobre la fuerza indestructible del amor entre dos personas que hacen lo que los apasiona. Y es ese contraste el que lo vuelve una experiencia absolutamente cautivante?, señala Paulo Quinteros (Mouse).

3. Nothing compares (no disponible por ahora en streaming en Chile)

La de Sinéad O?Connor es una de las biografías más intensas de la música de fines del siglo XX. Su historia es rescatada en esta película documental, donde a través de la dirección de Kathryn Ferguson, la artista es reivindicada como una verdadera activista social.

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(Andrew Catlin/Sundance Institute via AP)

?Crecí escuchando a Sinead O?Connor gracias a la influencia de mis hermanas mayores, pero fue recién al ver el documental en In-Edit que me di cuenta que ella fue una de las primeros iconos feministas que conocí. En un momento en que la discusión sobre la violencia que puede ejercer quien maneja la narrativa es más relevante que nunca, la articulación de la voz de Sinead y de la directora Kathryn Ferguson nos recuerda la importancia de tener diversas voces contando historias y construyendo sus propios relatos. Es fundamental que la violencia y opresión que se ejerce contra las mujeres sea contada por esas mujeres, para poder entender su impacto en su inmensidad?, reflexiona Sol Márquez.

4. El Estafador de Tinder (Netflix)

Muchas veces se dice que la realidad supera la ficción. Y el caso de Simon Leviev, un hombre acusado de robar millonarias cifras de dinero a mujeres que conocía a través de la aplicación de citas, Tinder, fue una de las películas de no ficción más interesantes de Netflix.

?El Estafador de Tinder funciona por partida triple: como el descubrimiento de un engaño internacional de alto perfil, como el retrato de un dandy del siglo XXI y como un servicio de utilidad pública alertando de un tipo de fraude en redes sociales. En casi dos horas, se da cuenta de la farsa en cadena ejecutada por Simon Leviev con testimonios de sus víctimas a cara descubierta y el relato de puestas en escena dignas de Tom Ripley. Hasta ahora, el misterio y la conspiración orquestada por Leviev sigue presente en algún lugar del mundo. Una segunda parte no estaría mal?, especifica Soledad Gutiérrez.

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El estafador de Tinder.

?Los documentales de crímenes y estafas ya son algo habitual en la oferta de los streamings mes a mes, pero esta serie logra exponer no solo al sensacionalismo del victimario, sino que el punto de las víctimas de este estafador de la era digital?, destaca Paulo Quinteros sobre las virtudes de esta historia.

También obtuvieron menciones: Ennio: el maestro; The last movie stars; Shaq; Flee; Cantos de represión; Guillermo Pérez Roldán: Confidencial; Legacy: the true story of the LA Lakers; Los diarios de Andy Warhol; Love, Lizzo; The Janes; Torn; RoadRunner; Los entresijos de la FIFA; Jennifer López: Halftime; Mr. Banchmann and his class; Good night Oppy; Light & magic; Jimmy Savile: una historia británica de terror; Mi país imaginario.

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Journal Reference:

  1. Exequiel Ezcurra, Paula Ezcurra, Ben Meissner. Ancient inhabitants of the Basin of Mexico kept an accurate agricultural calendar using sunrise observatories and mountain alignments. Proceedings of the National Academy of Sciences, 2022; 119 (51) DOI: 10.1073/pnas.2215615119

Before the Spanish arrival in 1519, the Basin of Mexico?s agricultural system fed a population that was extraordinarily large for the time. Whereas Seville, the largest urban center in Spain, had a population of fewer than 50,000, the Basin, now known as Mexico City, was home to as many as 3 million people.

To feed so many people in a region with a dry spring and summer monsoons required advanced understanding of when seasonal variations in weather would arrive. Planting too early, or too late, could have proved disastrous. The failure of any calendar to adjust for leap-year fluctuations could also have led to crop failure.

Though colonial chroniclers documented the use of a calendar, it was not previously understood how the Mexica, or Aztecs, were able to achieve such accuracy. New UC Riverside research demonstrates how they did it. They used the mountains of the Basin as a solar observatory, keeping track of the sunrise against the peaks of the Sierra Nevada mountains.

?We concluded they must have stood at a single spot, looking eastwards from one day to another, to tell the time of year by watching the rising sun,? said Exequiel Ezcurra, distinguished UCR professor of ecology who led the research.

To find that spot, the researchers studied Mexica manuscripts. These ancient texts referred to Mount Tlaloc, which lies east of the Basin. The research team explored the high mountains around the Basin and a temple at the mountain?s summit. Using astronomical computer models, they confirmed that a long causeway structure at the temple aligns with the rising sun on Feb. 24, the first day of the Aztec new year.

?Our hypothesis is that they used the whole Valley of Mexico. Their working instrument was the Basin itself. When the sun rose at a landmark point behind the Sierras, they knew it was time to start planting,? Ezcurra said.

The sun, as viewed from a fixed point on Earth, does not follow the same trajectory every day. In winter, it runs south of the celestial equator and rises toward the southeast. As summer approaches, because of the Earth?s tilt, sunrise moves northeast, a phenomenon called solar declination.

This study may be the first to demonstrate how the Mexica were able to keep time using this principle, the sun, and the mountains as guiding landmarks. Though some may be familiar with the ?Aztec calendar,? that is an incorrect name given to the Sun Stone, arguably the most famous work of Aztec sculpture used solely for ritual and ceremonial purposes.

?It did not have any practical use as a celestial observatory. Think of it as a monument, like Nelson?s Column in Trafalgar Square or Lincoln?s Memorial in Washington, D.C.,? Ezcurra said.

Learning about Aztec tools that did have practical use offers a lesson about the importance of using a variety of methods to solve questions about the natural world.

?The same goals can be achieved in different ways. It can be difficult to see that sometimes. We don?t always need to rely solely on modern technology,? Ezcurra said. ?The Aztecs were just as good or better as the Europeans at keeping time, using their own methods.?

The Aztec observatory could also have a more modern function, according to Ezcurra. Comparing old images of the Basin of Mexico to current ones shows how the forest is slowly climbing up Mount Tlaloc, likely as a result of an increase in average temperatures at lower elevation.

?In the 1940s the tree line was way below the summit. Now there are trees growing in the summit itself,? Ezcurra said. ?What was an observatory for the ancients could also be an observatory for the 21st century, to understand global climate changes.?

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Journal Reference:

  1. Exequiel Ezcurra, Paula Ezcurra, Ben Meissner. Ancient inhabitants of the Basin of Mexico kept an accurate agricultural calendar using sunrise observatories and mountain alignments. Proceedings of the National Academy of Sciences, 2022; 119 (51) DOI: 10.1073/pnas.2215615119

Before the Spanish arrival in 1519, the Basin of Mexico?s agricultural system fed a population that was extraordinarily large for the time. Whereas Seville, the largest urban center in Spain, had a population of fewer than 50,000, the Basin, now known as Mexico City, was home to as many as 3 million people.

To feed so many people in a region with a dry spring and summer monsoons required advanced understanding of when seasonal variations in weather would arrive. Planting too early, or too late, could have proved disastrous. The failure of any calendar to adjust for leap-year fluctuations could also have led to crop failure.

Though colonial chroniclers documented the use of a calendar, it was not previously understood how the Mexica, or Aztecs, were able to achieve such accuracy. New UC Riverside research demonstrates how they did it. They used the mountains of the Basin as a solar observatory, keeping track of the sunrise against the peaks of the Sierra Nevada mountains.

?We concluded they must have stood at a single spot, looking eastwards from one day to another, to tell the time of year by watching the rising sun,? said Exequiel Ezcurra, distinguished UCR professor of ecology who led the research.

To find that spot, the researchers studied Mexica manuscripts. These ancient texts referred to Mount Tlaloc, which lies east of the Basin. The research team explored the high mountains around the Basin and a temple at the mountain?s summit. Using astronomical computer models, they confirmed that a long causeway structure at the temple aligns with the rising sun on Feb. 24, the first day of the Aztec new year.

?Our hypothesis is that they used the whole Valley of Mexico. Their working instrument was the Basin itself. When the sun rose at a landmark point behind the Sierras, they knew it was time to start planting,? Ezcurra said.

The sun, as viewed from a fixed point on Earth, does not follow the same trajectory every day. In winter, it runs south of the celestial equator and rises toward the southeast. As summer approaches, because of the Earth?s tilt, sunrise moves northeast, a phenomenon called solar declination.

This study may be the first to demonstrate how the Mexica were able to keep time using this principle, the sun, and the mountains as guiding landmarks. Though some may be familiar with the ?Aztec calendar,? that is an incorrect name given to the Sun Stone, arguably the most famous work of Aztec sculpture used solely for ritual and ceremonial purposes.

?It did not have any practical use as a celestial observatory. Think of it as a monument, like Nelson?s Column in Trafalgar Square or Lincoln?s Memorial in Washington, D.C.,? Ezcurra said.

Learning about Aztec tools that did have practical use offers a lesson about the importance of using a variety of methods to solve questions about the natural world.

?The same goals can be achieved in different ways. It can be difficult to see that sometimes. We don?t always need to rely solely on modern technology,? Ezcurra said. ?The Aztecs were just as good or better as the Europeans at keeping time, using their own methods.?

The Aztec observatory could also have a more modern function, according to Ezcurra. Comparing old images of the Basin of Mexico to current ones shows how the forest is slowly climbing up Mount Tlaloc, likely as a result of an increase in average temperatures at lower elevation.

?In the 1940s the tree line was way below the summit. Now there are trees growing in the summit itself,? Ezcurra said. ?What was an observatory for the ancients could also be an observatory for the 21st century, to understand global climate changes.?

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A classic and a kind of summer tradition. The Las Condes 2023 Film Festival, the oldest open-air film event in the capital and with a 23-year history, returns after the pandemic to the face-to-face format and with the brand that has characterized its history: showing films from the most diverse latitudes and genres.

It will be between January 6 and 15 in the rose garden of Parque Araucano (Presidente Riesco 5698). And in its programming, it contemplates ten films from America, Europe and Asia.

For example, the appointment will begin with the exhibition of the documentary Ennio, the teacher, a portrait of the greatest film music composer of the 20th century, Ennio Morricone; all under the direction of the author of the endearing cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore. There are interviews, archive images and testimonials about an unrepeatable artistic and creative heritage.

There is also room for award-winning films such as the Spanish alcarrás, winner of the last Berlin Film Festival and recent Spanish representative at the Oscars; the belgian closethe last Grand Prix of the Jury at the Cannes Film Festival; The wheel of fortune and fantasy, from Japan, who won the Grand Jury Prize in Berlin; Y with love and furyby the French Claire Denis, who also won the Best Director award at the Berlin Festival.

On the other hand, the dramatic comedy appears karaokefrom Israel, while from Europe arrive Kompromat, French suspense film; the biographical drama the forger, from Germany; and the Italian September. The only Latin American representative is Argentina Alternatesuspense bet starring Juan Menujín, with the performances of Rita Cortese and the Chilean Alfredo Castro.

With capacity for 1,400 people -and organized by the Municipality of Las Condes, with the production of the Cultural Corporation of Las Condes-, the exhibition schedule for each film is at 9:30 p.m., but you can enter Parque Araucano from 7:00 p.m.

Admission is $5,000 (general) and $2,500 (with Club La Tercera and Vecino Las Condes cards). Online sales will be available starting this Sunday, December 25 at www.culturallascondes.cl and in person at the Parque Araucano ticket office from Friday, January 6.

More information on the site www.festivalcinelascondes.cl

Here, the list of films of the event with their respective screening day:

Ennio, the teacher. Documentary film. Italy, 2021. 156 min.

Direction: Giuseppe Tornatore

Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone and Ennio Morricone himself participate

Tribute to Ennio Morricone, the greatest film composer of the 20th century, under the camera of the director of cinema Paradiso. His music, his story and his portrait, told through interviews with the author and great figures who worked with him. In 2021 it won the David di Donatello Awards, for Best Documentary, Editing and Sound.

*Saturday 7

Kompromat. France, 2022. 127 min.

Direction: Jerome Salle

Cast: Gilles Lellouche, Joanna Kulig, Michael Gorevoy

Based on true events, the film tells the remarkable story of a French civil servant posted to Siberia who unknowingly finds himself in conflict with one of the most powerful and dangerous forces of the modern era: Russia’s FSB.

1671829649 385 The films that the new version of the Las Condes

alcarrás. family drama. Spain, 2022. 120 min.

Direction: Carla Simon

Cast: Jordi Pujol, Anne Otin, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou

The acclaimed film spoken in Catalan stages a family that for years has dedicated itself to the peach harvest and that must face the end of an era.

Karaoke. Dramatic comedy. Israel, 2022. 100 min.

Directed by: Moshe Rosenthal

Cast: Sasson Gabai, Rita Shukrun, Lior Ashkenazi, Kobi Farag

An elderly married couple living in the suburbs of the city bonds with their neighbor, a charismatic bachelor who loves karaoke nights in his apartment.

The wheel of fortune and fantasy. Romance. Romance. Japan, 2021. 121 min.

Directed by: Ryûsuke Hamaguchi

Cast: Kotone Furukawa, Ayumu Nakajima, Katsuki Mori

Told in three movements, the most relevant director of current Japanese cinema -the man behind another recent prodigy on the big screen such as drive my car– tells love stories starring female characters. An unexpected triangle, a failed seduction trap and a meeting that results from a misunderstanding.

1671829649 909 The films that the new version of the Las Condes

the forger. Biographical drama. Germany, 2022. 116 min.

Directed by: Maggie Perén

Cast: Louis Hofmann, Jonathan Berlin, Luna Wedler, Nina Gummich

The film, which debuted at the 2022 Berlin Film Festival, tells the true story of a young Jewish man who uses the identity of a German naval officer to escape Nazi deportation. Thus he discovers a hidden talent to falsify passports, documents and even his own identity.

1671829649 981 The films that the new version of the Las Condes

Alternate. Suspense. Argentina, 2022. 110 min.

Direction: Diego Lerman

Cast: Juan Menujín, Alfredo Castro, Barbara Lennie, Rita Cortese

Disenchanted with his job, a university professor of literature decides to teach at a school for vulnerable students in the periphery. There he must appeal to all his sensitivity and ingenuity to captivate his students while he gets involved in a drug trafficking plot.

with love and fury. Romance. France, 2022. 116 min.

Direction: Claire Denis

Cast: Juliette Binoche, Vincent Lindon, Gregorie Colin

Sara and Jean are a mature couple living the fullness of their romance until François, Sara’s former partner and Jean’s former friend, reappears in their lives. An adult story that tests the interpretative capacity of its protagonists. Award for Best Direction at the Berlin Festival.

September. Romantic comedy. Italy, 2022. 110 min.

Director: Giulia Steigerwalt

Cast: Fabrizio Bentivoglio, Tesa Litvan, Luca Nozzoli, Margherita Rebeggiani, Barbara Ronchi

A choral story about the search for love; at 15, at 40 and at 60. After the holidays, September is the month in which everything begins and without meaning to, the protagonists will find themselves faced with situations that will change their lives.

1671829649 660 The films that the new version of the Las Condes

Close. Drama. Belgium, 2022. 104 min.

Directed by: Lukas Dhont

Cast: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Emile Dequenne, Léa Drucker

Grand Prize of the Jury at the last Cannes Film Festival, the story focuses on Léo and Rémi, two inseparable friends who drift apart in their teens as a result of an event that occurred at school. Critics, who have praised the film, especially highlight the work of the child protagonists.

1671829649 291 The films that the new version of the Las Condes

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The films that the new version of the Las Condes Film Festival brings – La Tercera


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) [summary] => A classic and a kind of summer tradition. The Las Condes 2023 Film Festival, the oldest open-air film event in the capital and with a 23-year history, returns after the pandemic to the face-to-face format and with the brand that has characterized its history: showing films from the most diverse latitudes and genres. It will ... Read more [atom_content] =>

A classic and a kind of summer tradition. The Las Condes 2023 Film Festival, the oldest open-air film event in the capital and with a 23-year history, returns after the pandemic to the face-to-face format and with the brand that has characterized its history: showing films from the most diverse latitudes and genres.

It will be between January 6 and 15 in the rose garden of Parque Araucano (Presidente Riesco 5698). And in its programming, it contemplates ten films from America, Europe and Asia.

For example, the appointment will begin with the exhibition of the documentary Ennio, the teacher, a portrait of the greatest film music composer of the 20th century, Ennio Morricone; all under the direction of the author of the endearing cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore. There are interviews, archive images and testimonials about an unrepeatable artistic and creative heritage.

There is also room for award-winning films such as the Spanish alcarrás, winner of the last Berlin Film Festival and recent Spanish representative at the Oscars; the belgian closethe last Grand Prix of the Jury at the Cannes Film Festival; The wheel of fortune and fantasy, from Japan, who won the Grand Jury Prize in Berlin; Y with love and furyby the French Claire Denis, who also won the Best Director award at the Berlin Festival.

On the other hand, the dramatic comedy appears karaokefrom Israel, while from Europe arrive Kompromat, French suspense film; the biographical drama the forger, from Germany; and the Italian September. The only Latin American representative is Argentina Alternatesuspense bet starring Juan Menujín, with the performances of Rita Cortese and the Chilean Alfredo Castro.

With capacity for 1,400 people -and organized by the Municipality of Las Condes, with the production of the Cultural Corporation of Las Condes-, the exhibition schedule for each film is at 9:30 p.m., but you can enter Parque Araucano from 7:00 p.m.

Admission is $5,000 (general) and $2,500 (with Club La Tercera and Vecino Las Condes cards). Online sales will be available starting this Sunday, December 25 at www.culturallascondes.cl and in person at the Parque Araucano ticket office from Friday, January 6.

More information on the site www.festivalcinelascondes.cl

Here, the list of films of the event with their respective screening day:

Ennio, the teacher. Documentary film. Italy, 2021. 156 min.

Direction: Giuseppe Tornatore

Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone and Ennio Morricone himself participate

Tribute to Ennio Morricone, the greatest film composer of the 20th century, under the camera of the director of cinema Paradiso. His music, his story and his portrait, told through interviews with the author and great figures who worked with him. In 2021 it won the David di Donatello Awards, for Best Documentary, Editing and Sound.

*Saturday 7

Kompromat. France, 2022. 127 min.

Direction: Jerome Salle

Cast: Gilles Lellouche, Joanna Kulig, Michael Gorevoy

Based on true events, the film tells the remarkable story of a French civil servant posted to Siberia who unknowingly finds himself in conflict with one of the most powerful and dangerous forces of the modern era: Russia’s FSB.

1671829649 385 The films that the new version of the Las Condes

alcarrás. family drama. Spain, 2022. 120 min.

Direction: Carla Simon

Cast: Jordi Pujol, Anne Otin, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou

The acclaimed film spoken in Catalan stages a family that for years has dedicated itself to the peach harvest and that must face the end of an era.

Karaoke. Dramatic comedy. Israel, 2022. 100 min.

Directed by: Moshe Rosenthal

Cast: Sasson Gabai, Rita Shukrun, Lior Ashkenazi, Kobi Farag

An elderly married couple living in the suburbs of the city bonds with their neighbor, a charismatic bachelor who loves karaoke nights in his apartment.

The wheel of fortune and fantasy. Romance. Romance. Japan, 2021. 121 min.

Directed by: Ryûsuke Hamaguchi

Cast: Kotone Furukawa, Ayumu Nakajima, Katsuki Mori

Told in three movements, the most relevant director of current Japanese cinema -the man behind another recent prodigy on the big screen such as drive my car– tells love stories starring female characters. An unexpected triangle, a failed seduction trap and a meeting that results from a misunderstanding.

1671829649 909 The films that the new version of the Las Condes

the forger. Biographical drama. Germany, 2022. 116 min.

Directed by: Maggie Perén

Cast: Louis Hofmann, Jonathan Berlin, Luna Wedler, Nina Gummich

The film, which debuted at the 2022 Berlin Film Festival, tells the true story of a young Jewish man who uses the identity of a German naval officer to escape Nazi deportation. Thus he discovers a hidden talent to falsify passports, documents and even his own identity.

1671829649 981 The films that the new version of the Las Condes

Alternate. Suspense. Argentina, 2022. 110 min.

Direction: Diego Lerman

Cast: Juan Menujín, Alfredo Castro, Barbara Lennie, Rita Cortese

Disenchanted with his job, a university professor of literature decides to teach at a school for vulnerable students in the periphery. There he must appeal to all his sensitivity and ingenuity to captivate his students while he gets involved in a drug trafficking plot.

with love and fury. Romance. France, 2022. 116 min.

Direction: Claire Denis

Cast: Juliette Binoche, Vincent Lindon, Gregorie Colin

Sara and Jean are a mature couple living the fullness of their romance until François, Sara’s former partner and Jean’s former friend, reappears in their lives. An adult story that tests the interpretative capacity of its protagonists. Award for Best Direction at the Berlin Festival.

September. Romantic comedy. Italy, 2022. 110 min.

Director: Giulia Steigerwalt

Cast: Fabrizio Bentivoglio, Tesa Litvan, Luca Nozzoli, Margherita Rebeggiani, Barbara Ronchi

A choral story about the search for love; at 15, at 40 and at 60. After the holidays, September is the month in which everything begins and without meaning to, the protagonists will find themselves faced with situations that will change their lives.

1671829649 660 The films that the new version of the Las Condes

Close. Drama. Belgium, 2022. 104 min.

Directed by: Lukas Dhont

Cast: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Emile Dequenne, Léa Drucker

Grand Prize of the Jury at the last Cannes Film Festival, the story focuses on Léo and Rémi, two inseparable friends who drift apart in their teens as a result of an event that occurred at school. Critics, who have praised the film, especially highlight the work of the child protagonists.

1671829649 291 The films that the new version of the Las Condes

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[date_timestamp] => 1671829654 ) [4] => Array ( [title] => Neutron experiments reveal what maintains bones in good function [link] => http://wikileaksisdemocracy.org/science/neutron-experiments-reveal-what-maintains-bones-in-good-function/ [dc] => Array ( [creator] => Laura Surber ) [pubdate] => Fri, 23 Dec 2022 21:05:32 +0000 [category] => sciencebonesexperimentsfunctiongoodmaintainsneutronReveal [guid] => https://wikileaksisdemocracy.org/?p=42792 [description] => Journal Reference: Andreia Silveira, Nikolay Kardjilov, Henning Markötter, Elena Longo, Imke Greving, Peter Lasch, Ron Shahar, Paul Zaslansky. Water flow through bone: Neutron tomography reveals differences in water permeability between osteocytic and anosteocytic bone material. Materials & Design, 2022; 224: 111275 DOI: 10.1016/j.matdes.2022.111275 Around 500 million years ago, early vertebrates in the seas became fish, ... Read more [content] => Array ( [encoded] =>

Journal Reference:

  1. Andreia Silveira, Nikolay Kardjilov, Henning Markötter, Elena Longo, Imke Greving, Peter Lasch, Ron Shahar, Paul Zaslansky. Water flow through bone: Neutron tomography reveals differences in water permeability between osteocytic and anosteocytic bone material. Materials & Design, 2022; 224: 111275 DOI: 10.1016/j.matdes.2022.111275

Around 500 million years ago, early vertebrates in the seas became fish, adopting an inner skeleton and a flexible spine based on a nanocmposite of fibers and mineral, known as bone material. This ?invention? of evolution was so successful that the basic structure was also adopted for later vertebrates that lived on land. However, while the bones of all terrestrial vertebrates are basically equipped with bone cells (osteocytes), certain fish species continued to evolve and finally managed to create a more energy efficient material: bone lacking bone cells, found today for example in fish such as salmon, medaka or tilapia.

Samples with and without bone cells

?We asked ourselves how bone samples with and without bone cells actually differ in their microstructures and properties,? says Prof. Paul Zaslansky, who heads a research group at Charité Berlin and specializes in mineralized biomaterials including teeth and bones. Together with PhD student Andreia Silvera and international partners, they have now compared bone samples from zebrafish and medaka. Both fish species are of similar size and live in similar conditions, so their skeletons must withstand similar stresses. However, while zebrafish have bone cells, the skeleton of medaka do not.

?The background to the question is that the function of bone cells in bone and how they change with age is of great interest to the aging population,? Silvera explains. Bone cells can respond to physical stress by sending biochemical signals that lead to the formation or resorption of bone tissue, adapting to load. But with age or in diseases such as osteoporosis, this mechanism no longer seems to work. ?With our basic research, we want to find out how bones with and without bone cells differ and cope with the challenges of external stress,? Zaslansky says.

Strength and elasticity

Bones have a complex structure: they comprise nanofibers of collagen and nanoparticles of mineral but also other minor ingredients. Certain protein compounds, so called Proteoglycans (PGs), are embedded in a tissue of collagen fibers and nanocrystals and play important roles in tissue formation and maintenance. ?PGs may be compared to salt in the soup. Too little or too much of it is not good,? Zaslansky says. The PGs can retain water, and there are plenty of PGs in healthy cartilage, making it as elastic as a sponge. Together, these components form an extracellular matrix (ECM), a 3D structure that provides strength and elasticity, ensuring function for many years. In bones, an open network (Lacunar Channel Network or LCN) of channels and pores with diameters ranging from a few hundred nanometers to micrometers is created in this 3D structure. This LCN hosts the bone osteocytes, cells that sense load and orchestrate bone remodeling. In the LCN and within the nanocomposite, bone contains up to 20% of its volume in water, with many functions including toughening and adaptation to mechanical stress.

Neutron tomography at BER II

To determine the amount of incorporated water, the researchers first immersed bone samples in water and transilluminated them with neutrons, provided by the Berlin experimental reactor BER II* at HZB ? followed by saturation in deuterated heavy water (D2O). 3D data was collected again and the difference between the two bone states allowed the team to determine for each spine vertebrae the precise amount of water displaced by diffusion of the D2O. ?In addition, we examined sections of the bone samples, analyzed them by electron microscopy and micro CT and we also determined the PG concentration with Raman spectroscopy,? Silvera explains.

Surprising results: PGs make the difference

Until now, it was assumed that both bone types contain similar amounts of water and had very similar composition and properties. In fact however, the neutron examination showed that the bone material of zebrafish releases half as much water as that of medaka. This is all the more surprising because these bones have a very similar microstructure of mineralized collagen fibers, but zebrafish also contain large cell spaces within the LCN. ?My first reaction was, ?This must be wrong!? So we checked everything thoroughly and realized it?s really revolutionary!? recalls Zaslansky. The only explanation for the difference is that the bone matrices of the two species differ in a fundamental compositional component that affects water permeability. And here, both histological studies and Raman spectroscopy show: it?s the small but important contribution of PGs. The medaka samples contain far less PG than the zebrafish samples. ?This is a new finding: although both fish cope with similar stresses, their bone materials do not have the same water permeability properties,? says Silveira

New insights for medicine?

?We hope these results will help us better understand bone diseases as well,? Zaslansky says. Why are some bones better at responding to stress than others? What happens when bones age? Could it be that they lose PGs, and become less watertight? Perhaps aging or pathology such as osteoporosis changes the bone that surrounds bone cells, which makes it difficult to remodel and form bone tissue that works correctly?

fter 40 years of successful neutron research in Berlin-Wannsee, the research reactor BER II was finally shut down at the end of 2019. The shutdown was decided by the HZB Supervisory Board in summer 2013.

After 40 years of successful neutron research in Berlin-Wannsee, the research reactor BER II was finally shut down at the end of 2019. But until now, teams are working on the experimental data to gain new insights into materials of all kinds.

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Neutron experiments reveal what maintains bones in good function

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) [summary] => Journal Reference: Andreia Silveira, Nikolay Kardjilov, Henning Markötter, Elena Longo, Imke Greving, Peter Lasch, Ron Shahar, Paul Zaslansky. Water flow through bone: Neutron tomography reveals differences in water permeability between osteocytic and anosteocytic bone material. Materials & Design, 2022; 224: 111275 DOI: 10.1016/j.matdes.2022.111275 Around 500 million years ago, early vertebrates in the seas became fish, ... Read more [atom_content] =>

Journal Reference:

  1. Andreia Silveira, Nikolay Kardjilov, Henning Markötter, Elena Longo, Imke Greving, Peter Lasch, Ron Shahar, Paul Zaslansky. Water flow through bone: Neutron tomography reveals differences in water permeability between osteocytic and anosteocytic bone material. Materials & Design, 2022; 224: 111275 DOI: 10.1016/j.matdes.2022.111275

Around 500 million years ago, early vertebrates in the seas became fish, adopting an inner skeleton and a flexible spine based on a nanocmposite of fibers and mineral, known as bone material. This ?invention? of evolution was so successful that the basic structure was also adopted for later vertebrates that lived on land. However, while the bones of all terrestrial vertebrates are basically equipped with bone cells (osteocytes), certain fish species continued to evolve and finally managed to create a more energy efficient material: bone lacking bone cells, found today for example in fish such as salmon, medaka or tilapia.

Samples with and without bone cells

?We asked ourselves how bone samples with and without bone cells actually differ in their microstructures and properties,? says Prof. Paul Zaslansky, who heads a research group at Charité Berlin and specializes in mineralized biomaterials including teeth and bones. Together with PhD student Andreia Silvera and international partners, they have now compared bone samples from zebrafish and medaka. Both fish species are of similar size and live in similar conditions, so their skeletons must withstand similar stresses. However, while zebrafish have bone cells, the skeleton of medaka do not.

?The background to the question is that the function of bone cells in bone and how they change with age is of great interest to the aging population,? Silvera explains. Bone cells can respond to physical stress by sending biochemical signals that lead to the formation or resorption of bone tissue, adapting to load. But with age or in diseases such as osteoporosis, this mechanism no longer seems to work. ?With our basic research, we want to find out how bones with and without bone cells differ and cope with the challenges of external stress,? Zaslansky says.

Strength and elasticity

Bones have a complex structure: they comprise nanofibers of collagen and nanoparticles of mineral but also other minor ingredients. Certain protein compounds, so called Proteoglycans (PGs), are embedded in a tissue of collagen fibers and nanocrystals and play important roles in tissue formation and maintenance. ?PGs may be compared to salt in the soup. Too little or too much of it is not good,? Zaslansky says. The PGs can retain water, and there are plenty of PGs in healthy cartilage, making it as elastic as a sponge. Together, these components form an extracellular matrix (ECM), a 3D structure that provides strength and elasticity, ensuring function for many years. In bones, an open network (Lacunar Channel Network or LCN) of channels and pores with diameters ranging from a few hundred nanometers to micrometers is created in this 3D structure. This LCN hosts the bone osteocytes, cells that sense load and orchestrate bone remodeling. In the LCN and within the nanocomposite, bone contains up to 20% of its volume in water, with many functions including toughening and adaptation to mechanical stress.

Neutron tomography at BER II

To determine the amount of incorporated water, the researchers first immersed bone samples in water and transilluminated them with neutrons, provided by the Berlin experimental reactor BER II* at HZB ? followed by saturation in deuterated heavy water (D2O). 3D data was collected again and the difference between the two bone states allowed the team to determine for each spine vertebrae the precise amount of water displaced by diffusion of the D2O. ?In addition, we examined sections of the bone samples, analyzed them by electron microscopy and micro CT and we also determined the PG concentration with Raman spectroscopy,? Silvera explains.

Surprising results: PGs make the difference

Until now, it was assumed that both bone types contain similar amounts of water and had very similar composition and properties. In fact however, the neutron examination showed that the bone material of zebrafish releases half as much water as that of medaka. This is all the more surprising because these bones have a very similar microstructure of mineralized collagen fibers, but zebrafish also contain large cell spaces within the LCN. ?My first reaction was, ?This must be wrong!? So we checked everything thoroughly and realized it?s really revolutionary!? recalls Zaslansky. The only explanation for the difference is that the bone matrices of the two species differ in a fundamental compositional component that affects water permeability. And here, both histological studies and Raman spectroscopy show: it?s the small but important contribution of PGs. The medaka samples contain far less PG than the zebrafish samples. ?This is a new finding: although both fish cope with similar stresses, their bone materials do not have the same water permeability properties,? says Silveira

New insights for medicine?

?We hope these results will help us better understand bone diseases as well,? Zaslansky says. Why are some bones better at responding to stress than others? What happens when bones age? Could it be that they lose PGs, and become less watertight? Perhaps aging or pathology such as osteoporosis changes the bone that surrounds bone cells, which makes it difficult to remodel and form bone tissue that works correctly?

fter 40 years of successful neutron research in Berlin-Wannsee, the research reactor BER II was finally shut down at the end of 2019. The shutdown was decided by the HZB Supervisory Board in summer 2013.

After 40 years of successful neutron research in Berlin-Wannsee, the research reactor BER II was finally shut down at the end of 2019. But until now, teams are working on the experimental data to gain new insights into materials of all kinds.

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Neutron experiments reveal what maintains bones in good function

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There are not a few who, in addition to copious meals, endless dinners, nougats, Christmas carols and other festivities with family and friends, decide to also celebrate the Christmas Giving yourself a good film classic on these dates.

And, since there are many good films in our cinema that have these holidays as a backdrop, from CulturaOcio we propose five titles to spend a Christmas of cinema… in Spanish. Half a dozen films that, in addition, are available in streaming through FlixOléthe reference platform as far as Spanish cinema is concerned.

Placido (Luis Garcia Berlanga, 1961)

We start with one of the great masterpieces of Luis Garcia Berlanga which, with a script by Rafael Azcona, José Luis Colina, José Luis Font and Berlanga himself It is considered by many as the best comedy in Spanish cinema. Cassen, José Luis López Vázquez and Elvira Quintilla lead the cast of this satire full of black humor that follows in the footsteps of a transporter who has to pay the bill on Christmas Day so they don’t take away the motorcycle with which he earns a living. … and with whom you have to participate in the parade.

The big family (Fernando Palacios, 1962)

Fernando Palacios directs another of the most popular comedies of the sixties, starring Alberto Closas, José Isbert, José Luis López Vázquez and Amparo Soler Leal. The tape follows the footsteps of a couple with fifteen children… and a great grandfather played by Isbert. What, despite the troubles and pressures of such a large family, was a Christmas full of joy and laughter is clouded when little Chencho gets lost in the Plaza Mayor.

The Crack Two (José Luis Garci, 1983)

The touch of film noir comes hand in hand with one of the great trilogies of Spanish cinema: El crack. The second installment of the José Luis Garci saga continues with the adventures of former police officer and private detective Germán Areta, who on this occasion has to deal with a case of jealousy, a crime of passion that hides a much more murky and dangerous plot. Alfredo Landa once again signs an outstanding performance in a film that features the Madrid of those years decked out for Christmas as an incomparable setting and in which Garci leaves unforgettable images such as the illuminated Gran Vía or Cibeles.

As in heaven as on Earth (Jose Luis Cuerda, nineteen ninety five)

The incomparable ingenuity of José Luis Cuerda guides, like a Star of Bethlehem, a large cast made up of such prominent names as Fernando Fernán Gómez, Francisco Rabal, Luis Ciges, Juan Luis Galiardo, Álex Angulo, Mónica Molina, Gabino Diego, Isabel Serrano, Chus Lampreave or Enrique San Francisco. A delirious comedy that recounts how the son of God refuses to abandon his town to save the world again and with which Ciges won the Goya for best supporting actor.

The day of the beast (Álex de la Iglesia, 1995)

A bit of satanism from Carabanchel himself to close the list. Alex de la Iglesia directed this transgressive horror comedy that established him as a director after his notable debut with Acción Mutante and launched the long-haired and metalhead to stardom santiago safe. The late Álex Angulo gives life to a priest who believes he has deciphered the secret message of the Apocalypse according to Saint John according to which the Antichrist, from the son of Satan, will be born on December 25, 1995… in Madrid. A box office and critical success that won 6 Goya awards, including best director for De la Iglesia and best new actor for Segura.

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Five Christmas classics from Spanish cinema


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There are not a few who, in addition to copious meals, endless dinners, nougats, Christmas carols and other festivities with family and friends, decide to also celebrate the Christmas Giving yourself a good film classic on these dates.

And, since there are many good films in our cinema that have these holidays as a backdrop, from CulturaOcio we propose five titles to spend a Christmas of cinema… in Spanish. Half a dozen films that, in addition, are available in streaming through FlixOléthe reference platform as far as Spanish cinema is concerned.

Placido (Luis Garcia Berlanga, 1961)

We start with one of the great masterpieces of Luis Garcia Berlanga which, with a script by Rafael Azcona, José Luis Colina, José Luis Font and Berlanga himself It is considered by many as the best comedy in Spanish cinema. Cassen, José Luis López Vázquez and Elvira Quintilla lead the cast of this satire full of black humor that follows in the footsteps of a transporter who has to pay the bill on Christmas Day so they don’t take away the motorcycle with which he earns a living. … and with whom you have to participate in the parade.

The big family (Fernando Palacios, 1962)

Fernando Palacios directs another of the most popular comedies of the sixties, starring Alberto Closas, José Isbert, José Luis López Vázquez and Amparo Soler Leal. The tape follows the footsteps of a couple with fifteen children… and a great grandfather played by Isbert. What, despite the troubles and pressures of such a large family, was a Christmas full of joy and laughter is clouded when little Chencho gets lost in the Plaza Mayor.

The Crack Two (José Luis Garci, 1983)

The touch of film noir comes hand in hand with one of the great trilogies of Spanish cinema: El crack. The second installment of the José Luis Garci saga continues with the adventures of former police officer and private detective Germán Areta, who on this occasion has to deal with a case of jealousy, a crime of passion that hides a much more murky and dangerous plot. Alfredo Landa once again signs an outstanding performance in a film that features the Madrid of those years decked out for Christmas as an incomparable setting and in which Garci leaves unforgettable images such as the illuminated Gran Vía or Cibeles.

As in heaven as on Earth (Jose Luis Cuerda, nineteen ninety five)

The incomparable ingenuity of José Luis Cuerda guides, like a Star of Bethlehem, a large cast made up of such prominent names as Fernando Fernán Gómez, Francisco Rabal, Luis Ciges, Juan Luis Galiardo, Álex Angulo, Mónica Molina, Gabino Diego, Isabel Serrano, Chus Lampreave or Enrique San Francisco. A delirious comedy that recounts how the son of God refuses to abandon his town to save the world again and with which Ciges won the Goya for best supporting actor.

The day of the beast (Álex de la Iglesia, 1995)

A bit of satanism from Carabanchel himself to close the list. Alex de la Iglesia directed this transgressive horror comedy that established him as a director after his notable debut with Acción Mutante and launched the long-haired and metalhead to stardom santiago safe. The late Álex Angulo gives life to a priest who believes he has deciphered the secret message of the Apocalypse according to Saint John according to which the Antichrist, from the son of Satan, will be born on December 25, 1995… in Madrid. A box office and critical success that won 6 Goya awards, including best director for De la Iglesia and best new actor for Segura.

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Five Christmas classics from Spanish cinema


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The reviews of David Perez “Davicine”:
reliving christmas

Chuy is a curmudgeon on whom a curse falls: from now on, he is condemned not to remember anything he has done during the year. Except on Christmas day. reliving christmas is an endearing comedy directed by Mark Alazraki and starring Mauricio Ochman (I order you there) Y Ana Brenda Contreras (Dynasty). They complete the deal Manu NNa, José Sefami, María Rojo, Paula Espinosa, Kaled Acab, Romina Poza Y Bastian Bald. The film opens in Netflix on December 20, 2022.

stuck on christmas eve

Since November we have been facing an avalanche of Christmas films and series, and as Christmas approaches, the rate of releases of this genre increases on free-to-air channels as well as on platforms. Unfortunately, even lovers of Christmas rom-coms sometimes have to swallow the occasional somewhat infamous title that doesn’t even serve to reinforce the Christmas spirit. Curiously, reliving christmas It brings something with its original plot and adds a touch of joy to the afternoons waiting until Christmas.

In this film we meet the curmudgeon Chuy, who suffers a nasty fall on Christmas Eve, loses consciousness and wakes up after a year with no memory of what has happened in that time. He soon realizes that he is doomed to wake up Christmas Eve after Christmas Eve to deal with the consequences of what his other self has done in the remaining 364 days of the year.

a time loop

Since Caught in time We have seen many movies that repeat the pattern of the famous groundhog day, repeating the same day over and over again until the protagonist manages to change something in his life that allows him to move forward in time. And therein lies the first surprise of reliving christmasWell, it’s nice to discover that Chuy doesn’t experience the same Christmas Eve over and over again, but lives Christmas Eve every year.

Thus, we see how time goes by and the protagonist witnesses how everyone around him changes, but this turn does not mean that everything will be surprising, and as a good Christmas movie we are clear about what we should expect from the end. In addition to this turn, the film surprises for having quite a few good moments of humor, with agile dialogues and unforced situations, which is not typical in films of this genre, plagued with repetitive clichés and gags ad nauseam.

Relevant supporting characters

Mauricio Ochman he plays Chuy, the protagonist of this repetitive day, and perhaps the most annoying part of the film is seeing how he repeats the same mistakes year after year, Christmas Eve after Christmas Eve, making it difficult to empathize with him as he is a very unpleasant protagonist who hates Christmas and behaves indifferently to those around him.

Although the protagonist is somewhat tedious, and contrary to what it might seem, we have many secondary characters that help to raise the level of humor, although with little development of their stories, getting the best out of themselves and reinforcing the most dramatic stories. to bring extra emotion to the film. This balanced combination of humor and emotion in each of the subplots makes the film have everything we expect from a good Christmas comedy, and more than around couples it focuses on the importance of family, which after all It is the most relevant of these dates for many.

In addition to the importance of the secondary characters for the story, we also see some characters that bring something new to the genre of Christmas movies, since there are not so many that introduce LGTBIQ+ characters. reliving christmas introduces us to the concept of Diva godmother instead of Fairy godmother, played by Manu NNawho defines himself as an actor/actress, comedian and cabaret artist, being the character who takes Chuy into this complex adventure so that he understands that the world keeps turning around despite his opinions and problems, making him repeat Christmas until he learns the ” why» behind Christmas.

reliving christmas is a fun family comedy with an important message about the Christmas holidays and the importance of the family, distancing itself for the better from many other proposals of this time focused on the importance of the couple and love at Christmas.


What do you think of the movie Reliving Christmas?

reliving christmas




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Criticism | Review of Reliving Christmas – On Netflix


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) [summary] => The reviews of David Perez “Davicine”:reliving christmas Chuy is a curmudgeon on whom a curse falls: from now on, he is condemned not to remember anything he has done during the year. Except on Christmas day. reliving christmas is an endearing comedy directed by Mark Alazraki and starring Mauricio Ochman (I order you there) Y ... Read more [atom_content] =>

The reviews of David Perez “Davicine”:
reliving christmas

Chuy is a curmudgeon on whom a curse falls: from now on, he is condemned not to remember anything he has done during the year. Except on Christmas day. reliving christmas is an endearing comedy directed by Mark Alazraki and starring Mauricio Ochman (I order you there) Y Ana Brenda Contreras (Dynasty). They complete the deal Manu NNa, José Sefami, María Rojo, Paula Espinosa, Kaled Acab, Romina Poza Y Bastian Bald. The film opens in Netflix on December 20, 2022.

stuck on christmas eve

Since November we have been facing an avalanche of Christmas films and series, and as Christmas approaches, the rate of releases of this genre increases on free-to-air channels as well as on platforms. Unfortunately, even lovers of Christmas rom-coms sometimes have to swallow the occasional somewhat infamous title that doesn’t even serve to reinforce the Christmas spirit. Curiously, reliving christmas It brings something with its original plot and adds a touch of joy to the afternoons waiting until Christmas.

In this film we meet the curmudgeon Chuy, who suffers a nasty fall on Christmas Eve, loses consciousness and wakes up after a year with no memory of what has happened in that time. He soon realizes that he is doomed to wake up Christmas Eve after Christmas Eve to deal with the consequences of what his other self has done in the remaining 364 days of the year.

a time loop

Since Caught in time We have seen many movies that repeat the pattern of the famous groundhog day, repeating the same day over and over again until the protagonist manages to change something in his life that allows him to move forward in time. And therein lies the first surprise of reliving christmasWell, it’s nice to discover that Chuy doesn’t experience the same Christmas Eve over and over again, but lives Christmas Eve every year.

Thus, we see how time goes by and the protagonist witnesses how everyone around him changes, but this turn does not mean that everything will be surprising, and as a good Christmas movie we are clear about what we should expect from the end. In addition to this turn, the film surprises for having quite a few good moments of humor, with agile dialogues and unforced situations, which is not typical in films of this genre, plagued with repetitive clichés and gags ad nauseam.

Relevant supporting characters

Mauricio Ochman he plays Chuy, the protagonist of this repetitive day, and perhaps the most annoying part of the film is seeing how he repeats the same mistakes year after year, Christmas Eve after Christmas Eve, making it difficult to empathize with him as he is a very unpleasant protagonist who hates Christmas and behaves indifferently to those around him.

Although the protagonist is somewhat tedious, and contrary to what it might seem, we have many secondary characters that help to raise the level of humor, although with little development of their stories, getting the best out of themselves and reinforcing the most dramatic stories. to bring extra emotion to the film. This balanced combination of humor and emotion in each of the subplots makes the film have everything we expect from a good Christmas comedy, and more than around couples it focuses on the importance of family, which after all It is the most relevant of these dates for many.

In addition to the importance of the secondary characters for the story, we also see some characters that bring something new to the genre of Christmas movies, since there are not so many that introduce LGTBIQ+ characters. reliving christmas introduces us to the concept of Diva godmother instead of Fairy godmother, played by Manu NNawho defines himself as an actor/actress, comedian and cabaret artist, being the character who takes Chuy into this complex adventure so that he understands that the world keeps turning around despite his opinions and problems, making him repeat Christmas until he learns the ” why» behind Christmas.

reliving christmas is a fun family comedy with an important message about the Christmas holidays and the importance of the family, distancing itself for the better from many other proposals of this time focused on the importance of the couple and love at Christmas.


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No hay un personaje en la prolífica y multifacética carrera de Cate Blanchett que le quede grande. Desde su primer gran papel como la reina Isabel l en Elizabeth (1998), pasando por la reina elfa Galadriel en la trilogía El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo (2001), o su adaptación del cantautor Bob Dylan en I’m Not Here (2007), hasta la temida villana en Thor: Ragnarok (2017) de la saga Marvel, la genial actriz australiana ha sabido brillar. Hoy, a sus 50 años, ha sumado una carrera que la ha puesto en el altar de Hollywood y que le ha dejado el sobrenombre de camaleónica y versátil. Pero no siempre ha recibido elogios.

(Le recomendamos: Teresita Gómez, la pianista más querida y aclamada de Colombia, contó su historia en BOCAS)

La edición #124 de la Revista BOCAS está en circulación desde el 18 de diciembre de 2022.

Durante sus inicios, en 1993, con su elegante actuación en Kafka Dances y su interpretación de una estudiante universitaria que presenta cargos de acoso sexual contra su profesor (Geoffrey Rush) en la obra de David Mamet, Oleanna (1993), generó muy buenas críticas. Como una premonición de lo que sería su futuro, enseguida recibió el premio a mejor revelación y mejor actriz en el equivalente australiano al Premio Tony.

En 1996, hizo su debut cinematográfico en el corto Parklands (1996), pero pronto obtuvo su primer papel como una de las mujeres internadas en un campamento japonés en el drama de la era de la Segunda Guerra Mundial Paradise Road (1997), donde atrajo aún más la atención. Con su aparición en la comedia oscura Thank God He Met Lizzie (1997) recibió el premio a mejor actriz de reparto del Instituto de Cine Australiano de 1997.

Su estatus de estrella en ascenso se confirmó cuando consiguió el papel principal en la película biográfica Elizabeth (1998), al lado de Geoffrey Rush y Joseph Fiennes. Blanchett entregó un papel brillante con una creación multidimensional que obtuvo numerosos elogios, incluida una nominación al Óscar como mejor actriz.

(Puede leer también: Anne Hathaway, uno de los rostros más impactantes y memorables de Hollywood contó su historia en BOCAS)

A sus 53 años, la intérprete goza de una prolífica carrera con más de 20 producciones teatrales y 70 películas.

Sin embargo, cuando Blanchett hizo su debut en los escenarios de Londres en 1999 con la obra Plenty de David Hare, las críticas sobre la obra fueron mordaces, tanto contra la obra como contra su actuación. Esto hizo que por mucho tiempo se negara a leer reseñas de su trabajo. ?Aprendí que uno tiene que saber leer entre líneas lo que se debe mejorar en este trabajo a través de los propios compañeros y del público, pero no de la crítica?, comentó al respecto.

La actriz continuó alternando entre vistosos papeles secundarios y protagonistas. Mientras tanto, tuvo un papel pequeño, pero significativo, como la reina elfa Galadriel en la épica trilogía de El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo (2001), Las dos torres (2002) y El retorno del rey (2003).

La australiana, a quien Leonardo DiCaprio en ese momento se refirió como ?la versión femenina de Daniel Day-Lewis? por sus cualidades camaleónicas, abordó dos papeles muy diferentes en el 2004. Primero como una periodista embarazada atrapada en un triángulo romántico en la comedia de Wes Anderson The Life Aquatic with Steve Zissou. Luego, capturó el carisma jovial de la superestrella de Hollywood Katharine Hepburn, una de los amantes de Howard Hughes (DiCaprio), en la película biográfica del magnate dirigida por Martin Scorsese, El aviador.

Blanchett fue ampliamente reconocida por su actuación y ganó varios premios a mejor actriz de reparto, incluido, por fin, el Premio Óscar de la Academia. Su victoria le dio la distinción única de convertirse en la primera actriz en ganar un Premio de la Academia por interpretar a una actriz ganadora del Óscar.

(Le sugerimos: La actriz de Blonde, Ana de Armas, habló con BOCAS de su infancia en Cuba y de los retos de ser Marilyn Monroe)

Ahora su interpretación en TÁR, del director Todd Field, podría encaminarla a su octava nominación en los Premios Óscar.

En el 2005 protagonizó el thriller australiano Little Fish, para después, en el 2006, protagonizar la compleja Babel, de Alejandro González Iñárritu. Ese mismo año apareció en The Good German y en Notes on a Scandal, interpretando a una nueva y atractiva profesora de arte en una escuela secundaria de Londres que se involucra en una aventura ilícita con un estudiante de 15 años, en un papel que le valió una nominación al Globo de Oro y al Óscar a mejor actriz de reparto.

En el 2007, Blanchett se transformó para interpretar al cantautor Bob Dylan en I’m Not Here. Tan impresionante fue su transformación en un hombre que ganó el Globo de Oro a mejor actriz de reparto, allanando el camino para una nominación al Óscar.

Por ese tiempo, fue elegida como una agente soviética que lucha contra Harrison Ford en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (2008). A partir de ahí, volvió al drama con El curioso caso de Benjamin Button (2008), donde interpretó al amor de toda la vida de un hombre (Brad Pitt) que misteriosamente rejuvenece en vida.

Siguió con un papel protagónico como Lady Marian en Robin Hood (2010), para volver a interpretar a una villana en el thriller de acción Hanna (2011). Luego repitió su rol de Galadriel en la muy esperada adaptación de El Hobbit, de Peter Jackson. Al año siguiente, ganó elogios como una mujer rica que atraviesa un giro de historia personal y financiera en Blue Jasmine, de Woody Allen, con la que ganó el Óscar a mejor actriz. Su siguiente actuación en el drama romántico de Todd Haynes ambientado en la década de 1950, Carol (2015), volvió a ser nominada a varios premios.

(Le recomendamos: El actor británico Patrick Stewart habló en BOCAS sobre Star Trek, X-Men, su tiempo como periodista y más)

Foto:

Sony Pictures Classics(EE.UU.) Warner Bros. Pictures(Internacional)

Nunca pensé en mi identidad como algo estático. Creo que todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy

En el 2017 protagonizó la obra Platónov de Antón Chéjov, dirigida por John Crowley, que marcó el debut de Blanchett en Broadway, e interpretó a la villana Hela en la película de Marvel Thor: Ragnarok, dirigida por Taika Waititi. En el 2019, protagonizó Where’d You Go, Bernadette, una adaptación del libro del mismo nombre, por la que recibió su décima nominación al Globo de Oro por su actuación en la película.

Debido a su amplia trayectoria, Blanchett ha sido galardonada con la Medalla del Centenario por Servicio a la Sociedad Australiana por parte del gobierno australiano, así como fue nombrada dama de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno francés en el 2012. Recibió un doctorado en Letras de la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie en reconocimiento a su extraordinaria contribución a las artes, la filantropía y la comunidad. En el 2015, fue honrada por el Museo de Arte Moderno y recibió la Beca del Instituto Británico de Cine en reconocimiento a su destacada contribución a la industria.

En el 2017, fue nombrada Compañera de la Orden de Australia por ?servicio eminente a las artes escénicas como actriz internacional de teatro y cine, a través de contribuciones fundamentales como directora de organizaciones artísticas, como modelo a seguir para mujeres y artistas jóvenes, y como partidario de causas humanitarias y medioambientales?.

En suma, la actriz ha aparecido en más de 70 películas y más de 20 producciones teatrales. Al momento, las películas de Blanchett han recaudado más de 9.900 millones de dólares en la taquilla mundial.

Cate Blanchett nació el 14 de mayo de 1969 en Melbourne, Australia, y creció en los suburbios de esta urbe. Su madre, June, era maestra de escuela y su padre, Robert, un marinero de la Armada nacido en Texas que terminó en la tierra de los canguros cuando su barco se averió. Allí, asistió a la escuela nocturna e hizo una carrera en publicidad. Pero cuando Blanchett tenía solo 10 años de edad, este murió de un repentino ataque al corazón, a los 40 años.

(Le sugerimos: El reconocido periodista Rodrigo Pardo y el experimentado político Rafael Pardo se confiesan en esta entrevista de BOCAS)

En 1998 protagonizó Elizabeth, con la que se llevó un Globo de Oro a mejor actriz

Desde pequeña, la actriz desarrolló una pasión por las películas y durante la secundaria participó en algunas obras de teatro. Empezó sus estudios en economía y artes en la Universidad de Melbourne, pero los abandonó al descubrir su verdadera vocación. Entre 1990 y 1992 estudió en el Instituto Nacional de Arte Dramático, y con su actuación como Clitemnestra en una producción de Electra, de Sófocles, desarrolló una reputación temprana como una talentosa actriz. Actualmente está casada con el dramaturgo australiano Andrew Upton desde 1997, tienen cuatro hijos: Dashiell John, de 21 años; Roman Robert, de 17; Ignatius Martin, de 14, y Edith Vivian Patricia, a quien adoptaron en el 2015.

Recientemente, Blanchett protagonizó la serie dramática australiana de televisión Stateless, que se basa en el controvertido caso de detención obligatoria migratoria en Australia, donde también se desempeñó como creadora, directora y productora ejecutiva. Además, encabezó y produjo la miniserie de drama histórico Mrs. America como la activista conservadora Phyllis Schlafly. Luego participó junto a Bradley Cooper en la adaptación de Guillermo del Toro de Nightmare Alley, de William Lindsay Gresham.

Ahora con TÁR, del director Todd Field, vuelve a ser la actriz más nombrada en el momento en los círculos de la prensa especializada del cine en Hollywood. Cate Blanchett ha estado despertando muy fuertes rumores de una nominación a los Óscar por su interpretación como Lydia Tár, una brillante directora de orquesta alemana que encuentra su carrera descarrilada por un escándalo. Su vida da un vuelco cuando encuentra interés en la última incorporación a la orquesta, una joven violonchelista rusa, Olga (Sophie Kauer). Desde ese momento, la vida de Lydia Tár, construida bajo las columnas de ser una figura pública, comienza a desmoronarse de manera salvaje, en una historia que deja la inquietud de si todos los grandes artistas tienen una sombra monstruosa detrás de ellos y que, al final de cuentas, también son humanos.

(Puede leer también: La actriz de Blonde, Ana de Armas, habló con BOCAS de su infancia en Cuba y de los retos de ser Marilyn Monroe)

Tal vez hemos madurado lo suficiente como especie para poder ver una película como esta y no convertir su preferencia sexual en el tema principa

La estrella australiana comentó al respecto: ?Definitivamente Lydia está obsesionada por su pasado, por ella misma, por hechos pasados. Era alguien ajena a sí misma. Y creo que, en cierto modo, probablemente todos los personajes lo son. Todos lo somos, es humano. No es necesario ser concertista de piano o director de la mejor orquesta del mundo para experimentar ese sentimiento. Simplemente es un retrato muy humano?.

En la película, Field no solo arrojó luz sobre lo que puede suceder detrás de escena de las orquestas de todo el mundo, sino que también elaboró ??una historia moderna sobre el movimiento Me Too y el examen del poder en la sociedad. En Venecia, el director dejó claro que el guion y el personaje fueron escritos específicamente para Cate. ?Pasé unos meses con Cate Blanchett antes de empezar a hablar con ella del asunto y dejarle saber que estaba construyendo un personaje que encajara perfectamente para ella?, señaló.

Los talentos casi ilimitados de Blanchett también se muestran en esta película: toca el piano y dirige una orquesta de manera impresionante. También habla muy bien alemán. ?Cada personaje viene con algo nuevo que aprender y demostrar. Nunca pensé en mi identidad como algo estático. Creo que todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy?.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, 2008

Usted ha hecho personajes complejos como el de Elizabeth. ¿Cómo fue interpretar a Lydia, una mujer tan poderosa?

Ella es una gran artista, pero como ser humano sabe que el único camino a seguir es hacia abajo y eso requiere una enorme cantidad de coraje, y eso en sí mismo tal vez haga que parezca que sea una película de suspenso con tinte de terror. Lydia puso su pasado en una caja y a través de su gran talento ha tratado de reinventarse y ser salvada, cambiada y transfigurada por la música, pero algo la persigue. Todd es el rey de hacer sufrir a sus personajes de la mejor manera posible. Creo que eso es lo que lo convierte en un gran, gran cineasta. Cuando todos pensamos en los hilos realmente integrales de la película, de pronto él los deja ir. ?Necesito dejar que existan homeopáticamente dentro de la película?, son sus palabras.

¿Cambió su visión o comprensión de Lydia desde que Todd le habló de ella hasta que terminaron de rodar la película?

Creo que es un sello distintivo de las películas de Todd, que son profundamente humanas y que te invitan de una manera íntimamente inquebrantable con las maquinaciones internas de las personas. Supe desde la primera sílaba del guion, que está tan bellamente elaborado, que era un personaje realmente complejo. Y es una película de proceso. Entonces, la experiencia de hacerlo fue un proceso y evolucionó y cambió. Ella está en una serie de contradicciones, Lydia Tár es muchas cosas y ha tenido una carrera variada. Entonces, el truco es la dificultad de tratar de tejer la psicología entre esas experiencias.

En un momento en que los derechos LGBT+ están bajo ataque en todo el mundo, ¿cuál es la importancia de crear realmente estos retratos dinámicos de mujeres?

Creo que es importante que exista a nivel social. La homogeneidad en cualquier forma de arte es la muerte, pero soy muy cautelosa al juntar la palabra importancia con la palabra arte porque no veo que la práctica artística sea una herramienta educativa. Creo que lo que la gente hace con ella después del hecho ?que se disgusten, se ofendan, se inspiren? está fuera de nuestro control. Pero creo que estamos obligados a hacerlo. Se siente urgente e innegable.

La última vez que la vimos encarnar a un personaje gay fue en Carol

Extrañamente, no pensé en el género del personaje, ni en su sexualidad en absoluto. Creo que eso me encanta de la película. Simplemente es un retrato muy humano. Tal vez hemos madurado lo suficiente como especie para poder ver una película como esta y no convertir su preferencia sexual en el tema principal. Simplemente es. Creo que encontré eso muy, muy emocionante. Por supuesto, como dice Todd, esto es una especie de cuento de hadas porque todavía no hay una directora que dirija la gran orquesta antigua alemana en todo el mundo. Sigue siendo una estructura muy piramidal. Es muy patriarcal. Ese es el canon. Generalmente las mujeres llegan a dirigir una música más romántica. Ahora ese panorama está cambiando. Pero, ¿necesitamos seguir politizándolo, para que el cambio se vuelva continuo y normalizado porque es una forma de arte mucho más saludable? Cada vez que un director toma una partitura está reinventando la rueda con su instrumento, la orquesta.

Cate Blanchett – Tar- Festival de Venecia

¿Es importante mostrar diversos ángulos humanos en el cine?

En el momento en que hice Carol me di cuenta de lo importante que se volvió para la gente. Era algo que teníamos que hacer; fue igual con TÁR. Aunque hay muchos temas candentes que surgen en esta película, no se trata de ninguna de esas cosas. Son dispositivos de trama, son la textura porque la película está hecha en el tiempo en que vivimos. Hay muchas cosas explosivas en la película, pero, sin querer sonar demasiado presumida, creo que para mí es mucho más existencial que eso.

Dado que esta película también trata sobre la dinámica y la injusticia de los poderes, ¿se sintió impotente de alguna manera al comienzo de su carrera?

El panorama ciertamente ha cambiado. Cuando entré en la industria del cine, lo que parece fue hace mucho tiempo, hubo una sensación en la que recuerdo que mi esposo me dijo de una manera increíblemente comprensiva: ?Disfrútalo, cariño. Tienes cinco años si tienes suerte?. Ya había trabajado en teatro y nunca esperé tener una carrera cinematográfica, porque así era para las mujeres. Creo que hay muchas personas que han estado cambiando ese panorama, además de las actrices pioneras que traspasaron los límites. Lo interesante es que teníamos hombres increíbles a nuestro lado y un hombre al frente dirigiendo. Pero es muy difícil lograr que nuestros hermanos en el llamado ?Hollywood? desempeñen los papeles secundarios que nosotras interpretaremos muy felizmente en una buena historia y con un buen director. Eso todavía es difícil.

¿Y siente que personalmente está evolucionando?

Estás en constante evolución. Quiero decir, eso es lo maravilloso de los humanos: tenemos la capacidad de cambiar tanto individual como colectivamente, lo que me da esperanza sobre el futuro del planeta, podemos cambiar esta nave. Es una relación muy interesante. La dinámica de poder es cambiante, es decir, cuando trabajas con personas, en cualquier contexto, la relación es muy íntima. Y, en esencia, sin importar en qué negocio uno se encuentre, la discreción lo es todo. Entonces, creo que algo que es realmente primordial en la relación es la confianza. Como metáfora de la película, la confianza es muy importante en cualquier empeño creativo, en cualquier relación, ya sea interpersonal o profesional. Hablamos mucho con Todd sobre la historia de fondo, y creo que Lydia Tár fue muy, muy acosada. Entonces, la traición es una gran cosa para ella, así como la confianza. Confiar en las personas es un gran acto de fe. El perdón es bastante difícil, creo.

Recientemente usted protagonizó la serie de televisión Mrs. America, que tiene un enfoque feminista, que de alguna manera también lo toca en TÁR. ¿Se considera una mujer feminista?

Yo fui criada por una madre soltera, y mi abuela estaba en casa, lo cual era genial. Mi mamá no se identificaba como feminista, porque había crecido en otra época. Creo que, en los años 70, la noción era que si eras feminista, eras anti-familia y, por supuesto, todos entendemos que la familia es el bloque de construcción básico de la sociedad. Mi madre creció con esa sensibilidad, así que a pesar de que era una madre soltera que trabajaba, con todos los desafíos que eso conlleva, yo, su hija, me identifiqué como feminista, pero ella no. Había un estigma en torno a identificarse como una mujer autorrealizada que sentía que podía lograr cualquier cosa en línea con sus contrapartes masculinas. No entendía el problema, pero me doy cuenta en retrospectiva de que hubo un estigma real que surgió del movimiento de liberación de la mujer.

Cate Blanchett posa en la alfombra roja en la 36 edición de los Premios Goya en el Palau de les Arts de Valencia (España).

¿Siente que la sociedad se ha sofisticado en su actitud hacia la mujer?

No creo que nada haya cambiado; creo que ha habido un profundo retroceso. Pienso que en los cismas dentro de la sociedad estadounidense, donde vivo con mi familia, todavía hay personas que se identifican a sí mismas como mujeres tradicionales, casi como un acto de desafío a la noción del movimiento Me Too, que trata sobre la igualdad. No quieren ser marginadas o entrar en una etapa que sucedió en los años 70, donde las mujeres tradicionales, amas de casa, se sintieron extrañas, alienadas y marginadas por la ola del feminismo.

¿Cuáles han sido las mujeres más influyentes en su vida, y qué voces de mujeres hoy son relevantes para usted?

Dios mío, tantas voces; a menudo son las voces de las personas marginadas que no son necesariamente teóricas en las que encuentro más consuelo. Pero encuentro que para mí personalmente, siendo australiana, la escritora Germaine Greer me ha conmovido profundamente. Miras sus reuniones en el ayuntamiento y sus discursos, sus escritos, su audacia y el hecho de que ella era australiana en una especie de paisaje australiano suburbano aparentemente cortés, simplemente voló todo fuera del agua. Así que tendría que decir que ella sería una de las más profundamente influyentes. No necesariamente estoy de acuerdo con todo lo que ha dicho a lo largo de los años, pero siempre vale la pena escucharla.

La televisión se convirtió en un elemento muy importante para muchas personas, tal vez más tras la pandemia. ¿Cómo influye la televisión en su vida?

La televisión ha tenido una profunda influencia desde mi infancia. Gran parte de la televisión que consumía era del apogeo de la televisión británica y estadounidense. No consumía mucha de la programación australiana. Pero he estado obsesionándome con ciertas series. Recientemente, debido a que nuestro hijo menor no lo había visto, volvimos a los días de Los Soprano. Fue realmente emocionante regresar y volver a experimentar eso con nuestro hijo menor, porque, por supuesto, como espectador, absorbes estas influencias, pero luego no te das cuenta de cómo. Volví a ver El reino de Lars Von Trier con nuestro hijo mayor, y El decálogo, que es una de mis piezas de televisión favoritas de todos los tiempos. Uno puede cometer un suicidio virtual, hay mucho que hacer; el miedo a perderse es tan grande porque la cantidad de productos en este momento es muy grande. Así que creo que he estado retrocediendo en el tiempo en lugar de avanzar cuando se trata de ver producciones televisivas.

¿Qué opina de ver televisión en celular o tablet?

Prefiero ver programas sin interrupciones, por lo que solo tenemos una pantalla y cuando está encendida, está encendida. Y nos sentamos a ver una que otra cosa, pero completa. No me gusta ver estas cosas en mi teléfono o mi Ipad o lo que sea. Te sientas, las miras y es una experiencia comunitaria. Porque eso es de mi infancia, cuando solo había canales terrestres, entonces sintonizabas a una hora determinada y esas cosas las veías con la familia.

Y en cuanto a lectura, ¿qué hay en su mesa de noche ahora?

Bueno, comencé a leer La tierra inhabitable, de David Wallace-Wells. También estoy leyendo un libro de Alva Noë llamado Strange Tools, que trata sobre el arte y la naturaleza humana. Me encuentro leyendo mucha literatura de no ficción en este momento. Casi todos los días me levanto y leo algo. Me levanto para hacer ejercicio, pero al final termino haciendo unicornios de aluminio con mi hija, cocinar; hoy pasé la aspiradora y eso se sintió como un logro (risas).

Cate Blanchett fue uno de los rostros más destacados en los años 90. 

Foto:

Jeff Haynes / AFP – Valery Hache / AFP

(Le sugerimos: La directora de cine Laura Mora habló en BOCAS de su banda de punk, la violencia en Colombia y más)

Otra producción que toca fibras sociales fuertes ha sido Stateless (Desplazados). ¿Qué la movió a producir y actuar en una serie sobre migrantes en Australia?

Es muy interesante la forma en que la noción de personas que buscan asilo ?que es un derecho humano fundamental? y las nociones de igualdad ?que están en la base de varias constituciones? se han politizado. En realidad, no veo esas cosas como cuestiones políticas; creo que todos en ambos lados de la ecuación deberían ver esas cosas como parte del ser humano. No teníamos idea de cuán relevante se volvería, cómo surgiría cuando estábamos filmando, y cómo Trump sería elegido presidente, la Marcha de las Mujeres, el numeral #MeToo y todas las complicaciones relacionadas, todas esas cosas pasaron después de la decisión de hacerlo. Pero creo que cuando reaccionas instintivamente al trabajo como lo hago yo, de alguna manera aprovechas una vena más profunda.

¿Siente entusiasmo por el mundo en el que van a crecer las nuevas generaciones de mujeres en el futuro?

En cierto nivel sí. Tienes que vivir con esperanza, particularmente cuando tienes hijos, hijas o sobrinos o nietos. Lo que le estamos haciendo al planeta realmente me molesta. Creo que esta generación tiene una cantidad increíble de dificultades con las que estoy muy triste de que tengan que lidiar, por ejemplo, los efectos de la pandemia. Eso alterará su relación consigo mismos y con el mundo. Pero con suerte, porque los seres humanos somos criaturas inventivas todos los días, con suerte eso los llevará no a la desesperación, sino a la invención. Quiero enfatizar eso, con suerte.

La edición #124 está en circulación desde el domingo 18 de diciembre de 2022.

Gracias por leernos.
Esta entrevista fue realizada por Mario Amaya.
Fotos de Getty
Edición 124 Diciembre 2022 – Enero 2023

(Le recomendamos otra entrevista BOCAS: Katherine Miranda: ‘Toda mi familia es policía. Soy la oveja negra’)?

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Cate Blanchett: ‘Todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy’

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No hay un personaje en la prolífica y multifacética carrera de Cate Blanchett que le quede grande. Desde su primer gran papel como la reina Isabel l en Elizabeth (1998), pasando por la reina elfa Galadriel en la trilogía El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo (2001), o su adaptación del cantautor Bob Dylan en I’m Not Here (2007), hasta la temida villana en Thor: Ragnarok (2017) de la saga Marvel, la genial actriz australiana ha sabido brillar. Hoy, a sus 50 años, ha sumado una carrera que la ha puesto en el altar de Hollywood y que le ha dejado el sobrenombre de camaleónica y versátil. Pero no siempre ha recibido elogios.

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La edición #124 de la Revista BOCAS está en circulación desde el 18 de diciembre de 2022.

Durante sus inicios, en 1993, con su elegante actuación en Kafka Dances y su interpretación de una estudiante universitaria que presenta cargos de acoso sexual contra su profesor (Geoffrey Rush) en la obra de David Mamet, Oleanna (1993), generó muy buenas críticas. Como una premonición de lo que sería su futuro, enseguida recibió el premio a mejor revelación y mejor actriz en el equivalente australiano al Premio Tony.

En 1996, hizo su debut cinematográfico en el corto Parklands (1996), pero pronto obtuvo su primer papel como una de las mujeres internadas en un campamento japonés en el drama de la era de la Segunda Guerra Mundial Paradise Road (1997), donde atrajo aún más la atención. Con su aparición en la comedia oscura Thank God He Met Lizzie (1997) recibió el premio a mejor actriz de reparto del Instituto de Cine Australiano de 1997.

Su estatus de estrella en ascenso se confirmó cuando consiguió el papel principal en la película biográfica Elizabeth (1998), al lado de Geoffrey Rush y Joseph Fiennes. Blanchett entregó un papel brillante con una creación multidimensional que obtuvo numerosos elogios, incluida una nominación al Óscar como mejor actriz.

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A sus 53 años, la intérprete goza de una prolífica carrera con más de 20 producciones teatrales y 70 películas.

Sin embargo, cuando Blanchett hizo su debut en los escenarios de Londres en 1999 con la obra Plenty de David Hare, las críticas sobre la obra fueron mordaces, tanto contra la obra como contra su actuación. Esto hizo que por mucho tiempo se negara a leer reseñas de su trabajo. ?Aprendí que uno tiene que saber leer entre líneas lo que se debe mejorar en este trabajo a través de los propios compañeros y del público, pero no de la crítica?, comentó al respecto.

La actriz continuó alternando entre vistosos papeles secundarios y protagonistas. Mientras tanto, tuvo un papel pequeño, pero significativo, como la reina elfa Galadriel en la épica trilogía de El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo (2001), Las dos torres (2002) y El retorno del rey (2003).

La australiana, a quien Leonardo DiCaprio en ese momento se refirió como ?la versión femenina de Daniel Day-Lewis? por sus cualidades camaleónicas, abordó dos papeles muy diferentes en el 2004. Primero como una periodista embarazada atrapada en un triángulo romántico en la comedia de Wes Anderson The Life Aquatic with Steve Zissou. Luego, capturó el carisma jovial de la superestrella de Hollywood Katharine Hepburn, una de los amantes de Howard Hughes (DiCaprio), en la película biográfica del magnate dirigida por Martin Scorsese, El aviador.

Blanchett fue ampliamente reconocida por su actuación y ganó varios premios a mejor actriz de reparto, incluido, por fin, el Premio Óscar de la Academia. Su victoria le dio la distinción única de convertirse en la primera actriz en ganar un Premio de la Academia por interpretar a una actriz ganadora del Óscar.

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Ahora su interpretación en TÁR, del director Todd Field, podría encaminarla a su octava nominación en los Premios Óscar.

En el 2005 protagonizó el thriller australiano Little Fish, para después, en el 2006, protagonizar la compleja Babel, de Alejandro González Iñárritu. Ese mismo año apareció en The Good German y en Notes on a Scandal, interpretando a una nueva y atractiva profesora de arte en una escuela secundaria de Londres que se involucra en una aventura ilícita con un estudiante de 15 años, en un papel que le valió una nominación al Globo de Oro y al Óscar a mejor actriz de reparto.

En el 2007, Blanchett se transformó para interpretar al cantautor Bob Dylan en I’m Not Here. Tan impresionante fue su transformación en un hombre que ganó el Globo de Oro a mejor actriz de reparto, allanando el camino para una nominación al Óscar.

Por ese tiempo, fue elegida como una agente soviética que lucha contra Harrison Ford en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (2008). A partir de ahí, volvió al drama con El curioso caso de Benjamin Button (2008), donde interpretó al amor de toda la vida de un hombre (Brad Pitt) que misteriosamente rejuvenece en vida.

Siguió con un papel protagónico como Lady Marian en Robin Hood (2010), para volver a interpretar a una villana en el thriller de acción Hanna (2011). Luego repitió su rol de Galadriel en la muy esperada adaptación de El Hobbit, de Peter Jackson. Al año siguiente, ganó elogios como una mujer rica que atraviesa un giro de historia personal y financiera en Blue Jasmine, de Woody Allen, con la que ganó el Óscar a mejor actriz. Su siguiente actuación en el drama romántico de Todd Haynes ambientado en la década de 1950, Carol (2015), volvió a ser nominada a varios premios.

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Foto:

Sony Pictures Classics(EE.UU.) Warner Bros. Pictures(Internacional)

Nunca pensé en mi identidad como algo estático. Creo que todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy

En el 2017 protagonizó la obra Platónov de Antón Chéjov, dirigida por John Crowley, que marcó el debut de Blanchett en Broadway, e interpretó a la villana Hela en la película de Marvel Thor: Ragnarok, dirigida por Taika Waititi. En el 2019, protagonizó Where’d You Go, Bernadette, una adaptación del libro del mismo nombre, por la que recibió su décima nominación al Globo de Oro por su actuación en la película.

Debido a su amplia trayectoria, Blanchett ha sido galardonada con la Medalla del Centenario por Servicio a la Sociedad Australiana por parte del gobierno australiano, así como fue nombrada dama de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno francés en el 2012. Recibió un doctorado en Letras de la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie en reconocimiento a su extraordinaria contribución a las artes, la filantropía y la comunidad. En el 2015, fue honrada por el Museo de Arte Moderno y recibió la Beca del Instituto Británico de Cine en reconocimiento a su destacada contribución a la industria.

En el 2017, fue nombrada Compañera de la Orden de Australia por ?servicio eminente a las artes escénicas como actriz internacional de teatro y cine, a través de contribuciones fundamentales como directora de organizaciones artísticas, como modelo a seguir para mujeres y artistas jóvenes, y como partidario de causas humanitarias y medioambientales?.

En suma, la actriz ha aparecido en más de 70 películas y más de 20 producciones teatrales. Al momento, las películas de Blanchett han recaudado más de 9.900 millones de dólares en la taquilla mundial.

Cate Blanchett nació el 14 de mayo de 1969 en Melbourne, Australia, y creció en los suburbios de esta urbe. Su madre, June, era maestra de escuela y su padre, Robert, un marinero de la Armada nacido en Texas que terminó en la tierra de los canguros cuando su barco se averió. Allí, asistió a la escuela nocturna e hizo una carrera en publicidad. Pero cuando Blanchett tenía solo 10 años de edad, este murió de un repentino ataque al corazón, a los 40 años.

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En 1998 protagonizó Elizabeth, con la que se llevó un Globo de Oro a mejor actriz

Desde pequeña, la actriz desarrolló una pasión por las películas y durante la secundaria participó en algunas obras de teatro. Empezó sus estudios en economía y artes en la Universidad de Melbourne, pero los abandonó al descubrir su verdadera vocación. Entre 1990 y 1992 estudió en el Instituto Nacional de Arte Dramático, y con su actuación como Clitemnestra en una producción de Electra, de Sófocles, desarrolló una reputación temprana como una talentosa actriz. Actualmente está casada con el dramaturgo australiano Andrew Upton desde 1997, tienen cuatro hijos: Dashiell John, de 21 años; Roman Robert, de 17; Ignatius Martin, de 14, y Edith Vivian Patricia, a quien adoptaron en el 2015.

Recientemente, Blanchett protagonizó la serie dramática australiana de televisión Stateless, que se basa en el controvertido caso de detención obligatoria migratoria en Australia, donde también se desempeñó como creadora, directora y productora ejecutiva. Además, encabezó y produjo la miniserie de drama histórico Mrs. America como la activista conservadora Phyllis Schlafly. Luego participó junto a Bradley Cooper en la adaptación de Guillermo del Toro de Nightmare Alley, de William Lindsay Gresham.

Ahora con TÁR, del director Todd Field, vuelve a ser la actriz más nombrada en el momento en los círculos de la prensa especializada del cine en Hollywood. Cate Blanchett ha estado despertando muy fuertes rumores de una nominación a los Óscar por su interpretación como Lydia Tár, una brillante directora de orquesta alemana que encuentra su carrera descarrilada por un escándalo. Su vida da un vuelco cuando encuentra interés en la última incorporación a la orquesta, una joven violonchelista rusa, Olga (Sophie Kauer). Desde ese momento, la vida de Lydia Tár, construida bajo las columnas de ser una figura pública, comienza a desmoronarse de manera salvaje, en una historia que deja la inquietud de si todos los grandes artistas tienen una sombra monstruosa detrás de ellos y que, al final de cuentas, también son humanos.

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Tal vez hemos madurado lo suficiente como especie para poder ver una película como esta y no convertir su preferencia sexual en el tema principa

La estrella australiana comentó al respecto: ?Definitivamente Lydia está obsesionada por su pasado, por ella misma, por hechos pasados. Era alguien ajena a sí misma. Y creo que, en cierto modo, probablemente todos los personajes lo son. Todos lo somos, es humano. No es necesario ser concertista de piano o director de la mejor orquesta del mundo para experimentar ese sentimiento. Simplemente es un retrato muy humano?.

En la película, Field no solo arrojó luz sobre lo que puede suceder detrás de escena de las orquestas de todo el mundo, sino que también elaboró ??una historia moderna sobre el movimiento Me Too y el examen del poder en la sociedad. En Venecia, el director dejó claro que el guion y el personaje fueron escritos específicamente para Cate. ?Pasé unos meses con Cate Blanchett antes de empezar a hablar con ella del asunto y dejarle saber que estaba construyendo un personaje que encajara perfectamente para ella?, señaló.

Los talentos casi ilimitados de Blanchett también se muestran en esta película: toca el piano y dirige una orquesta de manera impresionante. También habla muy bien alemán. ?Cada personaje viene con algo nuevo que aprender y demostrar. Nunca pensé en mi identidad como algo estático. Creo que todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy?.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, 2008

Usted ha hecho personajes complejos como el de Elizabeth. ¿Cómo fue interpretar a Lydia, una mujer tan poderosa?

Ella es una gran artista, pero como ser humano sabe que el único camino a seguir es hacia abajo y eso requiere una enorme cantidad de coraje, y eso en sí mismo tal vez haga que parezca que sea una película de suspenso con tinte de terror. Lydia puso su pasado en una caja y a través de su gran talento ha tratado de reinventarse y ser salvada, cambiada y transfigurada por la música, pero algo la persigue. Todd es el rey de hacer sufrir a sus personajes de la mejor manera posible. Creo que eso es lo que lo convierte en un gran, gran cineasta. Cuando todos pensamos en los hilos realmente integrales de la película, de pronto él los deja ir. ?Necesito dejar que existan homeopáticamente dentro de la película?, son sus palabras.

¿Cambió su visión o comprensión de Lydia desde que Todd le habló de ella hasta que terminaron de rodar la película?

Creo que es un sello distintivo de las películas de Todd, que son profundamente humanas y que te invitan de una manera íntimamente inquebrantable con las maquinaciones internas de las personas. Supe desde la primera sílaba del guion, que está tan bellamente elaborado, que era un personaje realmente complejo. Y es una película de proceso. Entonces, la experiencia de hacerlo fue un proceso y evolucionó y cambió. Ella está en una serie de contradicciones, Lydia Tár es muchas cosas y ha tenido una carrera variada. Entonces, el truco es la dificultad de tratar de tejer la psicología entre esas experiencias.

En un momento en que los derechos LGBT+ están bajo ataque en todo el mundo, ¿cuál es la importancia de crear realmente estos retratos dinámicos de mujeres?

Creo que es importante que exista a nivel social. La homogeneidad en cualquier forma de arte es la muerte, pero soy muy cautelosa al juntar la palabra importancia con la palabra arte porque no veo que la práctica artística sea una herramienta educativa. Creo que lo que la gente hace con ella después del hecho ?que se disgusten, se ofendan, se inspiren? está fuera de nuestro control. Pero creo que estamos obligados a hacerlo. Se siente urgente e innegable.

La última vez que la vimos encarnar a un personaje gay fue en Carol

Extrañamente, no pensé en el género del personaje, ni en su sexualidad en absoluto. Creo que eso me encanta de la película. Simplemente es un retrato muy humano. Tal vez hemos madurado lo suficiente como especie para poder ver una película como esta y no convertir su preferencia sexual en el tema principal. Simplemente es. Creo que encontré eso muy, muy emocionante. Por supuesto, como dice Todd, esto es una especie de cuento de hadas porque todavía no hay una directora que dirija la gran orquesta antigua alemana en todo el mundo. Sigue siendo una estructura muy piramidal. Es muy patriarcal. Ese es el canon. Generalmente las mujeres llegan a dirigir una música más romántica. Ahora ese panorama está cambiando. Pero, ¿necesitamos seguir politizándolo, para que el cambio se vuelva continuo y normalizado porque es una forma de arte mucho más saludable? Cada vez que un director toma una partitura está reinventando la rueda con su instrumento, la orquesta.

Cate Blanchett – Tar- Festival de Venecia

¿Es importante mostrar diversos ángulos humanos en el cine?

En el momento en que hice Carol me di cuenta de lo importante que se volvió para la gente. Era algo que teníamos que hacer; fue igual con TÁR. Aunque hay muchos temas candentes que surgen en esta película, no se trata de ninguna de esas cosas. Son dispositivos de trama, son la textura porque la película está hecha en el tiempo en que vivimos. Hay muchas cosas explosivas en la película, pero, sin querer sonar demasiado presumida, creo que para mí es mucho más existencial que eso.

Dado que esta película también trata sobre la dinámica y la injusticia de los poderes, ¿se sintió impotente de alguna manera al comienzo de su carrera?

El panorama ciertamente ha cambiado. Cuando entré en la industria del cine, lo que parece fue hace mucho tiempo, hubo una sensación en la que recuerdo que mi esposo me dijo de una manera increíblemente comprensiva: ?Disfrútalo, cariño. Tienes cinco años si tienes suerte?. Ya había trabajado en teatro y nunca esperé tener una carrera cinematográfica, porque así era para las mujeres. Creo que hay muchas personas que han estado cambiando ese panorama, además de las actrices pioneras que traspasaron los límites. Lo interesante es que teníamos hombres increíbles a nuestro lado y un hombre al frente dirigiendo. Pero es muy difícil lograr que nuestros hermanos en el llamado ?Hollywood? desempeñen los papeles secundarios que nosotras interpretaremos muy felizmente en una buena historia y con un buen director. Eso todavía es difícil.

¿Y siente que personalmente está evolucionando?

Estás en constante evolución. Quiero decir, eso es lo maravilloso de los humanos: tenemos la capacidad de cambiar tanto individual como colectivamente, lo que me da esperanza sobre el futuro del planeta, podemos cambiar esta nave. Es una relación muy interesante. La dinámica de poder es cambiante, es decir, cuando trabajas con personas, en cualquier contexto, la relación es muy íntima. Y, en esencia, sin importar en qué negocio uno se encuentre, la discreción lo es todo. Entonces, creo que algo que es realmente primordial en la relación es la confianza. Como metáfora de la película, la confianza es muy importante en cualquier empeño creativo, en cualquier relación, ya sea interpersonal o profesional. Hablamos mucho con Todd sobre la historia de fondo, y creo que Lydia Tár fue muy, muy acosada. Entonces, la traición es una gran cosa para ella, así como la confianza. Confiar en las personas es un gran acto de fe. El perdón es bastante difícil, creo.

Recientemente usted protagonizó la serie de televisión Mrs. America, que tiene un enfoque feminista, que de alguna manera también lo toca en TÁR. ¿Se considera una mujer feminista?

Yo fui criada por una madre soltera, y mi abuela estaba en casa, lo cual era genial. Mi mamá no se identificaba como feminista, porque había crecido en otra época. Creo que, en los años 70, la noción era que si eras feminista, eras anti-familia y, por supuesto, todos entendemos que la familia es el bloque de construcción básico de la sociedad. Mi madre creció con esa sensibilidad, así que a pesar de que era una madre soltera que trabajaba, con todos los desafíos que eso conlleva, yo, su hija, me identifiqué como feminista, pero ella no. Había un estigma en torno a identificarse como una mujer autorrealizada que sentía que podía lograr cualquier cosa en línea con sus contrapartes masculinas. No entendía el problema, pero me doy cuenta en retrospectiva de que hubo un estigma real que surgió del movimiento de liberación de la mujer.

Cate Blanchett posa en la alfombra roja en la 36 edición de los Premios Goya en el Palau de les Arts de Valencia (España).

¿Siente que la sociedad se ha sofisticado en su actitud hacia la mujer?

No creo que nada haya cambiado; creo que ha habido un profundo retroceso. Pienso que en los cismas dentro de la sociedad estadounidense, donde vivo con mi familia, todavía hay personas que se identifican a sí mismas como mujeres tradicionales, casi como un acto de desafío a la noción del movimiento Me Too, que trata sobre la igualdad. No quieren ser marginadas o entrar en una etapa que sucedió en los años 70, donde las mujeres tradicionales, amas de casa, se sintieron extrañas, alienadas y marginadas por la ola del feminismo.

¿Cuáles han sido las mujeres más influyentes en su vida, y qué voces de mujeres hoy son relevantes para usted?

Dios mío, tantas voces; a menudo son las voces de las personas marginadas que no son necesariamente teóricas en las que encuentro más consuelo. Pero encuentro que para mí personalmente, siendo australiana, la escritora Germaine Greer me ha conmovido profundamente. Miras sus reuniones en el ayuntamiento y sus discursos, sus escritos, su audacia y el hecho de que ella era australiana en una especie de paisaje australiano suburbano aparentemente cortés, simplemente voló todo fuera del agua. Así que tendría que decir que ella sería una de las más profundamente influyentes. No necesariamente estoy de acuerdo con todo lo que ha dicho a lo largo de los años, pero siempre vale la pena escucharla.

La televisión se convirtió en un elemento muy importante para muchas personas, tal vez más tras la pandemia. ¿Cómo influye la televisión en su vida?

La televisión ha tenido una profunda influencia desde mi infancia. Gran parte de la televisión que consumía era del apogeo de la televisión británica y estadounidense. No consumía mucha de la programación australiana. Pero he estado obsesionándome con ciertas series. Recientemente, debido a que nuestro hijo menor no lo había visto, volvimos a los días de Los Soprano. Fue realmente emocionante regresar y volver a experimentar eso con nuestro hijo menor, porque, por supuesto, como espectador, absorbes estas influencias, pero luego no te das cuenta de cómo. Volví a ver El reino de Lars Von Trier con nuestro hijo mayor, y El decálogo, que es una de mis piezas de televisión favoritas de todos los tiempos. Uno puede cometer un suicidio virtual, hay mucho que hacer; el miedo a perderse es tan grande porque la cantidad de productos en este momento es muy grande. Así que creo que he estado retrocediendo en el tiempo en lugar de avanzar cuando se trata de ver producciones televisivas.

¿Qué opina de ver televisión en celular o tablet?

Prefiero ver programas sin interrupciones, por lo que solo tenemos una pantalla y cuando está encendida, está encendida. Y nos sentamos a ver una que otra cosa, pero completa. No me gusta ver estas cosas en mi teléfono o mi Ipad o lo que sea. Te sientas, las miras y es una experiencia comunitaria. Porque eso es de mi infancia, cuando solo había canales terrestres, entonces sintonizabas a una hora determinada y esas cosas las veías con la familia.

Y en cuanto a lectura, ¿qué hay en su mesa de noche ahora?

Bueno, comencé a leer La tierra inhabitable, de David Wallace-Wells. También estoy leyendo un libro de Alva Noë llamado Strange Tools, que trata sobre el arte y la naturaleza humana. Me encuentro leyendo mucha literatura de no ficción en este momento. Casi todos los días me levanto y leo algo. Me levanto para hacer ejercicio, pero al final termino haciendo unicornios de aluminio con mi hija, cocinar; hoy pasé la aspiradora y eso se sintió como un logro (risas).

Cate Blanchett fue uno de los rostros más destacados en los años 90. 

Foto:

Jeff Haynes / AFP – Valery Hache / AFP

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Otra producción que toca fibras sociales fuertes ha sido Stateless (Desplazados). ¿Qué la movió a producir y actuar en una serie sobre migrantes en Australia?

Es muy interesante la forma en que la noción de personas que buscan asilo ?que es un derecho humano fundamental? y las nociones de igualdad ?que están en la base de varias constituciones? se han politizado. En realidad, no veo esas cosas como cuestiones políticas; creo que todos en ambos lados de la ecuación deberían ver esas cosas como parte del ser humano. No teníamos idea de cuán relevante se volvería, cómo surgiría cuando estábamos filmando, y cómo Trump sería elegido presidente, la Marcha de las Mujeres, el numeral #MeToo y todas las complicaciones relacionadas, todas esas cosas pasaron después de la decisión de hacerlo. Pero creo que cuando reaccionas instintivamente al trabajo como lo hago yo, de alguna manera aprovechas una vena más profunda.

¿Siente entusiasmo por el mundo en el que van a crecer las nuevas generaciones de mujeres en el futuro?

En cierto nivel sí. Tienes que vivir con esperanza, particularmente cuando tienes hijos, hijas o sobrinos o nietos. Lo que le estamos haciendo al planeta realmente me molesta. Creo que esta generación tiene una cantidad increíble de dificultades con las que estoy muy triste de que tengan que lidiar, por ejemplo, los efectos de la pandemia. Eso alterará su relación consigo mismos y con el mundo. Pero con suerte, porque los seres humanos somos criaturas inventivas todos los días, con suerte eso los llevará no a la desesperación, sino a la invención. Quiero enfatizar eso, con suerte.

La edición #124 está en circulación desde el domingo 18 de diciembre de 2022.

Gracias por leernos.
Esta entrevista fue realizada por Mario Amaya.
Fotos de Getty
Edición 124 Diciembre 2022 – Enero 2023

(Le recomendamos otra entrevista BOCAS: Katherine Miranda: ‘Toda mi familia es policía. Soy la oveja negra’)?

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Cate Blanchett: ‘Todavía estoy en el proceso de convertirme en quien soy’

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Avatar: The Way of Water star Jack Champion’s performance as Spider has been criticized, but it fits the Avatar universe perfectly.

Although some have complained that Jack Champion’s portrayal of Spider in Avatar: The Way of Water is overdone, these critics miss the character in the Avatar franchise. While there’s a time and place for subtle performance, blockbuster action movies can often benefit from acting that would typically be considered overdone, cheesy, or otherwise unsubtle. As a result, it’s surprising to see critics pointing fingers at newcomer Jack Champion’s performance in Avatar: The Way of Water.

Son of Stephen Lang’s Avatar villain Quaritch, Champion’s Spider is a human who wishes to be Na’vi and fights alongside them. He’s part of Jake Sully’s big family and pulls his weight in the early fight scenes, though his natural disadvantage means he’s soon taken hostage by Quaritch’s Na’vi avatar. In the assertive subplot, Champion does much of the dramatic work for the blockbuster sequel as a conflicted hero who realizes that Quaritch is more than a simple, amoral monster. Spider’s reaction to this – and everything else – isn’t subtle, but it’s an intentional and wise choice.

Why Avatar 2 Needed Spider’s Superaction

Champion is undeniably overkill as Spider, and his performance is cheesy at times. However, he also plays the son of Stephen Lang’s Quaritch, the villain who gave Avatar its most memorable monster. Lang is a star who has made an iconic career out of hammy and over-the-top performances, which makes Champion’s decision to match Lang’s explosive approach a perfect fit. Spider’s Journey wouldn’t work if its voice actor gave a low-key, subtle performance, as his character arc takes place in the epic, over-the-top milieu of Avatar: The Way of Water, something Lang instinctively recognized in Avatar and Champion. successfully thereafter.

Spider is perfect as Quaritch’s son

Spider’s frenzied anger, inarticulate sullenness, and occasional outbursts of potentially ridiculous emotion all align with Quaritch’s human and avatar depictions. Although the characters are very different in terms of their respective moral compasses, Spider and Quaritch are similar enough to look like direct relatives, which is impressive considering one of them is a 9-foot-tall blue alien. Avatar: The Way of Water’s box office success came as a surprise to some critics, but it’s likely the same critics who took issue with Champion’s goofy, goofy portrayal of Spider. The blockbuster has succeeded with audiences, not despite its silliness, but precisely because of how much Avatar: The Way of Water embraces its absurd elements.

James Cameron’s Love for Overaction

From Billy Zane’s villainous turn in Titanic, to Bill Paxton’s infamous ad-lib in Aliens, to Schwarzenegger as the Terminator (and of course, Lang as Quaritch), James Cameron has always encouraged certain over-the-top performances to compete. with the visual splendor of his films. A toned down approach to acting would clash horribly with the sequel’s tone and style, which is why Kate Winslet played her role in Avatar: The Way of Water as dramatically as Champion’s Spider. This performance garnered less critical backlash for two reasons, neither of which substantiates complaints about Champion’s take on Spider.

On the one hand, playing the Na’vi character gives actors in motion-capture suits an excuse to overact, since they’re playing members of an imaginary alien species. However, this doesn’t hold up too much to scrutiny since the whole message of Avatar and Avatar: The Way of the Water is that the Na’vi think and feel beings with complex emotional lives, much like humans, rather than the overly emotional savages that the Marines consider them to be. There’s also the excuse that Winslet is a far more established actor than Champion, which is why she can take greater creative risks and avoid criticism.

The wild-eyed fury of Zoe Saldana as Neytiri in the Avatar: The Way of Water ending proves that established, award-winning stars know that massive action extravaganzas require huge, hard-hitting gameplay that risks looking ridiculous. However, in a time when one performance can launch up-and-coming stars like Joseph Quinn or Jenna Ortega into the A-list overnight, relative inexperience is no reason for Champion to play it safe in the role of Spider. The actor made a risky choice in matching Avatar star Stephen Lang beat for beat, and the decision is to be commended as it gave Avatar: The Way of Water a stellar and deservedly over-the-top central twist.

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Avatar 2’s Spider Complaints Completely Miss The Point | Pretty Reel


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Avatar: The Way of Water star Jack Champion’s performance as Spider has been criticized, but it fits the Avatar universe perfectly.

Although some have complained that Jack Champion’s portrayal of Spider in Avatar: The Way of Water is overdone, these critics miss the character in the Avatar franchise. While there’s a time and place for subtle performance, blockbuster action movies can often benefit from acting that would typically be considered overdone, cheesy, or otherwise unsubtle. As a result, it’s surprising to see critics pointing fingers at newcomer Jack Champion’s performance in Avatar: The Way of Water.

Son of Stephen Lang’s Avatar villain Quaritch, Champion’s Spider is a human who wishes to be Na’vi and fights alongside them. He’s part of Jake Sully’s big family and pulls his weight in the early fight scenes, though his natural disadvantage means he’s soon taken hostage by Quaritch’s Na’vi avatar. In the assertive subplot, Champion does much of the dramatic work for the blockbuster sequel as a conflicted hero who realizes that Quaritch is more than a simple, amoral monster. Spider’s reaction to this – and everything else – isn’t subtle, but it’s an intentional and wise choice.

Why Avatar 2 Needed Spider’s Superaction

Champion is undeniably overkill as Spider, and his performance is cheesy at times. However, he also plays the son of Stephen Lang’s Quaritch, the villain who gave Avatar its most memorable monster. Lang is a star who has made an iconic career out of hammy and over-the-top performances, which makes Champion’s decision to match Lang’s explosive approach a perfect fit. Spider’s Journey wouldn’t work if its voice actor gave a low-key, subtle performance, as his character arc takes place in the epic, over-the-top milieu of Avatar: The Way of Water, something Lang instinctively recognized in Avatar and Champion. successfully thereafter.

Spider is perfect as Quaritch’s son

Spider’s frenzied anger, inarticulate sullenness, and occasional outbursts of potentially ridiculous emotion all align with Quaritch’s human and avatar depictions. Although the characters are very different in terms of their respective moral compasses, Spider and Quaritch are similar enough to look like direct relatives, which is impressive considering one of them is a 9-foot-tall blue alien. Avatar: The Way of Water’s box office success came as a surprise to some critics, but it’s likely the same critics who took issue with Champion’s goofy, goofy portrayal of Spider. The blockbuster has succeeded with audiences, not despite its silliness, but precisely because of how much Avatar: The Way of Water embraces its absurd elements.

James Cameron’s Love for Overaction

From Billy Zane’s villainous turn in Titanic, to Bill Paxton’s infamous ad-lib in Aliens, to Schwarzenegger as the Terminator (and of course, Lang as Quaritch), James Cameron has always encouraged certain over-the-top performances to compete. with the visual splendor of his films. A toned down approach to acting would clash horribly with the sequel’s tone and style, which is why Kate Winslet played her role in Avatar: The Way of Water as dramatically as Champion’s Spider. This performance garnered less critical backlash for two reasons, neither of which substantiates complaints about Champion’s take on Spider.

On the one hand, playing the Na’vi character gives actors in motion-capture suits an excuse to overact, since they’re playing members of an imaginary alien species. However, this doesn’t hold up too much to scrutiny since the whole message of Avatar and Avatar: The Way of the Water is that the Na’vi think and feel beings with complex emotional lives, much like humans, rather than the overly emotional savages that the Marines consider them to be. There’s also the excuse that Winslet is a far more established actor than Champion, which is why she can take greater creative risks and avoid criticism.

The wild-eyed fury of Zoe Saldana as Neytiri in the Avatar: The Way of Water ending proves that established, award-winning stars know that massive action extravaganzas require huge, hard-hitting gameplay that risks looking ridiculous. However, in a time when one performance can launch up-and-coming stars like Joseph Quinn or Jenna Ortega into the A-list overnight, relative inexperience is no reason for Champion to play it safe in the role of Spider. The actor made a risky choice in matching Avatar star Stephen Lang beat for beat, and the decision is to be commended as it gave Avatar: The Way of Water a stellar and deservedly over-the-top central twist.

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While it’s most aspiring actor’s daydream to become a movie star, many who achieve that dream may soon find their success a nightmare if they find themselves typecast. Trapped in the same performance over and over again, it’s an infuriating and repetitive career trap that has limited the talents of many great actors.

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Some actors have gone to extreme and drastic lengths to break the typos they have fallen into, even risking alienating fans from their image for showing the full extent of their range. From masters of comedy adding strings to their bow to heroic good guys showing just how bad they can be, these actors are putting everything on the line to earn the versatile careers they have today.

Jonah Hill

Jonah Hill made a name for himself with his roles in several Judd Apatowin comedies of the 2000s, including her first starring role in 2007 super bad. As his comedy streak continued into the early 2010s, Hill was eager to crack his typography as a foul-mouthed sidekick in slacker comedies and did so with a revealing performance in the sports biopic. silver ball.

He earned his first Oscar nomination for his performance as Peter Brand before getting his second for the wolf of Wall Street. It was a risk that might have left Hill open to criticism, but his impressive performances opened the door for him to become a versatile acting talent, and even led to his 2018 directorial debut. Mid 90s.

Bryan Cranston

Make his first big impression as the father of Malcolm in the middle after having had minor recurring roles on a number of 90s sitcoms, Bryan Cranston was defined by his unflinching comedic instincts that so often stole the show. In 2008, he starred in the first season of AMC’s crime drama breaking Bad which turned out to be one of the biggest TV hits ever.

His performance, showcasing Walter White’s steep moral decline, threatened to tarnish the lovable jester image that forged his career. The risk paid off, however, with Cranston winning four Primetime Emmies for his acting throughout the series and paving the way for an illustrious film and television career ever since.

RELATED: 10 Best ‘Breaking Bad’ Episodes, According To IMDb

Matthew McConaughey

Image via focus features

After establishing itself in the 1990s with major roles in some of the best dramas of the decade, Matthew McConaughey found a cozy niche in the 2000s as a leading man in romantic comedies. Typing resulted in a reliable source of income for McConaughey, but he made a major shift to more dramatic roles in the early 2010s.

The change didn’t reap any instant financial rewards either, but it did restore McConaughey’s acting skills and lead to his Oscar-winning performance in Dallas Buyers Club. He then starred in real detective and Interstellar in 2014, cementing his position as one of the greatest actors of his generation.

Daniel Radcliffe

Daniel Radcliffe in Imperium
Image via Lionsgate Premiere

Starring in a blockbuster movie franchise as a child actor over the course of a decade can be both a blessing and a curse, because Daniel Radcliffe learned too well. Eager to go beyond his depiction of Harry Potter, Radcliffe broke the mold almost immediately after the Harry Potter the films ended, appearing in a series of dark horrors and dramas in the early 2010s.

His primary role as an undercover FBI agent who infiltrates Imperium This is where many started to really differentiate it from Harry Potter. His career has taken another turn in recent years with a big shift towards quirky characters. Akimbo Firearms aroused interest, his villainous role in The lost city was a highlight of the movie, and Bizarre: the story of Al Yankovic has what it takes to become a cult classic hit.

Robert Pattinson

Not so long ago, the British actor was one of the most polarizing figures in cinema as Edward Cullen in the Dusk movies. Featured in several other romantic films at the time, Robert Pattinson was watching a career limited to being the love interest and living in the shadow of the Dusk saga.

He actively pursued larger roles in the years that followed, with his performance in Australian New West the rover a major change from the actor that set him on the path to independent films. Throughout the rest of the 2010s, he garnered acclaim in pictures like Good time and Lighthouse before bursting again Principle and, of course, the superhero blockbuster The Batman.

RELATED: Robert Pattinson’s Performances To Watch After ‘The Batman’

Steve Carell

One of the most successful and versatile comics the entertainment industry has ever seen, Steve Carell became a major star in the 2000s with his hilarious performances for film and television. Excelling as lovable idiots who engage in painfully awkward encounters they can’t navigate, his work in Office and The 40 year old virgin remain beloved comedic performances to this day.

While his acting career remains active, Carell took a major risk to get into drama with the 2014 sports crime biopic foxcatcher. An unrecognizable performance from Carell, it was completely depleted of his comedic prowess and earned him an Oscar nomination. He has shown his dramatic talent regularly since with fantastic performances in The big court and Handsome boy among others.

Anne Hathaway

Anne Hathaway in Brokeback Mountain
Image via focus features

Throughout his career, Anne Hathaway was something of a Disney Princess, starring in The Diary of a Princess and other early 2000s family comedies before making a seismic transition to more adult films later in the decade. While Ravaged stands as the first of his forays into grittier roles was his performance in Brokeback Mountain who heralded her as a real acting talent to be taken seriously.

Hathaway has become one of Hollywood’s most versatile talents, appearing in everything from iconic comedies to gripping dramas and hit epics. She was nominated for two Oscars, including one for her heartbreaking supporting role in the 2012 musical drama Wretched.

Elijah Wood

Elijah Wood started out as a prolific child actor in the 1990s, starring in numerous films across a range of genres before breaking out as Frodo Baggins in the fantasy epic The Lord of the Rings trilogy. Wood almost avoided being typecast and moved away from heroic performance immediately afterwards in a risky career move that saw him have a wide range of interesting characters.

The decision saw Wood make an instant impact with his performances in Eternal sunshine of the spotless mind, city ??of sin and Green Street Hooligans. He’s appeared in everything from quirky comedies to baffling horrors since then, in a decorated and underrated film career post. The Lord of the Rings.

RELATED: Elijah Wood’s 11 Best Movies Since ‘The Lord Of The Rings’

tom hank

Tom Hanks in Philadelphia
Image via TriStar Pictures

With Outstanding Performance in the 1984 Film Splash, tom hank quickly became known for his charming and kind demeanor in leading roles in romantic comedies of the 80s and early 90s. Featured in films such as Big, Turner & Hoochand Insomnia in Seattlehis career trajectory seemed set in stone, but everything changed quite quickly.

Turning to drama with the years 1993 philadelphia cream showcased the full range of Hanks’ acting talents and won him his first Oscar. Just 12 months later, he won his second Oscar for Forrest Gump and has been considered one of Hollywood’s greatest and friendliest actors ever since.

Charlize Theron

Charlize Theron in Monster
Image via Newmarket Films

Moving from modeling to acting in the mid-1990s, Charlize Theron initially struggled for the job, but soon landed roles due to her striking appearance. She caught the eye with her brief performance in 2 days in the valley and, while she feared being typecast, was encouraged to continue in similar roles.

While she had something of a major breakout in 1997 Devil’s advocate ? and enjoyed a career boom in the years that followed ? it wasn’t until she starred in the 2003 biographical crime drama Freak that she took full control of her career. The confrontational performance won Theron an Oscar and led her to other leading roles that saw her become the action heroine she is known today.

NEXT: 8 Comedy Actors Who Were Awesome In Dramatic Roles

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10 Actors Who Escaped Typing By Taking Huge Risks – CNET


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) [summary] => While it’s most aspiring actor’s daydream to become a movie star, many who achieve that dream may soon find their success a nightmare if they find themselves typecast. Trapped in the same performance over and over again, it’s an infuriating and repetitive career trap that has limited the talents of many great actors. RELATED: 10 ... Read more [atom_content] =>

While it’s most aspiring actor’s daydream to become a movie star, many who achieve that dream may soon find their success a nightmare if they find themselves typecast. Trapped in the same performance over and over again, it’s an infuriating and repetitive career trap that has limited the talents of many great actors.

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Some actors have gone to extreme and drastic lengths to break the typos they have fallen into, even risking alienating fans from their image for showing the full extent of their range. From masters of comedy adding strings to their bow to heroic good guys showing just how bad they can be, these actors are putting everything on the line to earn the versatile careers they have today.

Jonah Hill

Jonah Hill made a name for himself with his roles in several Judd Apatowin comedies of the 2000s, including her first starring role in 2007 super bad. As his comedy streak continued into the early 2010s, Hill was eager to crack his typography as a foul-mouthed sidekick in slacker comedies and did so with a revealing performance in the sports biopic. silver ball.

He earned his first Oscar nomination for his performance as Peter Brand before getting his second for the wolf of Wall Street. It was a risk that might have left Hill open to criticism, but his impressive performances opened the door for him to become a versatile acting talent, and even led to his 2018 directorial debut. Mid 90s.

Bryan Cranston

Make his first big impression as the father of Malcolm in the middle after having had minor recurring roles on a number of 90s sitcoms, Bryan Cranston was defined by his unflinching comedic instincts that so often stole the show. In 2008, he starred in the first season of AMC’s crime drama breaking Bad which turned out to be one of the biggest TV hits ever.

His performance, showcasing Walter White’s steep moral decline, threatened to tarnish the lovable jester image that forged his career. The risk paid off, however, with Cranston winning four Primetime Emmies for his acting throughout the series and paving the way for an illustrious film and television career ever since.

RELATED: 10 Best ‘Breaking Bad’ Episodes, According To IMDb

Matthew McConaughey

Image via focus features

After establishing itself in the 1990s with major roles in some of the best dramas of the decade, Matthew McConaughey found a cozy niche in the 2000s as a leading man in romantic comedies. Typing resulted in a reliable source of income for McConaughey, but he made a major shift to more dramatic roles in the early 2010s.

The change didn’t reap any instant financial rewards either, but it did restore McConaughey’s acting skills and lead to his Oscar-winning performance in Dallas Buyers Club. He then starred in real detective and Interstellar in 2014, cementing his position as one of the greatest actors of his generation.

Daniel Radcliffe

Daniel Radcliffe in Imperium
Image via Lionsgate Premiere

Starring in a blockbuster movie franchise as a child actor over the course of a decade can be both a blessing and a curse, because Daniel Radcliffe learned too well. Eager to go beyond his depiction of Harry Potter, Radcliffe broke the mold almost immediately after the Harry Potter the films ended, appearing in a series of dark horrors and dramas in the early 2010s.

His primary role as an undercover FBI agent who infiltrates Imperium This is where many started to really differentiate it from Harry Potter. His career has taken another turn in recent years with a big shift towards quirky characters. Akimbo Firearms aroused interest, his villainous role in The lost city was a highlight of the movie, and Bizarre: the story of Al Yankovic has what it takes to become a cult classic hit.

Robert Pattinson

Not so long ago, the British actor was one of the most polarizing figures in cinema as Edward Cullen in the Dusk movies. Featured in several other romantic films at the time, Robert Pattinson was watching a career limited to being the love interest and living in the shadow of the Dusk saga.

He actively pursued larger roles in the years that followed, with his performance in Australian New West the rover a major change from the actor that set him on the path to independent films. Throughout the rest of the 2010s, he garnered acclaim in pictures like Good time and Lighthouse before bursting again Principle and, of course, the superhero blockbuster The Batman.

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Steve Carell

One of the most successful and versatile comics the entertainment industry has ever seen, Steve Carell became a major star in the 2000s with his hilarious performances for film and television. Excelling as lovable idiots who engage in painfully awkward encounters they can’t navigate, his work in Office and The 40 year old virgin remain beloved comedic performances to this day.

While his acting career remains active, Carell took a major risk to get into drama with the 2014 sports crime biopic foxcatcher. An unrecognizable performance from Carell, it was completely depleted of his comedic prowess and earned him an Oscar nomination. He has shown his dramatic talent regularly since with fantastic performances in The big court and Handsome boy among others.

Anne Hathaway

Anne Hathaway in Brokeback Mountain
Image via focus features

Throughout his career, Anne Hathaway was something of a Disney Princess, starring in The Diary of a Princess and other early 2000s family comedies before making a seismic transition to more adult films later in the decade. While Ravaged stands as the first of his forays into grittier roles was his performance in Brokeback Mountain who heralded her as a real acting talent to be taken seriously.

Hathaway has become one of Hollywood’s most versatile talents, appearing in everything from iconic comedies to gripping dramas and hit epics. She was nominated for two Oscars, including one for her heartbreaking supporting role in the 2012 musical drama Wretched.

Elijah Wood

Elijah Wood started out as a prolific child actor in the 1990s, starring in numerous films across a range of genres before breaking out as Frodo Baggins in the fantasy epic The Lord of the Rings trilogy. Wood almost avoided being typecast and moved away from heroic performance immediately afterwards in a risky career move that saw him have a wide range of interesting characters.

The decision saw Wood make an instant impact with his performances in Eternal sunshine of the spotless mind, city ??of sin and Green Street Hooligans. He’s appeared in everything from quirky comedies to baffling horrors since then, in a decorated and underrated film career post. The Lord of the Rings.

RELATED: Elijah Wood’s 11 Best Movies Since ‘The Lord Of The Rings’

tom hank

Tom Hanks in Philadelphia
Image via TriStar Pictures

With Outstanding Performance in the 1984 Film Splash, tom hank quickly became known for his charming and kind demeanor in leading roles in romantic comedies of the 80s and early 90s. Featured in films such as Big, Turner & Hoochand Insomnia in Seattlehis career trajectory seemed set in stone, but everything changed quite quickly.

Turning to drama with the years 1993 philadelphia cream showcased the full range of Hanks’ acting talents and won him his first Oscar. Just 12 months later, he won his second Oscar for Forrest Gump and has been considered one of Hollywood’s greatest and friendliest actors ever since.

Charlize Theron

Charlize Theron in Monster
Image via Newmarket Films

Moving from modeling to acting in the mid-1990s, Charlize Theron initially struggled for the job, but soon landed roles due to her striking appearance. She caught the eye with her brief performance in 2 days in the valley and, while she feared being typecast, was encouraged to continue in similar roles.

While she had something of a major breakout in 1997 Devil’s advocate ? and enjoyed a career boom in the years that followed ? it wasn’t until she starred in the 2003 biographical crime drama Freak that she took full control of her career. The confrontational performance won Theron an Oscar and led her to other leading roles that saw her become the action heroine she is known today.

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